viernes, 31 de diciembre de 2010

LO MEJOR DEL 2010

Una vez más se me complicaron las cosas y no he podido postear nada hasta que me llegó el fin de año, y no queda otra cosa más que publicar la famosa lista de las 10 mejores. Felizmente, a pesar de la lamentable pobreza de la cartelera local, este año se pudieron apreciar algunas cintas interesantes. He aquí la lista.


1.       1. El Origen (Inception)
Christopher Nolan ahora cuenta ya con una obra maestra.  Leonardo Di Caprio, encabeza a un equipo de soñadores (pocas veces se ve a un elenco que encaje tan bien) que se meten en el inconsciente de un empresario para tratar de implantarle una idea que puede cambiar el mundo empresarial. Acción de primera, un guión con narración y metáforas bien logradas y una mezcla de ingredientes provenientes de diversas fuentes, se conjugan en una película que admite mucho más de una lectura y por ello se disfruta mucho más, mientras más veces se vea.
2.      2.  Toy  Story 3
La Pixar, esta vez bajo la mano de Lee Unkrich, logró una vez más lo que ya parecía imposible: superarse a sí misma. Con adecuadas dosis de humor, intriga, acción y hasta terror (los villanos Lotso y Bebote a veces adquieren ribetes muy siniestros), Toy Story 3 es la mejor de la saga y una dignísima despedida a tan queridos personajes que han crecido con una generación. El conmovedor final es el mejor que hemos visto y que seguramente veremos en una cinta de animación por computadora en mucho tiempo.
3.      3.  Atracción Peligrosa (The Town)
Estrenada con ese horrible título que casi hace que la perdamos de cartelera, Ben Affleck demuestra que va camino a ser un gran director y no sólo eso, sino que cuando se dirige a sí mismo, puede lograr interpretaciones más que dignas.  Situada en Charlestown, un barrio de Boston venido a venos, Affleck es miembro de una banda controlada por una mafia de descendientes de irlandeses, que inicia una peligrosa relación con la testigo de uno de los asaltos. Con un adecuado balance entre cine de acción (las escenas de tiroteos y persecuciones están hechas con precisión milimétrica) y de personajes (no hay aquí caricaturas o caracteres planos, todos tienen defectos y virtudes muy humanos), The Town ha sido una de las mayores sorpresas de este 2010.
4.       4. Zona de Miedo (The Hurt Locker)
Cuando pensábamos que Kathryn Bigelow ya había pasado al retiro, nos sorprendió con esta película que se llevó algunos de los Oscar más importantes (en una de esas raras ocasiones en que la Academia acierta), sobre las actividades diarias en Irak de un experto desactivador de bombas, correctamente representado por Jeremy Renner quien también tiene un papelazo en The Town. La tensión y la adrenalina de los momentos de las desactivaciones y una excelente construcción de personajes, hacen de esta película, la mejor de su directora.
5.       5. Los Amantes (Two Lovers)
James Gray es un cineasta al que hay que luchar para poder verlo en las salas del Perú fuera de Lima, pues suele estar muy poco tiempo y a quien hemos conocido más gracias al cale. Esta vez deja de lado sus historias de personajes mafiosos o policiales, para contarnos una más íntima: la de un joven depresivo que se ve mezclado entre dos relaciones: un amour fou y otra con una chica de familia que le ofrece estabilidad. El trabajo de Joaquin Phoenix es una vez más impecable (Gray siempre ha logrado sacar lo mejor de él), aunque ahora está muy bien acompañado por Gwyneth Paltrow, Vanessa Shaw y la siempre grata presencia de Isabella Rosellini.
6.     6.  La Carretera (The Road)
Cuando el mundo ha sido destruido, ya no quedan casi seres vivientes en el planeta y los que quedan son casi demonios, ¿se debe o se puede seguir siendo padre? Esta es la premisa de la que parte John Hillcoat realizador australiano que está avanzando a pasos firmes en la industria. Con un inspiradísimo Viggo Mortensen y el pequeño actor revelación Kodi Smit-McPhel, padre e hijo recorren un país desolado lleno de saqueadores y caníbales, tratando de llegar a un lugar donde exista algo de civilización. Una metáfora de lo que se está convirtiendo nuestro mundo.
7.      7. Enemigo Interno (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans)
Teníamos nuestras dudas cuando nos enteramos que la próxima película de Werner Herzog sería un remake de la cinta de culto de Abel Ferrara. Pero Herzog es un tipo serio y ha logrado una re creación de la historia para sacarse el sombrero. Ambientada en una Nueva Orleans de pesadilla, post Katrina, la cinta se centra más en las situaciones que llevan al personaje a convertirse en lo que es, que en sus acciones corruptas. Cage logra una buena interpretación, aunque sorprende más Eva Mendes, quien demuestra que todavía le queda mucho por delante.
8.    8.  Siempre a tu lado (Hachiko)
El siempre eficiente director sueco Lasse Hallstrom nos trae la historia en la que el protagonista es un perro, pero contada de una manera diferente, muy lejos del sentimentalismo lacrimógeno de Lassie y similares. Es más como el rendir homenaje a un ser excepcionalmente fiel que realmente existió en Japón y en la que se basa esta historia. Richard Gere, … y el resto del reparto no son más que meros acompañantes del gran hachi.
9.    9.   Octubre
Al cine peruano ha sido difícil seguirlo este año en provincia: estrenos no llegaban, que llegaban tarde o que pasaban muy poco tiempo en cartelera. Para suerte nuestra pudimos apreciar antes de que acabe el año, esta grata sorpresa, el debut de los hermanos Vega en el cine.  Un magnífico Bruno Odar encarna a un usurero, cuya vida se ve trastornada por la llegada de una bebé a su casa. Con un estilo minimalista y contemplativo que recuerda por momentos al mejor Kaurismaki, y una cámara que se mantiene fija   todo el tiempo pero con unos encuadres muy significativos y armónicos, Octubre nos da la esperanza que este recambio generacional del cine peruano va por buen camino. Ojalá que el siguiente trabajo de los Vega no nos defraude.
1010.   Kick Ass
Una ráfaga de frescura y originalidad en el Hollywood que adapta comics. Kick Ass, es un superhéroe cuyo poder principal radica en su capacidad de aguantar golpes. Cuando todo parece apuntar hacia su muerte recibe la ayuda de Big Daddy y Hit Girl unos vengadores bastante sanguinarios. Con unos personajes bien delineados, muy buenas coreografías de pelea y un ritmo acelerado, Kick Ass se deja ver a pesar de sus excesos y de hecho muchos están esperando ya su segunda entrega.
Todo indica que en esta lista debieron aparecer también cintas aclamadas como Criatura de la Noche, The Social Network o Paraíso, pero para un cinéfilo de provincias ese es material que por ahora está bastante lejos de nuestro alcance, como fruta prohibida. Ojalá algún día esa situación cambie. 

lunes, 8 de marzo de 2010

HEMOS LLEGADO LEJOS


Hace poco más de un año, en el post titulado "un buen día para ser peruano", nos congratulábamos del premio que lograba Claudia Llosa en Berlín con "La Teta Asustada". Muchos recién se enteraban de quién era Claudia, y quién Magaly Solier, cuando ya antes habían obtenido importantes premios en su cinta debut "Madeinusa".
Cuando fue nominada al Oscar, aunque se trate de un premio que realidad es de menos rigor que el Festival de Berlín, la alegría fue mayor, porque ahora sí el nombre de la película y del Perú iba a ser visto en todo el mundo.
Era bastante complicado llevarse el Oscar, pero que una cinta peruana, llegue a estar primero entre los 10 nominados (ningún film peruano llegó hasta allí) y luego entre los 5 primeros ya era un logro enorme.
Por eso el día de la nominación, debió ir este post. De todas formas, guardábamos algo de esperanzas que es noche se rompan todos los pronósticos y el Oscar llegue al Perú y por eso nos hemos esperado hasta hoy.
Cuando vimos anoche que Pedro Almodóvar entregaría la estatuilla, supimos que la premiada iba a ser una cinta latinoamericana, pero esa esperanza terminó de desvanecerse cuando subió Campanella al escenario, quien de todas maneras es quizá el mejor director de su país en estos momentos, y su película, una de las mejores que ha hecho, por lo que el premio es justo y no deja de ser significativo para América Latina.
Sé que suena a consuelo, pero realmente el cine peruano no lo ha hecho nada mal, hemos llegado bastante lejos y si estos premios se concretan en más ayuda tanto del estado como de fuera, en unos años más estaremos celebrando nuestro primer Oscar.
Esperemos que las palabras presidenciales (quien por cierto, hasta el momento casi ni comentó la película), no se queden en meras frases para la foto, sino que se concreten en más apoyo al cine nacional, que en realidad es un buen instrumento para que el Perú "avance".

jueves, 25 de febrero de 2010

PERDIDO EN EL LIMBO

DESDE MI CIELO


Desde que culminó la trilogía de El Señor de los Anillos, parece que Peter Jackson ha perdido el rumbo: su excesiva King Kong fue un fracaso de público y crítica y en este nuevo, intento parece todavía seguir errando sin encontrar el camino.

Basada en el best seller de Alice Sebold, The Lovely Bones, "Desde mi Cielo", cuenta la historia de Susie Salmon, una vivaz y amorosa adolescente de 14 años que vive con sus padres y sus hermanos, en un suburbio de Pennsylvania. Susie -quien cuenta su propia historia con una omnipresente voz en off- tiene los problemas e ilusiones de cualquier adolescente, y cuando está a punto de conocer al primer amor, su vida le será abruptamente arrebatada por un violador y asesino en serie.

Susie entra entonces a una especie de limbo, desde donde todavía puede mirar a los suyos y a veces trata de llamarles su atención para que la ayuden a vengarse del asesino.

Al parecer Jackson ha querido dejar atrás todas las superproducciones y blockbusters y centrarse en una historia más sencilla y humana como la memorable Heavenly Creatures (Criaturas Celestiales, 1994), con la cual dejó su Nueva Zelandia natal, empezó a ser visto con buenos ojos en Hollywood y dio el primer paso para consagrarse como director.

De hecho, la primera parte de la cinta en la que se nos presentan los personajes se pueden encontrar algunas similitudes con la mencionada Heavenly Creatures, como la ubicación en una pequeña localidad, la protagonista femenina, la suavizada textura de los colores de la cinta, y esa creación de mundos paralelos, reflejada aquí en la trampa que utiliza Harvey, el asesino, para omnibular a su víctima.

Pero hasta allí quedan las similitudes y más o menos hasta allí también queda lo poco de buen cine que puede apreciarse en Desde mi Cielo, a partir de allí todo es lento, aburrido y muy poco original.

Los problemas parten desde la concepción de ese cielo particular en el que se encuentra Susie (como muy pocas veces debo aceptar que esta vez me parece mucho más acertado en el título en español), Jackson nos presenta un cielo muy poco imaginativo, con imágenes que se han empleado hasta la saciedad en otros filmes y efectos especiales que no tienen ya nada de sorprendentes. Jackson cae en el típico error de Hollwood de deslumbrarnos mostrando algo, que habría sido mejor sugerir.

Luego salvo el personaje principal, los demás personajes están muy mal construidos. Son sólo esbozos, meros satélites que rodean a Susie en su paso de un mundo a otro.

Con personajes así, los actores no pueden hacer mucho, y artistas como Rachel Weisz y Susan Sarandon están totalmente desperdiciadas en los roles de madre y abuela, respectivamente. Stanley Tucci hace su mejor esfuerzo por componer al psicópata Harvey, pero se queda prácticamente en la caricatura (su nominación al Oscar es una exageración), lástima por un personaje que hasta pudo haber sido muy atractivo. Finalmente la adolescente Saoirse Ronan, cumple con su rol de protagonista, pero sin llegar a sobresalir.

Los aspectos técnicos tampoco aportan mucho, la fotografía de Andrew Lesnie acierta con los tonos de los momentos iniciales (la presentación de lugares hasta la trampa de Harvey), pero falla al mostrar el rabiosamente artificial cielo de Susie. La música de Brian Eno, suena demasiado solemne y grandilocuente en algunas escenas y la edición de Jabesz Olsen adolece de unos bajones de ritmos tremendos, especialmente en la segunda parte de la cinta, al grado de convertirse en una invitación al sueño profundo.
No hemos leído la novela, pero al parecer contenía varios aspectos que requerían de un arduo trabajo de adaptación, mucho mayor al resultado de lo que hemos visto en este guión, que ha preferido contar la historia apoyándose en un exagerado uso de la voz en off, que no ayuda para nada a la narración cinematográfica.Jackson es un buen director, ojalá que esto sea sólo un traspié, ojalá que Jackson pueda salir de este limbo en el que parece encontrarse y podamos ver pronto un mejor trabajo de él que nos permita recordarlo no sólo como el hombre que hizo posible la versión en cine de la trilogía de Tolkien.


jueves, 28 de enero de 2010

UNA AGRADABLE SORPRESA

LA PRINCESA Y EL SAPO


Después de un largo período de aletargamiento, debido en gran parte al boom de los dibujos animados por computadora, los estudios Disney vuelven a la carga con la animación tradicional y nada menos que con el mismo equipo que tuvo a su cargo producciones exitosas como La Bella y la Bestia y Aladdin: Ron Clements y John Musker.

Para variar en esta ocasión nos traen de vuelta otro cuento clásico “El Príncipe Sapo”, aunque ha sufrido tantas modificaciones que prácticamente es una nueva historia. Esta vez se ambienta en el Nueva Orléans de comienzos de siglo XX, donde vive Tiana, una niña negra que es la adoración de su padre, un obrero de buen corazón que sueña con ser cocinero y poner un restaurante con su hija. Esto ya es toda una novedad, ya que es la primera vez que una película de Disney tiene como protagonista un personaje de raza negra.

Pero el tiempo pasa, el padre ya no está con Tiana y ella tiene que tener hasta tres trabajos para poder ahorrar y cumplir con un sueño que parece cada vez más lejano. Pero su suerte parece cambiar cuando su amiga Charlotte La Bouf, la hija del hombre más rico del pueblo la contrata para que prepare la cena que ofrecerá al príncipe Naveen que llega a la ciudad, pero para su desgracia éste se encuentra con un brujo vudú que lo convierte en ya sabemos qué.

Desde el comienzo nos damos cuenta que no estamos ante una película cualquiera, la breve introducción nos presenta muy acertadamente al personaje principal y a su entorno, se aprecia un buen trabajo de investigación para ambientar la historia, y la narración va fluyendo de manera ágil hasta llevarnos al nudo de la trama. Y es en este momento, cuando creíamos que ya no se nos podía contar nada nuevo, cuando las cosas se ponen aún más interesantes.

Es el momento de la travesía de los dos protagonistas por los famosos bayous (bosques pantanosos) de Louisiana, cuando nos vamos sorprendiendo con personajes cada vez más entrañables: desde Louis, el cocodrilo trompetista, pasando por Odie, la bruja ciega de 120 años, hasta llegar a Raymond la luciérnaga cadjun eternamente enamorada de algo más allá de este mundo.

Claro, ninguna película de este tipo estaría completa sin un villano que se precie y aquí es donde tenemos al inquietante Dr. Facilier, apodado el hombre sombra, un hechicero vudú capaz de convocar al poder de los espectros.

A pesar de contar con varios momentos de humor, la historia no está exenta de momentos dramáticos, escenas románticas (la travesía por los bayous es hasta cierto punto un homenaje a Sucedió una Noche de Capra, aunque con los roles invertidos) y hasta de terror. Por supuesto, en una producción de este tipo no faltan los números musicales, esta vez a cargo del consagrado Randy Newman, entre los que se pueden destacar momentos como “Nunca supe lo que necesitaba”, o el tema con el que se abre y se cierra la película.

Hay quien en algún momento dijo que la animación tradicional había muerto, pero luego de ver La Princesa y el Sapo, sabemos que esto es absolutamente falso, porque el secreto de hacer una buena película no está en usar tal o cual técnica, el secreto está –aunque muchos todavía se resistan a creerlo-, en tener el talento y la pasión para saber contar buenas historias, y mientras eso exista, no sólo la animación, sino todo el cine no morirá jamás.

viernes, 15 de enero de 2010

BASTARDOS SIN CUMBRE



Este post debimos haberlo comentado hace mucho tiempo atrás, pero este año las buenas películas han demorado mucho en llegar a nuestro único cine local. Se proyectó unos pocos días, y además días de fin de año, con lo que el tiempo para subir y postear se hizo muy, muy escaso. En fin aquí está.

Quentin Tarantino, pertenece a ese raro grupo de directores que puede hacer literalmente lo que se le da la gana, cualquier historia que cuenta parece funcionar para él, ya que no interesa tanto lo que cuenta, sino cómo lo cuenta.

Además de su rara habilidad para contar historias el buen Quentin destaca también por su cinefilia y su ánimo para citar frecuentemente obras de los más diversos autores y tendencias y hacer unos empastes con ellos que por más diferentes que ellos parezcan (el cine chino de artes marciales por ejemplo con el spaghetti western) suele funcionar.

Bastardos sin Gloria no es la excepción, aunque en esta cinta los empastes no son tantos (básicamente es la música y algo del estilo del spaghetti western con algunas películas bélicas como Quel Maledetto Treno Blindato de Castellari o Dirty Dozen de Robert Aldrich), sino más bien las citas, homenajes al cine antiguo, y la proliferación de nombres de realizadores y filmes de los años 40, los de la Segunda Guerra Mundial.

Aunque el título parece querer destacar la presencia de los Bastardos, un comando de soldados judíos norteamericanos, con la única misión de aniquilar nazis, la película se centra más en la otra historia, la de Shoshanna, una niña judía que escapa del asesinato en masa de sus padres y en el coronel Landa, un perseguidor de judíos (aunque él prefiera llamarse detective), que funciona como enlace entre las dos tramas.

La trama de los bastardos, se viene a menos por el apunte caricaturesco y humorístico que se hace de ellos, y sólo una secuencia en que aparecen, la de la taberna, es nítidamente destacable sobre todas las demás.

Esta es una secuencia típicamente tarantiniana, con diálogos ingeniosos, humor y mucha tensión in crescendo. Lo que juega un elemento clave en esta secuencia es un recurso que por facilismo muy pocos directores emplean, y al cual podríamos llamar realismo lingüístico, y que consiste en que cada personaje hable el idioma que le corresponde, y no como haría una típica producción de Hollywood: que un soldado alemán hable inglés con un ridículo acento germano.

No es el único momento en que lo emplea (en la primera secuencia, en la que se nos presenta al coronel Landa, también se utiliza muy bien este recurso), pero el realismo lingüístico es clave en esta escena, pues prácticamente de él depende el desenlace de la misma. Por cierto el desenlace no podía estar mejor resuelto, y la tensión acumulada en los largos minutos que dura la escena, es algo pocas veces visto en el cine actual, comparable sólo a los western crepusculares de Sam Peckinpah y a los ya mencionados western spaghetti.

Lamentablemente lo que sigue después no está a la altura de lo logrado hasta ese momento. La secuencia ocurrida en el teatro, cuando Brad Pitt intenta lucir gracioso masticando un horroroso italiano con acento sureño norteamericano (Landa para desenmascararlo lo hace pronunciar hasta 7 veces su supuesto apellido Garlani, y las 7 lo hace de forma distinta), es divertido pero nada más. Y el desenlace de la misma es delirante, no sólo por la enorme licencia histórica que Tarantino se toma, sino por la ridícula muerte de Shoshanna, asesinada por su enamorado nazi, en un inconsecuente arranque de ternura para este duro personaje, y además con un estridente fondo musical al mejor estilo de Morricone en la Giu la testa de Sergio Leone.

El epílogo tampoco convence: si Aldo Ray sus secuaces se encargaban de matar a los asesinos de judíos, ¿por qué dejar escapar a ese pez gordo de Landa? De igual modo, ese brillante personaje que es Landa (de lejos el mejor de la película), se cae al final con ese improbable acto de alta traición. En resumen, se trata de un Tarantino más contenido, más maduro, con más agudeza creativa para los diálogos, pero quien todavía no ha llegado al Tarantino de sus obras anteriores. Esto no quiere decir que se trate de una película regular, al contrario, es muy buena y muy por encima de lo que se estrena por estos lares, pero no creemos que sea la obra maestra de este director.

martes, 12 de enero de 2010

MI LISTA 2009


Esta es la primera vez que hago una lista en mi blog. No lo he hecho antes porque pensé que en algún momento la cartelera mejoraría y tendría más tiempo de ir al cine, pero como ninguna de esas cosas ha ocurrido, mejor me decidí ha hacerlo de una vez.
Este 2009 ha sido particularmente malo en estrenos en el Perú, pero sobre todo para los que vivimos en provincia. El monopolio que ejerce una empresa que todos conocemos, no permite que alguien se arriesgue a traer estrenos nuevos y debemos conformarnos con lo poco que se trae para ver. Dentro de esta gran sequía cinematográfica, no ha sido muy difícil elaborar nuestra lista, estos 10 filmes han sido prácticamente lo único bueno que se estrenó por acá.
Ahí les van mis 10.

1. Gran Torino de Clint Eastwood. Lo mejor de este genial director ya entrado en años. No sólo por su narración, diálogos e impacto visual, sino porque es como una despedida del mismo Eastwood al cine y es una despedida llena de gran emotividad.
2. El Sustituto (The Changeling) de Clint Eastwood. Por partida doble Eastwood gana este año. Esta película es mucho más que el hecho real en la que se inspira: es un brillante crónica contra la corrupción y aunque se ambienta en Los Angeles de comienzos del siglo pasado, su mensaje es universal y atemporal.
3. Bastardos sin Gloria (Inglourious Basterds) de Quentin Tarantino. Quentin es genial, haga lo que haga. Además de ser divertida, Basterds es una delicia para el cinéfilo por la cantidad de citas que tiene y además por descubrirnos a otro gran actor, en este caso el austríaco Christoph Waltz, un villano de antología.
4. Up de Pete Docters . Larga gloria a los estudios Pixar. Cada película que saca no deja de soprendernos. Y aunque la segunda parte no ofrezca nada muy nuevo, la primera parte que cuenta la historia de amor del protagonista, toda una vida resumida en minutos, es simplemente genial, remueve hasta el más duro.
5. Enemigos Públicos (Public Enemies) de Michael Mann. Me atrevería a decir que es lo mejor que he visto de Mann. Despojándose de pretensiones este director nos ofrece su visión sobre un gángster que se creía diferente, con unos niveles de realismo que sólo puede lograr la movilidad de una cámara digital de alta resolución, manejada con maestría, claro está.
6. Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen. No podemos incluir esta película entre sus obras maestras, pero sí entre las mejores del año. Muy divertida, ingeniosos diálogos y una buena performance de la dupla española Bardem - Cruz, a pesar de sus personajes algo exagerados.
7. Elegía (Elegy) de Isabel Coixet. La mejor película de la Coixet hasta el momento, basada en la novela de Paul Aster, "El Animal Moribundo", nos muestra la triste historia de amor entre un profesor maduro que rehuye al compromiso y una de sus exalumnas, cuya personalidad termina por enamorarlo aunque él no lo crea. Genial actuación de Penélope Cruz y Ben Kingsley.
8. 12.08 al Este de Bucarest. Llegó casi de casualidad de un país del cual nos llega muy poco cine. Comedia sobre un periodista no muy ético que quiere recordar a su modo lo que ocurrió en los últimos días del gobierno de Ceauceauscu en su pueblo. Filmada de manera minimalista, con muy poco trabajo de cámara, logra un humor por momentos delirante, pero siempre muy bueno.
9. Sector 9 (District 9) de Neil Blompkamp. Inteligente metáfora que utiliza la ciencia ficción para mostrarnos el racismo y la segregación de la sociedad contemporánea. A pesar de contar con buenos efectos especiales, la película logra destacar más por su propuesta y sus actuaciones. Una grata sorpresa.
10. La Teta Asustada de Claudia Llosa. Aunque no alcanzó los picos narrativos que tuvo en Madeinusa, Llosa ha realizado una película con una sólida propuesta audiovisual y una gran actuación de su actriz fetiche Magaly Solier, que le ha permitido consagrarse internacionalmente. Ha logrado lo que ninguna otra cinta peruana pudo conseguir en la historia.