viernes, 27 de septiembre de 2019

Contra la Tiranía del Doblaje


Sabemos que escribir esto es ir a contracorriente: el doblaje es una realidad cada vez más creciente en las salas de cine, y mucha gente lo aprueba, pero ello no quita lo que realmente es: un atentado contra la integridad de una obra de arte.

Durante muchos años el Perú (además de otros países de Latinoamérica), fue una tierra privilegiada para los estrenos cinematográficos, salvo las películas de dibujos animados, casi todos los estrenos venían en su versión original con subtítulos, y el doblaje estaba limitado prácticamente a la televisión.
Pero hacia fines de la primera década de este nuevo siglo esto empezó a cambiar, el oligopolio de estudios que maneja Hollywood, el cual durante muchos años se resistía a exportar sus películas dobladas para ahorrar costos, luego se dio cuenta que más gente asistía a los estrenos de películas dobladas, que a las subtituladas y entonces cambió de idea y empezó  a doblar prácticamente todos los filmes  que llegan a este país.
Obviamente esto no habría pasado sin la complicidad del público. Gran parte de él considera una molestia innecesaria a los subtítulos e incluso está dispuesto a escuchar versiones dobladas en el hiperexpresivo español europeo, con tal de no tener que leer lo que dicen los personajes en pantalla.
Aunque no se han hecho estudios al respecto, es muy posible que exista una correlación entre los cada vez más crecientes problemas de comprensión de lectura que presentan los estudiantes hoy, y los deseos de no querer subtítulos en pantalla.

ATENTADO Y MUTILACIÓN
Pero esta no es una cuestión de gustos, ni tampoco un asunto meramente económico, siendo objetivos, es una mutilación contra las películas, un atentado contra una obra de arte, una adulteración con la que un film pierde un porcentaje más o menos relevante de su contenido, en aras de mayores ingresos o la supuesta comodidad de sus espectadores.
Quizá les pueda parecer exagerado el término mutilación pero, ¿cómo llamar de otra forma a una práctica que extirpa de raíz todas las voces originales de su producción y suprima o modifica todo el resto de sonidos que las acompañan, para reemplazarlas por otros?.
Esto da como resultado dos películas diferentes. ¿Qué tanto? Depende de la calidad de los dobladores y de las modificaciones hechas, pero hay experiencias como la del crítico André Massenet, de la web española spinof, quien compara las versiones doblada y original de El Silencio de los Inocentes (The Silence of the Lambs, 1991) y dice:” La ví en V.O algunos meses después en mi casa, y por fin vi la película. La otra no era la película original, sino un sucedáneo, un producto adulterado. Tal cual.”
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Mucho del diálogo entre Clarice y Hannibal, se pierde con el doblaje.
Puede dar fe de esta declaración porque a mí me pasó lo mismo: luego de ver la versión original en inglés, se puede decir que realmente vi la película, las voces de los actores originales (entre ellos el gran Anthony Hopkins) son irremplazables.
Existen otros casos en los que la tiranía y exterminio creativo del doblaje es aún más evidente: en Bastardos sin Gloria (Inglourious Basterds 2009)  de Quentin Tarantino, por ejemplo hay una escena donde ocurre una masacre a causa de una confusión idiomática. El director la filmó en alemán, destacando los diferentes acentos germanos, obviamente todo esto es borrado de un plomazo, si todos salen hablando en español neutro.
De igual modo en Spanglish (2004) de James L. Brooks, que narra la historia de una ama de llaves mejicana (Paz Vega) en California, quien no habla inglés y tiene dificultades para entenderse con sus patrones. Varios enredos y malentendidos cómicos se dan justamente por el poco inglés que habla la empleada y el pésimo español de su patrón (Adam Sandler). Todo esto se pierde con el doblaje, porque allí mágicamente todos hablan español. Peor aún, para indicar que el personaje de Sandler está hablando inglés lo hacen hablar un español con un horrible acento supuestamente norteamericano.
Concluyendo la próxima vez que quiera ir a ver su película favorita piénselo bien antes de comprar entradas para la versión doblada: recuerde, no estará viendo la versión original, sino una adulterada, mutilada, un sucedáneo de la obra concebida por su director. 

lunes, 19 de agosto de 2019

23 Festival de Cine de Lima: Top 10

Como pronto estarán repitiendo algunas de las películas del Festival de Cine de Lima (ciclo "lo que te perdiste del festival"), el más importante del país, les presento aquí las que más me gustaron y que creo ameritan verse.

1. La Bronca (Daniel y Diego Vega, Perú 2019), película ganadora del premio Apreci, cuyo jurado me tocó integrar este año. Narra la historia de Roberto (Jorge Guerra), un joven peruano que viaja a Canadá para vivir con su padre, Bob Montoya (Rodrigo Palacios) un emprendedor que trata de abrirse paso en la fría Montreal.
Apoyada en unas sólidas actuaciones, los directores nos muestran una tensión que va in crescendo, acumulándose de a pocos hasta que no le queda otra cosa que explotar. Interesante metáfora sobre la violencia personal y colectiva que vivió el Perú en los 90. A nuestro gusto el mejor trabajo de los hermanos Vega.

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2) La Vida Invisible de Eurídice Gusmao (Karim Aïnouz, Brasil 2019) sólido melodrama brasileño de largo aliento, que narra la vida de dos hermanas, separadas al final de su adolescencia por un problema familiar, y que tratarán de reencontrase aunque pasen los años.
Con mesura y buen ritmo, Aïnouz nos muestra una cinta conmovedora, que se sigue con interés a pesar de sus más de dos horas de duración. La película, es además una lograda descripción del machismo muy enraízado en el Brasil de los años 50, y de la lucha de las mujeres que se enfrentaron a él.

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3) Bacurau (Kleber Mendonca Filho y Juliano Dornelles  Brasil, 2019), una de las películas más sorprendentes del festival, parece que estamos presentando una comedia rural con tintes de realismo mágico, y terminamos con un spaghtetti western, pasando por un momento comando.
Además de su fluida narrativa, Bacurau destaca por sus vívidos personajes, cada uno más pintoresco que el otro, encarnados por un buen equipo de actores, que destacan más como grupo, que por individualidades.
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4) Monos (Alejandro Landes, Colombia 2019) otra película sorprendente. Monos es un pequeño escuadrón de adolescentes de una guerrilla colombiana (no se nos dice cuál), que tienen como misión cuidar una vaca y una rehén norteamericana. Lo que comienza como una misión fácil, termina por complicarse, sacando a relucir las rivalidades ocultas entre los miembros del escuadrón.
Aunque por momentos recuerda a "El Señor de las Moscas" y a "Apocalipsis Ahora", Monos se pasea por otros géneros y además mezcla elementos de algunos de ellos. Aprovecha muy bien los escenarios (los paisajes son un personaje más) y los giros de la trama, mantienen el espectador constantemente en tensión.

5) Canción sin Nombre (Melina León, Perú 2019) película que venía de triunfar en una sección de Cannes, Canción sin Nombre nos cuenta la historia de Georgina, una joven andina a quien le roban su bebe tras haber dado a luz en una clínica clandestina. Ella se conecta luego con Pedro Campos, un periodista que tratará de ayudarla, aunque lo que descubran no guste a muchos.
Con una cuidada fotografía y unas buenas actuaciones (entre las que destaca Pamela Mendoza), Canción sin Nombre es una buena carta de presentación de Melina León, esperamos más de ella en el futuro próximo.

6) La Camarista (Lila Avilés, México 2018) La realizadora Lila Avilés nos presenta a Eve, la encargada de la limpieza de cuartos de un hotel 5 estrellas (llamadas en México, camaristas), quien trata a base de mucho esfuerzo y sacrificio de salir adelante y ascender en el complicado mundo del personal de limpieza.
Avilés acierta en recrear el día a día de esta sufrida trabajadora hasta el más mínimo detalle, así también como la curiosa fauna que compone la población de un hotel: huéspedes, supervisoras, encargadas de almacén, limpiaventanas, etc. Su ritmo es algo lento, pero esto no hace que decaiga en ningún momento el interés de la historia.

7) Nuestras Madres ( César Díaz, Guatemala 2019) Ernesto es un joven antropólogo forense que se encarga de identificar los restos de desaparecidos en la cruenta guerra civil que azotó a su país. Un día recibe a una señora que le cuenta una historia, que despierta en él la obsesión por saber dónde están los restos de su padre.
Otra ópera prima prometedora, el director nos cuenta un  melodrama ágil, con un guion bien estructurado y buenas interpretaciones, que hacen más creíble la historia. El giro final es totalmente inesperado.

8) Miriam Miente (Natalia Cabral y Oriol Estrada, República Dominicana 2018)
Miriam es una adolescente morena que está a punto de celebrar su fiesta de quince, junto a su mejor amiga, que pertenece a una clase social más alta y es blanca. Agobiada por su timidez, los prejuicios y la presión de su madre, Miriam inventa un nombre sobre quién será su pareja en la fiesta, mentira a la que todos hacen crecer agregando un poco de su propia cosecha.
Una de las pocas comedias del festival, los directores se valen del humor y los enredos para mostrarnos el racismo, la segregación y la desigualdad social en un Santo Domingo de comienzos del S. XXI, pero que bien puede encajar en cualquiera de nuestros países. Muy bien narrada, con un clímax inesperado.

9) Sueño Florianápolis (Ana Katz, Argentina 2018) Una pareja de psicoanalistas, distanciados en su matrimonio, viaja varios kilómetros de Buenos Aires, a Florianápolis al sur de Brasil, aprovechando el cambio de moneda favorable y yendo en busca de los recuerdos de un viaje anterior.
Otra comedia lograda, o al menos así parece en su primera parte. Las interacciones entre brasileños y argentinos son muy divertidas. Luego falla un poco en la segunda mitad al ponerse seria y con un final no tan convincente.

10) Niñas Bien ( Alejandra Márquez, México 2018) Inicios de los 80, la economía de los Estados Unidos Mexicanos vive una situación complicada, lo cual afectará a muchas familias adineradas, entre ellas las de Sofía, el prototipo de mujer de clase de alta de la época.
La película se sostiene en la destacada actuación de Ilse Salas, cuya descomposición por la que atraviesa el personaje es sumamente creíble. Buena recreación de época, buenos diálogos pero con un final que se prolonga más de lo necesario.

jueves, 21 de febrero de 2019

El Vicio del Poder

Adam McKay inició su carrera como guionista en el legendario programa de televisión norteamericano Saturday Night Live, donde conocería a su amigo Will Ferrell con quien luego debutaría en el cine dirigiéndolo en comedias como Anchorman (2004), Stepbrothers (2008) o The Other Guys (2010).
Pero aunque siguió luego como guionista de comedias, el 2015 dio un giro a su carrera con el drama The Big Short, una película coral, de montaje fragmentado, con mucha información, en la que contaba los entretelones del derrumbe financiero del 2008, filme que obtuvo algunas nominaciones al Oscar y ganó el Oscar al mejor guion adaptado.
Este año regresa con Vice (titulada por acá como El Vicio del Poder), palabra que inglés tiene dos acepciones: diminutivo de Vicepresidente y vicio, y hacen referencia tanto al vicepresidente de Estados Unidos entre el 2001 y el 2009 Dick Cheney, como al vicio que significa tener poder.
Vice tiene muchos puntos en común con The Big Short: repiten dos protagonistas (el camaleónico Christian Bale y el cómico Steve Carell), la gran cantidad de información, el montaje fragmentado y el estar basadas ambas en momentos importantes de la historia reciente de los Estados Unidos.
Pero esta película va todavía mucho más allá, emplea recursos de humor, imágenes reales, un narrador omnipresente (el personaje Kurt, interpretado por Jesse Plemons), burlas-guiños al espectador, una despiadada crítica a su personaje principal y hasta escenas post crédito; lo que la convierten en un film prácticamente inclasificable.
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Esto sin embargo, no es algo negativo, al contrario le dan un aire de frescura y originalidad a la película que resaltan su atractivo, aunque en conjunto no resulte algo fácil de ver. Un consejo: si desea entenderla mejor, empaparse antes de los sucesos que ocurrieron en Estados Unidos en los años de los que se ambienta el film, especialmente entre el 2000 y el 2010.
Está casi demás decirlo, pero la película debe mucho a Christian Bale, es increíble como este actor sigue moldeando su cuerpo para parecerse lo más exacto posible a sus personajes (en este caso el mencionado Dick Cheney), su nominación es justa, aunque como ya tiene un Oscar en su haber por The Fighter (2010, en la que también destrozó su cuerpo esa vez bajando de peso), y tiene competidores como Viggo Mortensen y Bradley Cooper, difícil que se lleve la estatuilla esta vez.
Igual pasa con su compañero de reparto Sam Rockwell, quien a pesar de la divertida caracterización del presidente George W. Bush, debe enfrentarse a fuertes competidores.
En resumen, Vice es una película recomendable, aunque cueste mucho cogerle el ritmo y entender su argumento. Ojalá que Adam McKay nos siga sorprendiendo con su originalidad.

FICHA TÉCNICA: Título: El Vicio del Poder Título Original: Vice Año y País: USA 2018 Duración: 132 min.
Director: Adam McKay Productores: Brad Pitt, Adam McKay, Will Ferrel, Dede Gardner y Jeremy Kleiner Guion: Adam McKay Música: Nicholas Brittel Cinematografía: Greig Fraser Edición: Hank Corwin Protagonistas: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carrel, Sam Rockwell, Alison Pill, Eddie Marson y Jesse Plemons.

jueves, 7 de febrero de 2019

Una Amistad sin Fronteras: The Green Book

Nueva York 1962. Tony "Lip" Villalonga se queda temporalmente sin trabajo, por el cierre del bar en el que ejerce de seguridad. Se le presenta entonces la oportunidad de hacer de chofer del Dr. Don Shirley, un artista que debe salir de gira por las principales ciudades del sur del país.
Este es el punto de partida de Green Book (que se estrena acá con el horrible título de Una Amistad sin Fronteras), una de las sorpresas más agradables de las nominadas a los premios Oscar, en la que destacan nítidamente un hilarante Viggo Mortensen quien compone con gran realismo a un ítalo descendiente del Bronx y a un correcto Mahersala Ali, también muy bien encajado en su rol.
La química entre ambos es evidente desde la primera vez que aparecen juntos: dos personajes que no pueden ser más diferentes el uno del otro y que sin embargo están condenados a tolerarse y luego a comprenderse.
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A pesar de que la película sigue todas las reglas del género y es bastante convencional en ese sentido, el director Peter Farrelly plantea y resuelve de manera original las escenas de tal manera que las risas (y a veces el drama) aparecen cuando no los esperamos.
Aprovechando el estreno de esta película, reafirmeremos aquí nuestra postura contra ese grave atentado al cine, que es el doblaje de las películas. 
Particularmente en esta película se perdería al menos el 80% de su gracia, si es que se estrena doblada: no seríamos capaces por ejemplo de escuchar la perfecta imitación del acento del bronx de Mortensen, ni de los esfuerzos de éste por soltar su italiano fluido, ni del contraste cuando entra a hablar el personaje de Ali, un tipo que por su educación habla un correctísimo inglés, ni tampoco alguno de los chistes más logrados (como aquel del disco de los huérfanos, por ejemplo).
El resto del reparto, aunque tiene poco peso, también destaca, especialmente Linda Cardellini como la dulce esposa de Tony.
Finalmente habría que resaltar también la labor de Farrelly, un director quien con su hermano tiene un largo historial de humor grueso y ramplón, ahora convertido en un director clásico, al estilo del mejor Frank Capra.

FICHA TÉCNICA
Título Original: The Green Book Año y País: Estados Unidos 2018
Director: Peter Farrely Productores: Jim Burk, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Villalonga y Charles Wessler Guion: Nick Villalonga, Brian Hayes Currie y Peter Farrelly Casting: Rick Montgomery Dirección de Fotografía: Sean Porter Edición: Patrick don Vito Dirección de Arte: Scott Plauche .Diseño de Producción: tim Galvin Protagonistas: Viggo Mortensen, Marhesala Ali, Linda Cardelini, Dimitri Marinov, Mike Hatton, P.J.Byrne

martes, 5 de febrero de 2019

La Favorita

Yorgos Lanthimos es un cineasta griego que se dio a conocer al mundo con la extraña Canino (kynodentas, 2009), una cinta ambientada en su Atenas natal, sobre unos padre sobreprotectores que había prohibido a sus tres hijos todo contacto con el exterior.
Luego continuó con la aún más extraña La Langosta (The Lobster, 2015) una distopía en plan cómico, para continuar llamando la atención con el thriller La Muerte de un Ciervo Sagrado (The Killing of a Sacred Deer, 2017), cinta en la que todo era inquietante.
Pues bien, Lanthimos regresa este año con La Favorita (The Favourite, 2018) primera película en la que no lleva a la pantalla grande un guion suyo, y aparentemente, la película menos extraña de este cineasta.
Decimos aparentemente, porque con Lanthimos nunca se puede hablar de "no extraño", así que también en esta cinta ambientada en la Inglaterra de inicios del siglo XVIII, tenía que tener por algún lado su marco personal, y acá la encontramos en dos aspectos: los recursos audiovisuales que emplea y el humor, bastante negro que predomina en la mayor parte de la película.
En el primer caso Lanthimos se vale de una cámara con lentes gran angulares, con los que pretende que no se nos escape ningún detalle de todo lo que ocurre en el castillo donde vive la reina Anne, soberana de Inglaterra afectada por la gota y otros problemas de la piel.
Estos lentes incluyen algunos de los llamados "ojo de pez", que aparecen mayormente en las transiciones, para mostrarnos las distorsiones del extraño mundo en el que se desenvuelven los protagonistas.
La cámara además se mueve cuando uno menos lo espera, puede estar fija un momento, y de pronto se acerca o se aleja, con velocísimo travellings que desconciertan al espectador y por ratos pareciera que hasta los mismos protagonistas.
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En cuanto al humor negro, Lanthimos es implacable con sus personas muestra casi como burlándose las desgracias en las que caen los personajes que se han declarado la guerra, para ver quién se queda con el privilegiado lugar de asistir a la reina. Así vemos a una Rachel Weis sufriendo un caída ecuestre o Emma Stone siendo azotada por metiche.
Pero además el realizador griego se esfuerza en mostrarnos las miserias de esa corte que decide qué tiene entre sus manos las vidas de millones de conciudadanos: así vemos a una reina que apenas puede caminar y está llena de heridas horribles, o a unos cortesanos estrambóticamente maquillados, que se divierten haciendo carreras de gansos o lanzando tomates al perdedor de turno.
A resaltar el gran trabajo del trío protagonista Colman, Weisz y Stone están sensacionales como la reina y sus sirvientes, destacando no solo por sus ingeniosos diálogos, sino también hasta por los gestos más sutiles, los cuales siempre dicen mucho más que las palabras.
La carrera de este cineasta griego sigue en ascenso. Esperaremos que nos trae más adelante. 

FICHA TÉCNICA
Título Original: The Favourite Año y País: Reino Unido 2018
Director: Yorgos Lanthimos Productores: Ceci Dempsey, Ed Guiney y Yorgos Lanthimos Guion: Deborah Davis y Tony McNamara Casting: Dixie Chasay
Dirección de Fotografía: Robby Ryan Edición: Yorgos Mavrosparidis Sonido: Johnnie Burn .Diseño de Producción: Fiona Crombie Protagonistas: Olivia Colman, Rachel Weisz, Emma Stone, Nicholas Hoult, Joe Alwin y James Smith.

miércoles, 30 de enero de 2019

Nace una Estrella

Quien hace unos años se reía con el Bradley Cooper de ¿Qué pasó Ayer? (The Hangover, 2009), no se le ocurriría jamás pensar que se iba a poner algún día detrás de la cámara y sería capaz de realizar un proyecto tan prometedor, como el que nos ocupa hoy: el remake de Nace una Estrella (A Star is Born).
En líneas generales la historia parece ya conocida: un artista consagrado conoce una joven talentosa y logra convertirla en una estrella, la cual logra alcanzar tanto brillo, que termina por eclipsar a su descubridor, quien por otro lado, ya estaba enfrentando la decadencia.
Pero Cooper lo cuenta de tal manera, con tal intensidad, que la historia alcanza nuevas cumbres y emociona como si fuera un cuento que descubrimos por primera vez.
La intensidad a la que nos referimos se hace visible especialmente en la primera hora de la película: empleando mucha cámara en mano, y planos muy cercanos, Cooper nos zambulle de lleno en el mundo de Jackson y Ally, en su veloz romance y en sus sueños y frustraciones.
Además de los recursos visuales, Cooper y Gaga han sabido elegir muy bien la música (ella compuso la mayoría de las canciones junto a Mark Ronson), y es justamente en la interpretación  de uno de esos temas (Remember us this way), donde alcanza su pico máximo esta primera parte: la interpretación de Gaga tiene tanta fuerza que le pondría la piel de gallina al más insensible.
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La segunda hora es más convencional, al centrarse más en los caminos que van siguiendo los protagonistas, y la música pasa a un segundo plano. Era difícil sostener el ritmo y fuerza iniciales  durante toda la película, pero aún así, esto no desmerece el resultado final.
Bradley Cooper ha logrado transmitir un realismo y una naturalidad que pocas veces se ve en este tipo de películas, esto debido en gran parte a la química que desarrolla con Lady Gaga: Cooper compone un personaje decadente y tosco (hace recordar al Jeff Bridges de Crazy Heart 2009), pero que al mismo tiempo es encantador y bien intencionado.
Mientras que Lady Gaga, aprovecha la oportunidad de su vida, interpretando con todos sus matices a la chica luchadora que ya casi ha perdido la fe en sus sueños y luego se va transformando en la estrella pop que todos menos uno, adoran. Ella es en gran parte la películ. La cantante ha probado ser una artista completa, sería muy injusto que no le dieran el premio de la Academia.
El resto del reparto también hace lo suyo, empezando por un paternal Sam Elliot, Anthony Ramos, y el villano de la historia Rafi Gavron.
Resumiendo: esperanzador debut de Bradley Cooper, tal parece que ha nacido una nueva estrella de la dirección, de quien esperamos más en los años venideros.

FICHA TÉCNICA: Título Original: A Star is Born Año y País: USA 2018 Duración: 134 min
Director: Bradley Cooper Guion: Eric Roth, Bradley Cooper y Will Fetters Productores: Jon Peters, Todd Phillips, Bradley Cooper, Bill Gerber y Lynette Howell. Dirección de Fotografía: Matthew Libatique Edición: Jay Cassidy Diseño de Producción: Karen Murphy Dirección de Arte: Mathew Horan y Bradley Rubin Distribución: Warner Bros.

lunes, 28 de enero de 2019

El Infiltrado del Ku Klux Klan

Spike Lee, fue uno de los directores revelación fines de los 80, con películas como Do the Right Thing (1989) o Jungle Fever (1991), parecía encaminado a una trayectoria llena de premios. Sin embargo y a pesar de haber presentado excelentes trabajos como Malcom X (1992) o The 25th Hour (2003), luego su estrella se fue apagando y parecía que saldría de escena sin mayores reconocimientos, que el Oscar Honorífico que le otorgaron el 2015.
La vida sin embargo, le ha dado una segunda oportunidad con BlacKkKlansman (literalmente el hombre negro del Klan), cinta basada en una historia de la vida real, sobre un policía afroamericano, quien telefónicamente logra infiltrarse en una sección del Ku Klux Klan y luego concreta esa infiltración con un compañero policía blanco, en la pequeña localidad de Colorado Springs, en el estado de Colorado.
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La película está bien contada, Lee utiliza todos los recursos que tiene a la mano de manera efectiva y se apoya en un reparto bastante eficiente encabezado por John David Washington (el hijo de Denzel), Adam Driver y Laura Harrier, quienes hacen que la historia no solo parezca creíble, sino que además consiguen involucrar al espectador.
Pero Lee, no se limita a contarnos solo una historia ya de por sí interesante, sino que además nos sitúa en el contexto de esos años (los '70), con otra "infiltración" del protagonista esta vez en un grupo de los radicales panteras negras, mostrándonos sus discursos, acciones y narraciones de un pasado opresor y salvaje contra la minoría negra.
La evidente cercanía del director por estos hechos, hacen parecer que por momentos perdiera el foco de la película, ya que la infiltración de Wahsington y Driver pasa a un segundo plano. Felizmente, Spike Lee luego retoma con firmeza la historia principal. Hasta que luego nos empuja hasta el presente, en una secuencia donde nos demuestra que las cosas no han mejorado mucho en todos estos años.
En resumen El Infiltrado del Ku Klux Klan, si bien es una buena película, no es la mejor de este director, de todas formas es una oportunidad para premiar a uno de los pocos y grandes referentes del cine afroamericano de los últimos años.
Por tal razón creemos que se llevará al menos dos estatuillas.