Las Mejores Películas del 2018

Y antes de que acabe el año, aquí nuestra lista de las mejores películas del año ordenadas por orden de preferencia y lugar de visionado.

Cartelera Comercial

1. Roma de Alfonso Cuarón 
2. El Hilo Fantasma (The Phantom Thread) de Paul Thomas Anderson
3. The Florida Project de Sean Baker
4. Los Archivos del Pentágono (The Post) de Steven Spielberg
5. Isla de Perros (Isle of Dogs) de Wes Anderson
6. El Legado del Diablo (Hereditary) de Ari Aster
7. La Ultima Bandera (Last Flag Flying) de Richard Linklater
8. Zama de Lucrecia Martel
9. El Infiltrado (Black Klankkksman) de Spike Lee
10. Lady Bird  de Greta Gerwig

Otros circuitos

1. Lazzaro Felice de Alice Rohrwacher
2. Zimna Wojna (Cold War) de Pável Pavlikowsky
3. Visages Villages de JR y Agnés Varda
4. Las Herederas de Marcelo Martinesi
5. The Other Side of the Wind de Orson Welles
6. Un beau soleil interieur  de Claire Dennis
7. 24 Frames de Abbas Kiarostami
8. L'Ora Legale de Salvatore Picarra y Valentino Piccone
9. Anihilation de Alex Garland
10. The Bookshop de Isabel Coixet

Películas peruanas
La distribución de las buenas películas peruanas ha estado peor que nunca este 2018. De las que pudimos ver, apenas pudimos hacer un Top3.

1. Wiñaypacha de Oscar Catacora
2. Dyango, sangre de mi sangre de Aldo Salvini
3. No me digan solterona de Ani Alva Helfer

Las Mejores Series del 2018

Hasta ahora no había hecho nunca un ranking de series. No había tantas, ni tan buenas y tampoco la posibilidad de ver muchas. Pero gracias al streaming, y al esfuerzo de las productoras en mejorar los productos, ese ranking se debe hacer de todas maneras. Esperemos que agarre continuidad todos los años.
Aquí nuestro top 10.

1. Better Call Saul (4ta Temporada) (AMC/Netflix)
El nivel que ha alcanzado esta serie es superlativo. Alguno se atreven a decir que está superando a la serie de la que se deriva Breaking Bad. En esta cuarta temporada hemos sido testigos de la transformación ya casi completa de Jimmy McGill se va convirtiendo en el abogado de mafiosos Saul Goodman. Cuenta con un gran reparto, algunos propios y otros heredados de Breaking Bad, pero todos están geniales.

2. Counterpart (Starz/Tnt Series)
La gran sorpresa del año. Serie que combina la ciencia ficción con el thriller de espionaje en la que JK Simons por partida doble, debe tratar de arreglar la potencial catástrofe que ocurriría si se enfrentan dos mundos paralelos, que existen recién hace 30 años y que se conectan por un túnel secreto en Berlín. Todos los capítulos te dejan con ganas de más.

3. The Haunting of Hill House (La Maldición de la Casa Hill) (Netflix)
Serie de terror, cuya base es un drama familiar, la historia de cinco hermanos y un padre casi siempre ausente, cuya vida fue destrozada años atrás con el suicidio de la madre en la mencionada casa. Mike Flanagan, el realizador de películas como Oculus, se consagra como uno de los principales referentes del género.

4. Westworld (2da Temporada) (HBO)
Tras la debacle causada hacia el final de la primera temporada,  en la que morían muchos personajes, parecía que esta serie ya no tenía mucho más que ofrecer. Se acababa también el material original (una cinta de los 70 de Michael Crichton) en el que se basaba. Sin embargo esta larga fuga de diversos grupos de anfitriones y su persecución por sus cazadores humanos, resultó más que interesante. El final abierto del último capítulo de la temporada pinta un futuro brillante para esta serie.

5. The Sinner (2da Temporada) (USA Networl /Netflix)
La primera temporada protagonizada por Jessica Biel fue tan brillante, que parecía casi imposible de superar. Sin embargo esta segunda temporada lo ha logrado. Bill Pullman, encarnando al detective Harry Amborse, logra otra destacada performance, y también sus compañeros de reparto el pequeño Elisha Henig y la sobresaliente Carry Coon, quien compone un ambiguo e inquietante personaje. Esta serie tiene además la duración ideal para una maratón breve: 8 capítulos de menos de 45 minutos cada uno.

6. Wild Wild Country (Netflix)
Solía tener mis prejuicios sobre las series documentales, creía que el formato de capítulos haría el documental excesivo, repetitivo y aburrido. Me equivoqué totalmente, este documental dirigido por Chapman  y Maclain Way, es atrapante desde los primeros capítulos; además juego con el espectador al mostrarle unos hecho que lo harán tomar una postura y luego mostrarle otros que lo hacen cambiar  de punto de vista. El documental sigue el periplo real del gurú hindú Osho, y su asistente Sheela, quienes compraron unas tierras en Estados Unidos con la intención de crear una nación, dentro de otra nación.

7. Sharp Objects (Heridas Abiertas) (HBO)
La serie del año de HBO, Amy Adams actúa como una reportera alcohólica que regresa a su tierra natal para cubrir el violento asesinato de una adolescente, pero más que trabajo lo que encuentra es su tormentoso pasado, listo para irse contra ella. Con una gran actuación de Adams, la serie acierta en recrear la atmósfera y realidad de un pueblito del sur norteamericano, al punto de hacernos sentir su pegajoso calor y hastío.

8. Glow (2da Temporada) (Netflix)
Tras un arranque, algo lento y disperso, la segunda temporada esta serie sobre unas luchadoras que graban un programa de televisión en los 80, agarra vuelo a partir del tercer episodio y no lo suelta, sometiéndonos a una experiencia parecida a una montaña rusa.  Como siempre hay de todo: humor, drama, complicaciones, situaciones absurdas...y la media hora de cada uno de sus capítulos la hacen mucho más fácil de ver.

9. The Good Place (3era. Temporada) (NBC/Netflix)
Las aventuras de este cuarteto de seres humanos que fueron primero al infierno, creyendo ir al cielo (el Buen Lugar al que hace referencia el título), acompañados de una robot y un burócrata del más allá continúan. A pesar de su disparatada trama (o quizá justo por eso), The Good Place es una de las pocas series cómicas que merecen integrar esta lista. Protagonizan una ocurridísima Kristen Bell y un genial Ted Danson.


10. The Americans (Fox)
Esta serie sobre una pareja de espías soviéticos (caracterizados por la gran Keri Russel y Mathew Rhys), que viven infiltrados en Estados Unidos como si fueran un matrimonio normal, siempre lo tuvo todo como para estar en el top ten de todos los años, pero nadie la incluía. Recién ahora que ha llegado a su final (¡y vaya final!), recién está obteniendo el reconocimiento merecido. Estuvo en Netflix un tiempo, pero ahora solo se puede ver a través del streaming de Fox.

Amores que casi Matan

El Hilo Fantasma

Paul Thomas Anderson es probablemente uno de los directores más personales del Hollywood actual, pues desde sus primeros éxitos Boogie Nights (1997) o Magnolia (1999), ya se podía apreciar una visión muy personal, y que además podía ser cualquier cosa menos complaciente o fácil de ver.

En los últimos años sus películas se han encargado de descubrir personajes extremos casi delirantes, especialmente en There will be Blood (2005) en la que retrató a un explorador de petróleo sin escrúpulos, o en The Master (2012) en la que retrata al peculiar fundador de una religión, ambas también nominadas al Oscar aunque sin llevarse ningún premio.

Ahora en El Hilo Fantasma, continúa con esa tendencia retratando a Reynolds Woodcock, un modisto ficticio, pero en el que algunos críticos identifican a toda una generación de sastres londinenses que destacaron en los años 50, entre ellos a Hardy Amies, el modisto oficial de la reina de Inglaterra Isabel II hasta el año 2002.
Anderson se vale del arte y oficio del gran Daniel Day Lewis (en el rol que aparentemente es su despedida del cine), para presentarnos en los pocos minutos iniciales las características y complejidades de Reynolds.
Además el cineasta, a través de la grúa, el steady cam y la cámara en mano, nos sumerge de plano en el hogar-taller del costurero, y nuestra visión que tenemos de estos espacios cerrados, es la de un intruso al que a duras penas se le permite atisbar los detalles de esta fortaleza templo, donde se llevan a cabo rituales diarios, de cumplimiento casi sagrado.
Además de Reynolds, la otra sacerdotisa que rige estos lugares es Cyrril, la flemática y estricta hermana del coutourier, además de ser su administradora y mano derecha, es también la que se encarga de despedir a las modelos-amantes, de Reynolds, cuando este se aburre de ellas.
Esto es más o menos el día-día, hasta que Reynolds conoce a Alma, una mesera a quien conoce en un hotel de carretera al que ha acudido para despejarse, y el mutuo flechazo entre ambos, ha sido casi instantáneo. Alma se enamora no solo de Woodcock sino también de su mundo, y demostrará que no es otra de esas musas desechables que entraban y salían de la vida del modisto.

La llegada de Alma al mundo de los Woodcock es filmada por Anderson con un refinamiento y maestría, pocas veces visto en el cine contemporáneo.Particularmente la escena en la que Reynolds le pide a Alma que sirva de modelo para hacer un nuevo vestido, donde iluminación en clave baja, el ritmo, la escenografía, la alternación entre planos enteros y planos detalle, y la interacción entre ambos personajes, crea una atmósfera que resulta simplemente fascinante.
Pero ese solo uno de los tantos momentos en los que la película muestra su arte: está también el diálogo entre Reynolds y la princesa de Bélgica, el robo/recuperación de uno los vestidos, la participación de todas las empleadas al momento de culminar estas obras de arte, entre muchos otros, que nos muestran un mundo ya inexistente y al que solo podíamos haber accedido de manera muy indirecta leyendo revistas de nuestras abuelas.
Paul Thomas Anderson ha logrado una obra maestra, uno de sus mejores trabajos como realizador, que debería culminar con su condición de eterno nominado y debería otorgarle de una vez por todas el Oscar.

Cierre con Broche de Oro

Visages Villages

No contenta con ser la primera mujer en recibir un Oscar honorario Agnés Varda vuelve a la carga con Visages Villages (Caras, Pueblos), un documental -si podemos llamarlo así- experimental, realizado en conjunto con el artista callejero y fotógrafo JR.
Después de las escenas iniciales en las que ambos revelan como se conocieron, y en las que apelan a diversas técnicas como la animación, ambos artistas van de frente a la acción y nos muestran la actividad central de este trabajo: ir a diversos pueblitos o villas de la Francia rural a retratar rostros, personas o grupos de personas (en algunos casos también animales), para luego imprimirlos como gigantografías y pegarlos como murales en las paredes de edificios o estructuras distintivas de las localidades, donde ellos han estado presentes.
Varda y Jr se encargan después de registrar las reacciones de estas personas, algunas positivas, otras extrañas, algunas también negativas, pero todas sumamente interesantes por su frescura y autenticidad.
Todo esto acompañado con un lenguaje audiovisual muy rico, original, una edición dinámica y una fotografía insuperable.

En el camino, o en los momentos en que los autores planifican las nuevas visitas, vamos siendo testigos de la creciente relación entre Varda y JR, ambos van intercambiando comentarios, consejos y en algún momento hasta conocen a la abuela de este último. La relación entre ambos que en un inicio parecía superficial se va transformando después en una relación de colegas artistas que se admiran y respetan mutuamente a pesar de la diferencia de sus artes y de sus edades.
De allí que hacia el final, Agnés Varda quiere compartir con su nuevo amigo, algo muy personal y el resultado de esto -aunque fallido- es lo que probablemente sea uno de los finales más conmovedores y mejor logrados en toda la historia del género documental. Imposible no conmoverse, especialmente aquellos que vivieron los tiempos de la nueva ola.
Varda y JR han logrado -quizá sin proponérselo-, un trabajo que parece haber salido de las entrañas de la Nouvelle Vague, y aunque haya sido casi medio siglo después, bien puede ser el broche de oro final a uno de los movimientos más influyentes de la historia del cine.

El Oscar en Netflix

La plataforma de streaming más grande del mundo está siendo cada vez más considerada en las diversas premiaciones: después de haberse llevado varios Emmys, ahora está compitiendo por los Oscars, este año lo hace con tres producciones el drama Mudbound (inexplicablemente aún no disponible en la plataforma) y los documentales Icaro y Strong Island.

Icaro (Icarus, 2017)
Este documental de Brian Fogel, es un documental protagonizado por su director quien intenta demostrar que él puede desarrollar un proceso de doping sin ser detectado, tal y como lo hizo el ciclista Lance Armstrong, quien no fue descubierto, sino denunciado y luego de confesar, terminó despojado de todas sus medallas.
De esta manera Fogel se contacta con el ruso Grigory Rodchenkov, un bioquímico quien le indica a Fogel  que sustancias inyectarse y en qué dosis, para luego participar en una competencia ciclística en Francia, llamada Haute Route, donde le va bastante mal. 
Pero partir de aquí la historia da un giro inesperado, ya que gracias a la tv alemana se destapa el elaborado y extendido sistema de dopaje de los atletas rusos en las Olimpíadas de Invierno de Sochi en 2014 y adivinen quién era la cabeza visible de todo este escándalo: sí, Rodchenkov.



Todo el planteamiento inicial es dejado de lado y se centra ahora en la figura de Rodchenkov quien huye a Estados Unidos porque teme por su vida (un colega suyo muere en Rusia en extrañas circunstancias), y las revelaciones que se van dando, se tornan cada vez más delirantes al punto que más documental, Icaro parece una película de espías de la época de la Guerra Fría.
Fogel sin embargo respalda las acusaciones vertidas, con gran cantidad de información ya sea en base a entrevistas, fragmentos de noticieros de las televisión de diversos países, declaraciones de autoridades y a un meticuloso registro de sus actividades, que incluían varias conversaciones vía Skype con Rodchenkov.
Si bien durante la primera parte, el documental es algo complicado de seguir, la segunda parte, por el peso de las afirmaciones de los protagonistas, se va haciendo cada vez más interesante, y captura totalmente nuestra atención, por su casi total impredicibilidad .
El trabajo de Fogel tiene además un gran valor como documento en sí mismo, especialmente en estos tiempos en que la verdad se va convirtiendo cada vez más en posverdad.

Strong Island
Esta película de la cineasta Yance Ford, es un documental diametralmente opuesto a Icaro, tanto por el estilo del documental -mucho más íntimo y pausado en este caso-, que por la amplitud del tema, mientras en Icaro se trató de un escándalo que fue transmitido por todos los medios en su momento (aunque hoy ya pocos recuerdan), este caso ni siquiera trascendió y tal parece que muchos se empeñaron en que no fuera noticia.

Se trata del asesinato del hermano de la realizadora William, a manos de una mecánico blanco, al que nunca se llevó a juicio.
En base a diversos testimonios de la madre, la hermana, los amigos, personajes relacionados con el crimen y hasta la misma directora quien se filma a sí misma en unos primeros planos muy cercanos, Ford va construyendo una historia amarga y triste.
A través de esos testimonios, más documentos y viejas fotografías, Ford logra transmitir varias cosas, como que el único crimen no fue el asesinato del hermano, sino también un juicio que nunca se llevó a cabo, unas autoridades que lejos de buscar justicia buscaron encubrimiento y una familia que no pudo soportar estos golpes y terminó también falleciendo.
Además es un alegato contra el racismo aún imperante en Estados Unidos, la discriminación y la falta de oportunidades.
Ford también pudo tratar el tema del control de armas, pero no ha querido complicarse la vida. Otro defecto es que el esquema narrativo de testimonio + fotografías + documento, terminar por cansar un poco al espectador.
De todas maneras se trata de un documental necesario y que contribuye en algo a terminar de una vez por todas contra la discriminación, el racismo y las desigualdades en los Estados Unidos. 

Expectativa vs Realidad

La Forma del Agua

Cuando La Forma del Agua (The Shape of Water, 2017) ganó el León de Oro del Festival de Venecia del año pasado, y vimos el trailer, despertó una gran expectativa, que luego se incrementó a niveles casi exponenciales cuando batió récord con sus nominaciones al Oscar.
El hecho que la dirigiera Guillermo del Toro, uno de los "tres amigos" mexicanos que emigraron a Hollywood a comienzos de siglo (junto con Cuarón y González Iñárritu), y creador de aquella obra maestra que fue El Laberinto del Fauno (2006), no hacía más que añadirle puntos a esas expectativas.
Pero tal y como aparecen ahora en esos memes de "expectativa vs realidad", nos llevamos una pequeña estrellada al momento de apreciarla.
Ojo, no se trata de una mala película: La Forma del Agua, es una hermosa fábula con varios tópicos del mejor romanticismo, que está además muy bien narrada y cuenta con imágenes poderosas, capaz de despertar emociones con intensidad.
Pero quien haya seguido toda la obra de Del Toro, sabe que no es su mejor película, y que tanto las 13 nominaciones al Oscar y los calificativos de "maravillosa" que le han adjudicado varios críticos de diversos países, pueden resultar algo exagerados.
Además de sus cualidades narrativas, La Forma del Agua, cuenta también con una excelente ambientación de época (fines de los '50, en plena guerra fría soviético-norteamericana), mostrados en unos tonos azul verdosos, que le dan un aspecto bastante vintage.

Y claro, están también las excelentes actuaciones de una expresiva Sally Hawkings y un esforzado Michael Shannon, ambos inmensos en sus roles (en especial Shannon que saca adelante un villano muy esteroetipado), por lo que tienen muchas posibilidades de llevarse el Oscar.
Pero la historia no presenta mayor novedad: todo está ya en el trailer, basta con haber visto el adelanto una vez, para que la película se torne previsible, con muchos lugares comunes y por momentos demasiado políticamente correcta.
Incluso el personaje del ser anfibio tampoco es novedoso, pues es una versión mejorada del Abe Sapiens, que aparece en las dos Hellboy (2004-2008), además encarnado por el mismo actor Doug Jones.
Es muy probable sin embargo que la película se lleve los premios a mejor película y mejor director pues sería la ocasión perfecta para terminar de otorgarles la estatuilla a los "tres amigos" mexicanos (Cuarón y González Iñárritu ya fueron premiados), lo cual sería un gran estímulo para que el cineasta de Guadalajara nos siga regalando su peculiar cine fantástico. 

Microcosmos white trash

El Proyecto Florida

Sean Baker es un cineasta que deslumbró a medio mundo hace unos años al grabar una película íntegramente con un Iphone 6s (Tangerine, 2016), y ahora regresa una película con tema diferente, pero que comparte gran parte del estilo visual de su ópera prima.
El Proyecto Florida se instala en el microcosmos de los moteles cercanos a los parques temáticos de Disney, en Orlando, Florida. Acá llegan turistas no muy adinerados, pero también viven personas de muy bajos recursos que no tienen para alquilar un departamento.
En este submundo conocemos a Moon y sus amigos, todos provenientes de hogares disfuncionales o monoparentales, que pasan sus vacaciones de verano haciendo travesuras, pero sin supervisión adulta, y ya se sabe los problemas que pueden traer estas acciones.
Baker utiliza al principio un estilo documental, con planos generales, lejanos para contarnos la historia de estos niños semiabandonados en un entorno de colores chillones, atractivo en la superficie, pero que por dentro parece estar totalmente podrido.

A medida que las cosas se complican, el lenguaje audiovisual cambia paulatinamente, insertando más movimientos de cámara, más encuadres cercanos, y más ángulos de cámara, algunos de ellos aberrantes.
Baker no juzga, ni condena a sus personajes, solo nos los muestra cómo se comportan en su hábitat, una sociedad descompuesta, donde vive lo que algunos gringos llaman la White Trash: personajes desvalidos, abandonados a su suerte y que cada día tienen que inventarse cientos de formas para sobrevivir.

Baker ha hecho un trabajo digno de reconocimiento, empezando por la buena elección de actores, la niña Broklynn Prince es un gran hallazgo, porque siempre luce natural, espontánea hasta en el exigente clímax. Igualmente destacable está la debutante Bria Vinaite, quien compone con convicción un personaje viviendo siempre al filo de la navaja. Y claro, está Willem Dafoe, veterano actor que no necesita mayor presentación, y que acá se luce en el rol del sufrido conserje Bobby, una especie de ángel guardián decadente, de este seudo paraíso. Es particularmente genial la escena en la que se enfrenta a un hombre mayor, quien conversa sospechosamente con los niños.

Hacia el final Baker nos sorprende una vez más tomándose una licencia: el director se hace uno con el personaje de Moon, se adueña de su mirada y abandona todo el realismo y estilo cuasidocumental que había usado hasta ese momento y pasa abruptamente al fantástico, logrando así uno de los finales más conmovedores de los últimos tiempos.