lunes, 29 de enero de 2018

Relatos de Adolescente

Lady Bird

Lady Bird fue una de las triunfadoras de la más reciente entrega de los Globos de Oro y basta ver sus primeros minutos para darse cuenta porque fue así. Si existe justicia en este mundo, esta película también debería estar entre las grandes triunfadoras en el Oscar, salvo que por dar la contra a los Globos, los señores de la Academia, decidan premiar a otras cintas.
Este film es el segundo debut de Greta Gerwig (en el 2008 co-dirigió Nights and Weekends con Joe Swanberg), una actriz que ha participado en muchas cintas de cine independiente, concretamente en una corriente de este llamada mumblecore, de las que justamente Swanberg y otros directores como Noah Baumbach, son sus principales exponentes.
Ya en sus trabajos como actriz se notaba en Gerwig una sensibilidad especial, recordamos con especial admiración su intervención en Frances Ha, la historia de una torpe mujer a quien le cuesta entrar en la etapa de la adultez.
El caso de Lady Bird es parecido, no en vano la película está basada en las memorias de la misma actriz, aunque en este caso cambia la etapa de la vida: se trata del último año de la secundaria de Christine McPherson, una adolescente con muchas ganas de triunfar, que se rebela ante su entorno, y por ello decide cambiarse de nombre por el de Lady Bird.
La rebelión de Lady Bird no es tanto contra las personas (a pesar de la difícil relación con su madre), como con la complicada situación por la que vive: verse obligada a estudiar en un colegio religioso, las carencias económicas de su familia, padres ausentes (su madre debe trabajar doble turno y su padre sufre depresión crónica), tener que relacionarse con gente de clase acomodada, etc. todas estos problemas chocan contra sus aspiraciones de irse vivir a Nueva York y salir de la pequeña ciudad californiana de Sacramento, localidad que ella siente que la asfixia.
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Por otro lado también están los problemas que sufre ella misma como ser inmaduro: un ser que está todavía buscando su propia identidad, y esto la lleva a mentir, relacionarse con las personas equivocadas y hasta avergonzarse de su familia.
Todo esto está narrado muy eficazmente a través de pequeñas escenas de corta duración, que siempre acaban bien resueltas, y confirman el buen hacer de Gerwig como relatora de historias.
Además en la cinta no hay lugares comunes, por momentos el espectador podría pensar que encontraría las típicas diatribas contra sacerdotes y monjas, pero por el contrario, no hay ni malos ni buenos. Concretamente hay una escena del personaje principal con una monja, que pinta a la religiosa como una persona muy tolerante y de buen humor.
Pero lo que más destaca en esta cinta son las actuaciones: Saorsie Ronan luce muy natural y convincente como Lady Bird y por ratos parece la Greta Gerwig de sus primeras películas. Sin embargo la que se lleva las palmas es Laurie Metcalf cuyo personaje es más complejo. ¿Dónde estuvieron antes los directores que no han sabido apreciar el talento de esta gran actriz? Las escenas que ambas comparten son lo mejor de la película.
Concluyendo Lady Bird resuma frescura y originalidad y augura un brillante futuro como realizadora a Greta Gerwig, aunque esperamos que eso no signifique que deje de participar como actriz.

miércoles, 24 de enero de 2018

Horas Difíciles

La Hora Más Oscura

Gary Oldman es con toda seguridad uno de los actores más solventes de la actualidad. Con una larguísima trayectoria que lo han llevado a actuar en casi un centenar de trabajos,  no ha obtenido sin embargo hasta el momento el codiciado Oscar. Solo fue nominado anteriormente vez por su papel de George Smiley en Tailor, Tinker, Soldier, Spy, un drama de espías, dirigido por el sueco Tomas Alfredson.
Ahora es muy probable que logre su deseo gracias a este film La Hora Más Oscura (Darkest Hour) a cargo de su paisano Joe Wright, en el que encarna al primer ministro británico de la Segunda Guerra Mundial Sir Winston Churchill.
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La Hora Más Oscura no es un biopic, tampoco una cinta bélica. Es más un thriller político centrado en uno de los momentos más difíciles del Reino Unido, en los que estuvo a punto de desaparecer como nación: Hitler ha invadido Polonia, Checoslovaquia y se apresta a invadir Holanda y Bélgica, los parlamentarios ingleses no están contentos con la actuación de su Primer Ministro Neville Chamberlain y deciden retirarle la confianza, en su lugar nombran a Winston Churchill, a pesar de que el rey y muchos otros habrían preferido a Lord Halifax.
Una vez asumido el mando, Churchill se dará cuenta que las guerras que tiene que enfrentar no serán fáciles, sobre todo por sus enemigos, que no son tanto Hitler y Musolini, como sus compatriotas Chamberlain y Halifax quienes quieren forzarlo a firmar una humillante paz con Hitler, y dejar de pelear una guerra que ya consideran perdida.
Wright dirige el filme con corrección, dejando a actuar a Oldman, que es el pilar en el que se sostiene la película, pues aparte de él, el rey, su esposa, su secretaria y su archienemigo Halifax (bien interpretado por Stephen Dillane), todos los demás personajes son meras comparsas y no permiten el lucimiento de sus actores.
Oldman se mimetiza por completo con el personaje, imita sus poses, sus gestos, las inflexiones de su voz, logrando no solo que reconozcamos en él a Churchill, sino también que nos metamos dentro de su mente, y sintamos sus iras, deseos y temores.
Fuera de eso, la película se mueve dentro de lo convencional, a pesar de los intensos claroscuros y movimientos de cámara de Bruno Delbonell. Solo hay un momento (atención spoilers) en que la cinta rompe con ese convencionalismo, y es una escena casi surreal, en la que Churchill abandona su auto y decide irse al parlamento en un metro, encontrándose con la gente común y obteniendo de ellos la inspiración que necesita. Justamente por salirse de lo común es una de las escenas mejor logradas de la película.
Si bien no se trata de una obra maestra, La Hora más Oscura, sirve como película histórica, y sería recomendable verla junto a otra de las nominadas al Oscar: Dunquerque, de Christopher Nolan, pues ambas se ubican en la misma época (mayo, 1940) y dan una visión más completa de esos difíciles momentos de la historia, no solo de Europa, sino también de la humanidad.














































































































viernes, 19 de enero de 2018

Lo Mejor del 2017

Este 2017 por  desgracia en provincia, se fueron acentuando ciertas tendencias que han logrado que sea cada vez más difícil ver cine en las salas: pocos estrenos de interés, casi el 100% de estrenos doblados,  cada vez más público para las mismas salas, salas en malas condiciones, blockbusters que duran una eternidad en cartelera , en fin felizmente existe Netflix y otras alternativas que sí están ofreciendo mayor variedad de material, aunque no siempre sea posible verlo en pantalla gigante.
Entre lo que hemos visto este año,  en la cartelera comercial he aquí lo que nos impactó más:
1.       Blade Runner 2049 impresionante secuela de la cinta de Ridley Scott a cargo del  franco canadiense Dennis Villeneuve, un cineasta que ya juega en las ligas mayores.

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2.       La La Land, maltratada por los Oscars 2017, La La Land, no deja de ser el mejor musical de los últimos 20 años, dirigida por Damien Chazelle.
3.       Silencio (Silence) de Martin Scorsese, cinta contemplativa y compleja que se vale de la historia de dos misioneros apóstatas en Japón, para tratar algunos misterios de la fe católica. Muy bien narrada y con excelentes actuaciones de Andrew Garfield y Adam Driver.
4.       La Última Tarde de Joel Calero. Anunciada para su estreno en Chiclayo, pero no llegó. Una pareja de ex terroristas se reencuentran años después en Lima para firmar su divorcio. A partir de esta anécdota el director nos cuenta no solo los pormenores de la relación, sino también de lo que pasó en el país, en los años del terror. Una película necesaria y de visión casi obligatoria.
5.       Dunquerque (Dunkirk) de Chris Nolan. El cineasta británico muestra con gran realismo y a través de diversos personajes, el heroico rescate de soldados ingleses y aliados, atrapados en una playa de Bélgica durante la segunda guerra mundial.
6.       Huye (Get Out!) Sorprendente debut como director del actor de color Jordan Pelee. El pretexto argumental es el siguiente, un joven negro va a una casa de campo a conocer a los padres de su novia blanca, lo que comienza con una amena reunión se transforma en una pesadilla. Bajo el disfraz de una cinta de terror, Pelee denuncia varias situaciones de la Norteamérica actual.
7.       Nada que perder (Hell or Higwater)  Ya comentada en este blog, David Mackenzie nos presenta una visión pesimista de una Norteamérica  totalmente decadente, a través de la historia de dos hermanos desesperados forzados a delinquir. Brillantes Chris Pine y Jeff Bridges.
8.       Coco. Pixar lo volvió a hacer. Con la direcciones de Lee Unkrich (Toy Story 3) y Adrián Molina, nos narran la historia de Miguel un niño que ama a la música, pero que vive con una familia que la odia, motivo por el cual decide dejar su casa y termina en la tierra de los muertos.  Un sentido homenaje a la cultura mexicana.
9.       Tu nombre (Kimi no na wa) Hay vida en el ánime después de Miyazaki.  Tu Nombre, es una  cinta de arranque un poco flojón, a cargo de Makoto Shinkai, pero que luego da un giro sorprendente. Taki y Mitsuha son dos adolescentes que no se conocen, pero que viven en dos lugares distantes de Japón y que  sin saber cómo están intercambiando cuerpos.

10.   La Mujer Maravilla (Wonder Woman) Aunque es una cinta irregular, cuenta con grandes momentos, que la hicieron ganarse este lugar. La película acierta desde el casting, al conseguir para el papel probablemente a la mejor mujer maravilla de todos los tiempos: Gal Gadot, quien le otorga una dignidad natural al personaje. Dirige Patti Jenkins, una gran directora quien luego de su debut con Monster (2013), había sido relegada a la televisión.  La sensibilidad y mirada femenina se nota en toda la película.