jueves, 7 de febrero de 2019

Una Amistad sin Fronteras: The Green Book

Nueva York 1962. Tony "Lip" Villalonga se queda temporalmente sin trabajo, por el cierre del bar en el que ejerce de seguridad. Se le presenta entonces la oportunidad de hacer de chofer del Dr. Don Shirley, un artista que debe salir de gira por las principales ciudades del sur del país.
Este es el punto de partida de Green Book (que se estrena acá con el horrible título de Una Amistad sin Fronteras), una de las sorpresas más agradables de las nominadas a los premios Oscar, en la que destacan nítidamente un hilarante Viggo Mortensen quien compone con gran realismo a un ítalo descendiente del Bronx y a un correcto Mahersala Ali, también muy bien encajado en su rol.
La química entre ambos es evidente desde la primera vez que aparecen juntos: dos personajes que no pueden ser más diferentes el uno del otro y que sin embargo están condenados a tolerarse y luego a comprenderse.
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A pesar de que la película sigue todas las reglas del género y es bastante convencional en ese sentido, el director Peter Farrelly plantea y resuelve de manera original las escenas de tal manera que las risas (y a veces el drama) aparecen cuando no los esperamos.
Aprovechando el estreno de esta película, reafirmeremos aquí nuestra postura contra ese grave atentado al cine, que es el doblaje de las películas. 
Particularmente en esta película se perdería al menos el 80% de su gracia, si es que se estrena doblada: no seríamos capaces por ejemplo de escuchar la perfecta imitación del acento del bronx de Mortensen, ni de los esfuerzos de éste por soltar su italiano fluido, ni del contraste cuando entra a hablar el personaje de Ali, un tipo que por su educación habla un correctísimo inglés, ni tampoco alguno de los chistes más logrados (como aquel del disco de los huérfanos, por ejemplo).
El resto del reparto, aunque tiene poco peso, también destaca, especialmente Linda Cardellini como la dulce esposa de Tony.
Finalmente habría que resaltar también la labor de Farrelly, un director quien con su hermano tiene un largo historial de humor grueso y ramplón, ahora convertido en un director clásico, al estilo del mejor Frank Capra.

FICHA TÉCNICA
Título Original: The Green Book Año y País: Estados Unidos 2018
Director: Peter Farrely Productores: Jim Burk, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Villalonga y Charles Wessler Guion: Nick Villalonga, Brian Hayes Currie y Peter Farrelly Casting: Rick Montgomery Dirección de Fotografía: Sean Porter Edición: Patrick don Vito Dirección de Arte: Scott Plauche .Diseño de Producción: tim Galvin Protagonistas: Viggo Mortensen, Marhesala Ali, Linda Cardelini, Dimitri Marinov, Mike Hatton, P.J.Byrne

martes, 5 de febrero de 2019

La Favorita

Yorgos Lanthimos es un cineasta griego que se dio a conocer al mundo con la extraña Canino (kynodentas, 2009), una cinta ambientada en su Atenas natal, sobre unos padre sobreprotectores que había prohibido a sus tres hijos todo contacto con el exterior.
Luego continuó con la aún más extraña La Langosta (The Lobster, 2015) una distopía en plan cómico, para continuar llamando la atención con el thriller La Muerte de un Ciervo Sagrado (The Killing of a Sacred Deer, 2017), cinta en la que todo era inquietante.
Pues bien, Lanthimos regresa este año con La Favorita (The Favourite, 2018) primera película en la que no lleva a la pantalla grande un guion suyo, y aparentemente, la película menos extraña de este cineasta.
Decimos aparentemente, porque con Lanthimos nunca se puede hablar de "no extraño", así que también en esta cinta ambientada en la Inglaterra de inicios del siglo XVIII, tenía que tener por algún lado su marco personal, y acá la encontramos en dos aspectos: los recursos audiovisuales que emplea y el humor, bastante negro que predomina en la mayor parte de la película.
En el primer caso Lanthimos se vale de una cámara con lentes gran angulares, con los que pretende que no se nos escape ningún detalle de todo lo que ocurre en el castillo donde vive la reina Anne, soberana de Inglaterra afectada por la gota y otros problemas de la piel.
Estos lentes incluyen algunos de los llamados "ojo de pez", que aparecen mayormente en las transiciones, para mostrarnos las distorsiones del extraño mundo en el que se desenvuelven los protagonistas.
La cámara además se mueve cuando uno menos lo espera, puede estar fija un momento, y de pronto se acerca o se aleja, con velocísimo travellings que desconciertan al espectador y por ratos pareciera que hasta los mismos protagonistas.
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En cuanto al humor negro, Lanthimos es implacable con sus personas muestra casi como burlándose las desgracias en las que caen los personajes que se han declarado la guerra, para ver quién se queda con el privilegiado lugar de asistir a la reina. Así vemos a una Rachel Weis sufriendo un caída ecuestre o Emma Stone siendo azotada por metiche.
Pero además el realizador griego se esfuerza en mostrarnos las miserias de esa corte que decide qué tiene entre sus manos las vidas de millones de conciudadanos: así vemos a una reina que apenas puede caminar y está llena de heridas horribles, o a unos cortesanos estrambóticamente maquillados, que se divierten haciendo carreras de gansos o lanzando tomates al perdedor de turno.
A resaltar el gran trabajo del trío protagonista Colman, Weisz y Stone están sensacionales como la reina y sus sirvientes, destacando no solo por sus ingeniosos diálogos, sino también hasta por los gestos más sutiles, los cuales siempre dicen mucho más que las palabras.
La carrera de este cineasta griego sigue en ascenso. Esperaremos que nos trae más adelante. 

FICHA TÉCNICA
Título Original: The Favourite Año y País: Reino Unido 2018
Director: Yorgos Lanthimos Productores: Ceci Dempsey, Ed Guiney y Yorgos Lanthimos Guion: Deborah Davis y Tony McNamara Casting: Dixie Chasay
Dirección de Fotografía: Robby Ryan Edición: Yorgos Mavrosparidis Sonido: Johnnie Burn .Diseño de Producción: Fiona Crombie Protagonistas: Olivia Colman, Rachel Weisz, Emma Stone, Nicholas Hoult, Joe Alwin y James Smith.

miércoles, 30 de enero de 2019

Nace una Estrella

Quien hace unos años se reía con el Bradley Cooper de ¿Qué pasó Ayer? (The Hangover, 2009), no se le ocurriría jamás pensar que se iba a poner algún día detrás de la cámara y sería capaz de realizar un proyecto tan prometedor, como el que nos ocupa hoy: el remake de Nace una Estrella (A Star is Born).
En líneas generales la historia parece ya conocida: un artista consagrado conoce una joven talentosa y logra convertirla en una estrella, la cual logra alcanzar tanto brillo, que termina por eclipsar a su descubridor, quien por otro lado, ya estaba enfrentando la decadencia.
Pero Cooper lo cuenta de tal manera, con tal intensidad, que la historia alcanza nuevas cumbres y emociona como si fuera un cuento que descubrimos por primera vez.
La intensidad a la que nos referimos se hace visible especialmente en la primera hora de la película: empleando mucha cámara en mano, y planos muy cercanos, Cooper nos zambulle de lleno en el mundo de Jackson y Ally, en su veloz romance y en sus sueños y frustraciones.
Además de los recursos visuales, Cooper y Gaga han sabido elegir muy bien la música (ella compuso la mayoría de las canciones junto a Mark Ronson), y es justamente en la interpretación  de uno de esos temas (Remember us this way), donde alcanza su pico máximo esta primera parte: la interpretación de Gaga tiene tanta fuerza que le pondría la piel de gallina al más insensible.
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La segunda hora es más convencional, al centrarse más en los caminos que van siguiendo los protagonistas, y la música pasa a un segundo plano. Era difícil sostener el ritmo y fuerza iniciales  durante toda la película, pero aún así, esto no desmerece el resultado final.
Bradley Cooper ha logrado transmitir un realismo y una naturalidad que pocas veces se ve en este tipo de películas, esto debido en gran parte a la química que desarrolla con Lady Gaga: Cooper compone un personaje decadente y tosco (hace recordar al Jeff Bridges de Crazy Heart 2009), pero que al mismo tiempo es encantador y bien intencionado.
Mientras que Lady Gaga, aprovecha la oportunidad de su vida, interpretando con todos sus matices a la chica luchadora que ya casi ha perdido la fe en sus sueños y luego se va transformando en la estrella pop que todos menos uno, adoran. Ella es en gran parte la películ. La cantante ha probado ser una artista completa, sería muy injusto que no le dieran el premio de la Academia.
El resto del reparto también hace lo suyo, empezando por un paternal Sam Elliot, Anthony Ramos, y el villano de la historia Rafi Gavron.
Resumiendo: esperanzador debut de Bradley Cooper, tal parece que ha nacido una nueva estrella de la dirección, de quien esperamos más en los años venideros.

FICHA TÉCNICA: Título Original: A Star is Born Año y País: USA 2018 Duración: 134 min
Director: Bradley Cooper Guion: Eric Roth, Bradley Cooper y Will Fetters Productores: Jon Peters, Todd Phillips, Bradley Cooper, Bill Gerber y Lynette Howell. Dirección de Fotografía: Matthew Libatique Edición: Jay Cassidy Diseño de Producción: Karen Murphy Dirección de Arte: Mathew Horan y Bradley Rubin Distribución: Warner Bros.

lunes, 28 de enero de 2019

El Infiltrado del Ku Klux Klan

Spike Lee, fue uno de los directores revelación fines de los 80, con películas como Do the Right Thing (1989) o Jungle Fever (1991), parecía encaminado a una trayectoria llena de premios. Sin embargo y a pesar de haber presentado excelentes trabajos como Malcom X (1992) o The 25th Hour (2003), luego su estrella se fue apagando y parecía que saldría de escena sin mayores reconocimientos, que el Oscar Honorífico que le otorgaron el 2015.
La vida sin embargo, le ha dado una segunda oportunidad con BlacKkKlansman (literalmente el hombre negro del Klan), cinta basada en una historia de la vida real, sobre un policía afroamericano, quien telefónicamente logra infiltrarse en una sección del Ku Klux Klan y luego concreta esa infiltración con un compañero policía blanco, en la pequeña localidad de Colorado Springs, en el estado de Colorado.
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La película está bien contada, Lee utiliza todos los recursos que tiene a la mano de manera efectiva y se apoya en un reparto bastante eficiente encabezado por John David Washington (el hijo de Denzel), Adam Driver y Laura Harrier, quienes hacen que la historia no solo parezca creíble, sino que además consiguen involucrar al espectador.
Pero Lee, no se limita a contarnos solo una historia ya de por sí interesante, sino que además nos sitúa en el contexto de esos años (los '70), con otra "infiltración" del protagonista esta vez en un grupo de los radicales panteras negras, mostrándonos sus discursos, acciones y narraciones de un pasado opresor y salvaje contra la minoría negra.
La evidente cercanía del director por estos hechos, hacen parecer que por momentos perdiera el foco de la película, ya que la infiltración de Wahsington y Driver pasa a un segundo plano. Felizmente, Spike Lee luego retoma con firmeza la historia principal. Hasta que luego nos empuja hasta el presente, en una secuencia donde nos demuestra que las cosas no han mejorado mucho en todos estos años.
En resumen El Infiltrado del Ku Klux Klan, si bien es una buena película, no es la mejor de este director, de todas formas es una oportunidad para premiar a uno de los pocos y grandes referentes del cine afroamericano de los últimos años.
Por tal razón creemos que se llevará al menos dos estatuillas.

jueves, 24 de enero de 2019

Roma


Se ha escrito mucho sobre Roma, tanto que lo que existe, daría para publicar ya varios libros. Este hecho nos da una idea de la importancia que ha adquirido esta película en tan poco tiempo, importancia que la ha llevado al peligro de ser víctima de su propio éxito (como ocurrió hace unos años con La la Land), y que tenga además de seguidores, detractores.
Pero aparte de esos hechos extracinematográficos, Roma es una película única, sólida y que les guste o no a muchos, se ha constituido en un hito de la cinematografía mundial, que marcará un antes y un después en aspectos como la consolidación del streaming, los insertos digitales como elementos de dirección de arte, las posibilidades del blanco y negro, entre otros.
La película nos cuenta la historia de Cleo, la servidora mixteca de un hogar con una familia numerosa, que poco a poco va adquiriendo mayor protagonismo, sobre todo a raíz del abandono del padre a su familia.
Toda esta trayectoria de Cleo, nos es mostrada por medio de una distancia y frialdad, poco usuales en este género tan querido por los mexicanos, que es el melodrama. Existe además una original combinación de movimientos de cámara (grúas, paneos circulares, travellings), con planos fijos, contemplativos, que muchas veces lucen muy recargados y además llenos de claves y simbolismos, que muchos críticos y cineastas han empezado a descifrar ya.
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Aunque a veces no se nota, hay también un gran trabajo de composición digital en post producción: el director ha recurrido muchas veces a las inserciones digitales, para integrar elementos que ya no están allí, y de esta forma mostrarnos de la manera más aproximada posible las imágenes que él conserva de sus recuerdos.
Y eso es uno de los logros más importantes del film, Cuarón ha logrado crear imágenes poderosas, de gran poder evocador, no solamente para un mexicano habitante de las colonias del Distrito Federal (como había dicho por allí un despistado), sino para cualquier habitante del planeta, especialmente para los que fuimos niños, en aquellos años.
En cuanto a las actuaciones, obviamente destaca la debutante Yelitza Aparicio en el rol de Cleo, y lo hace tanto porque encarna con gran naturalidad al personaje, como también porque su personaje tiene un protagonismo aplastante, prácticamente no hay escena en que no aparezca, y los demás personajes se quedan muchas veces al nivel de un elemento más de la escenografía, aunque esto no es necesariamente un defecto.
Está también el aspecto de los contenidos que toca la película: rol de la servidumbre (tan común en América Latina), las convulsiones político-sociales de los ‘70, el paternalismo, la situación de la mujer, el abandono familiar, la segregación de las clases menos favorecidas, la crisis de la familia, en fin tantos temas de debate que la película ha generado, pero que no vamos a tocar aquí porque como dijimos el inicio, se necesitarían varios libros para tratar estos temas.
Concluyendo, creemos que Roma ha ganado los premios que ha ganado y ha llegado a tener diez nominaciones en el Oscar, no por moda, ni por situaciones extracinematográficas (como los récords que ha marcado: primera película en español en ser nominada a mejor película), creemos que ha llegado hasta aquí por sus propios méritos y es por eso que pensamos que se llevará varias de las estatuillas a las que ha sido nominada