viernes, 24 de octubre de 2014

Que no desaparezca

EL ELEFANTE DESAPARECIDO
Javier Fuentes-León, es un médico peruano que fue ganado por el cine y luego de estudios y trabajos en Estados Unidos, debuta inicialmente con largo que obtuvo varios premios Contracorriente, una tragedia ambientada en una caleta de pescadores del norte del país.
Cinco años después recién podemos ver este su segundo largo, que es un trabajo muy distinto al anterior que coquetea primero con el thriller policial y luego adquiere matices surrealistas, muy en la línea del maestro David Lynch.
Fuentes-León, nos presente la historia de Edo Celeste un exitoso escritor de novelas policiales que se resiste a creer que su mujer, desaparecida en el terremoto de Ica del 2007, haya fallecido. Tampoco parece encontrar consuelo en su trabajo, al punto que planea desaparecer a Felipe Aranda, el detective que es el personaje central de sus novelas.
En estas circunstancias ocurre algo inesperado, una extraña mujer Mara de Barclay, lo manda a llamar para saber por qué le han enviado a su casa un sobre con fotos dirigido a su nombre, del que además el remitente es Rafael Pineda, el primer esposo de Barclay, fallecido -al igual que la esposa de Celeste- hace 7 años.
Este es el inicio de un rompecabezas que Celeste deberá armar, que se complica además cuando durante una muestra fotográfica sobre sus novelas, aparece un tipo que es idéntico a la imagen que él tiene de Felipe Aranda (memorable escena de encuentro en el baño, que hace recordar al Kubrick de El Resplandor).
El encuentro en el baño, con reminiscencias de Lynch y Kubrick.
Todos estos elementos y la forma en cómo son presentados, hacen que el espectador se deje atrapar por la historia y no sea soltado hasta el final. Fuentes-León hilvana las tramas y subtramas con una gran habilidad recurriendo a tópicos de la novela policial y del thriller.
Para ello se vale de un buen grupo de actores encabezado por Salvador del Solar, los colombianos Angie Cepeda y Andrés Parra, Vanessa Saba, todos ellos correctos, aunque el que destaque nítidamente sobre el resto es Lucho Cáceres, quien probablemente se encuentre en el mejor momento de su carrera.
Técnicamente la cinta es inmejorable, un excelente trabajo de fotografía del mexicano Mauricio Vidal, la edición limpia del norteamericano Philip Bartel y en especial la música original a cargo de la peruana Selma Mutal, el mejor trabajo que hayamos escuchado para el cine peruano en estos últimos años.
Claro, hay algunos pequeños errores como la poca profundidad de la mayoría de los personajes o el final algo cantado y melodramático, pero son puntos que podemos pasar por alto y no desmerecen el conjunto de esta obra.
Javier Fuentes-León se confirma como un interesante director a seguir y ojalá que no nos haga esperar mucho para su próximo trabajo.
Película atípica en el cine peruano, El Elefante Desaparecido, es también la mejor película que hemos visto a lo largo de este 2014, lástima que no haya contado con un gran respaldo del público, y esté como su título a punto de desaparecer de cartelera. Así que vayan a verlo antes de que desaparezca.

viernes, 17 de octubre de 2014

Dos películas peruanas

VIEJOS AMIGOS 
Balo, Ricardo y Culloti, son amigos e hinchas del Sport Boys desde hace muchos años.  Consternados por la muerte de Quique, uno de sus mejores amigos, deciden robarse sus cenizas de éste para llevarlo a un partido decisivo, que jugará el equipo de sus amores, ganándose el odio de la viuda. 
Este punto de partida genial, es prácticamente toda la historia de la película, pues superada esta etapa todo lo demás es una sucesión de persecuciones, lugares comunes y algunas escenas sin sentido que evaporan casi todo lo bueno que pudo ser la película. 

No vamos a negar que tiene algunos momentos bien logrados, como aquella con Culotti (Carlos Gassols) rapeando en el auto con un malandrín, o la otra donde Balo (Blume) cuenta su versión de la génesis de la polka “Vamos Boys”;  pero se logran más por la gran presencia de estos monstruos de la actuación que son Blume, Gassols y Victoria, que por méritos del guión o el director. Y son chispazos en medios de escenas que no se entienden (como la de Balo y la Miss ochentona) o que no se desarrollan (como la del encuentro con Zenobita), que terminan por afectar la totalidad de este trabajo, que pudo ser mucho mejor. 

PERRO GUARDIÁN 
Esta es otra película que prometía, pero felizmente no decepciona tanto. Carlos Alcántara, en un papel radicalmente diferente a todo lo que le hemos visto hacer (y del que felizmente sale bien parado), encarna a perro, un asesino de los escuadrones de la muerte en la época del terrorismo, que ahora acepta encargos reglaje y aniquilamientos de algunos de sus ex jefes.
Su último encargo tiene que ver con una iglesia protestante, a pesar de que es cancelado, él se ve atraído por la prédica del apóstol de la iglesia (sensacional Ricardo Arenas) y por una adolescente (Mayra Goñi) a la que se obsesiona en proteger (¿alguien dijo El Profesional?).

Técnicamente impecable, la película sin embargo no es fácil de ver la atmósfera opresiva de una Lima Gris la hace poco digerible. El ritmo además es demasiado lento lo que no cuadra con la supuesta película de acción que nos vendía el trailer (de hecho la única acción que vemos es la del trailer).
Para colmo, los directores cometen un error de principiante: la escena en que el Apóstol le cuenta a Perro Guardián con palabras, nos es mostrada nuevamente en imágenes, algo que solo se le ocurriría a un persona que no conoce técnicas básicas de montaje.
Esto probablemente causó que se retire rápido de cartelera. Si nos hubieran dicho que era cine de autor, quizá no le hubiera ido tan mal en cartelera.

miércoles, 6 de agosto de 2014

Blockbusters 2014

Capitán América y el Soldado de Invierno (Captain America: The Winter Soldier)
El primer blockbuster del año fue una sorpresa agradable, luego de que la primera película del Capitán América no convenciera mucho. En esta ocasión el héroe debe enfrentar una conspiración de gente que quiere desbaratar S.H.I.E.L.D. y cuyos enemigos son bastante poderosos. Pero entre sus enemigos cree reconocer a un viejo amigo.
Yendo directo al grano, sin perderse en argumentos complicados, la película es fácil de seguir y además contiene escenas de acción que están bien planificadas, especialmente el primer atentado contra Nick Fury y la batalla final. Además la química entre el capitán y viuda negra funciona.

Godzilla
Otra agradable sorpresa. Luego del desastre de la versión de 1998 , no habían muchas esperanzas de que Hollywood saque algo decente sobre Godzilla, pero luego varios años de preparación, aprendiendo a respectar al original japonés, superó el reto. 
En esta ocasión Godzilla más que un monstruo que ataca es una fuerza de equilibrio en la naturaleza, aunque los seres humanos no se den cuenta de ello. A pesar de un reparto que funciona bien (especialmente por Bryan Cranston  y el japonés Ken Watanabe) y que le da seriedad a la película, lo que destaca en el film es el monstruo, tratado ahora sí, como se debe.

Transformers 4. La Era de la Extinción (Transformers: Age of Extinction) 
¿Qué le pasa a Michael Bay? es lo primero que uno se pregunta luego de ver este megabodrio. Parece que alguien le hubiera convencido de que el éxito radica en meter acción, y más acción sin ningún momento de respiro, porque eso es lo que es este Tranformers, una sucesión de peleas sin ton ni son, que al comienzo pueden deslumbrar, pero que luego terminan golpeando tanto nuestros sentido que aburre y encima dura ¡tres horas!
La historia de los nuevos protagonistas tampoco convence, por más esfuerzos que hacen Mark Whalberb y Stanley Tucci, no pueden hacer nada por sacar adelante personajes tan estereotipados y mal construidos.

El Planeta de los Simios: Confrontación (Dawn of the Planet of the Apes)
Lanzada como el gran Blockbuster de esta temporada, esta secuela de la nueva saga basada en la novela de Pierre Boule no decepciona. La historia se sitúa varios años después de la película anterior, los simios han evolucionado, han creado su propia sociedad con sus leyes, han aprendido a leer y a decir algunas palabras.
Los humanos por su parte, han estado apunto de extinguirse y los que sobreviven llegan cerca de este reino a tratar de activar una hidroeléctrica. La desconfianza de ambos bandos encarnados en Koba, un simio que odia a los humanos y Dreyfus el líder humano que los desprecia, los empujará a la confrontación del título.

Si bien el comienzo es algo lento y de acciones predecibles, la película agarra ritmo hacia la mitad y  no lo suelta. Las escenas de las batallas están bien trabajadas, aunque lo que es invalorable e imborrable son los momentos finales entre César y Malcom, y sobre todo el plano en el que cierra la película, que representa el ascenso imparable de la nueva especie dominante. Alguien debería convencer a la Academia que el gran trabajo de Andy Serkis como César y Toby Kebell como Koba, merecen al menos una nominación. 

jueves, 31 de julio de 2014

Dos Hallazgos Independientes

Autores Anónimos (Authors Anonymous de Ellie Kanner 2014)

Navegando nos encontramos con esta pequeña comedia independiente protagonizada y hecha a mayor gloria de Kayley Cuoco, la famosa Penny de The Big Bang Theory. Ella interpreta a una aspirante escritora que forma parte de un curioso grupo de también aspirantes a escritores que están obsesionados por publicar: tenemos entre ellos a un oculista y su esposa (los fundadores del grupo), un repartidor de pizzas, un émulo del escritor Tom Clancy y un don Juan bueno para nada.
La comedia no tiene ninguna otra pretensión que hacer reír y burlarse del mundillo de los autores de best sellers, y lo logra sin problemas, a pesar de que Cuoco prácticamente repite su papel de la serie, las situaciones muchas veces ridículas de la película y la exageración de los personajes (algunos de ellos realmente patéticos, pero a la vez entrañables) la hacen muy divertida.
Si bien por momentos se abusa del estilo reality, la cinta logra el cometido de entretener, mucho mejor que otras que se estrenan en cientos de salas con mucho bombo y platillo.

Una Novia Ideal (Dark Horse, Todd Solondz 2011)

Una vez más un título errado casi nos hace perder una buena película. En este caso se trata de uno de los últimos trabajos de Todd Solondz, uno de los directores emblemáticos de la explosión de cine independiente de los años 90, que se estrenó acá con el título horroroso de Una Novia Ideal cuando el título original es Dark Horse, que es el equivalente gringo a nuestra expresión oveja negra. ¿Hasta cuándo tendremos que soportar estos cambios sin sentido?
Aunque al afiche que mostraron acá vendía la idea de una comedia romántica, se trata en realidad de una comedia muy negra,  sobre la relación entre dos personajes perdedores Abe, un coleccionista de juguetes que trabaja con su padre y Miranda, una mujer que sufre de depresión crónica.
A pesar de no tratarse del mejor trabajo de Solondz (después de que hizo Happiness la valla le quedó muy alta), es un trabajo bastante digno y por encima del promedio de nuestra alicaída cartelera. Solondz es un hábil narrador de historias y sabe dirigir a sus actores, así que en esta cinta tampoco decepciona. Lástima que pasara tan brevemente por nuestras pantallas.

sábado, 7 de junio de 2014

El Documental en su mejor momento

El género documental siempre ha sido importante en el cine, y si nos ponemos rigurosos, debemos decir que el cine nació como documental. Pero luego con la aparición de la ficción, siempre pareció quedar un poco relegado a pesar de  excelentes trabajos de pioneros como Vertov o Flaherty, quienes hicieron obras maestras, consideradas entre lo mejor de la historia del cine.
En las últimas décadas, sin embargo, nuevos directores y nuevas películas documentales se van abriendo camino y nos dan razones para creer que nos encontramos en el mejor momento del documental.En estos últimos meses hemos tenido la oportunidad de apreciar tres importantes ejemplos que detallamos a continuación.

Sigo Siendo (Kackkaniraqmi) de Javier Corcuera. 
Hasta la fecha el mejor trabajo de este documentalista peruano, que ha hecho carrera en España y eso que sus dos trabajos anteriores (La Espalda del Mundo e Invierno en Bagdad), eran ya bastante buenos. Corcuera hace un recorrido por la música peruana, empezando por la selva, luego por el zapateo de la música negra de la costa en El Carmen, pasando por la música y la danza andinas, para terminar nuevamente en la costa con la música criolla de la vieja guardia.

Además de su impecable acabado visual (hay que ver esos encuadres del bote navegando en un río de la selva, o de los danzantes negros en un cortejo fúnebre en el cementerio), Corcuera logra un trabajo documental invalorable, al rescatar la diversidad musical peruana, que en algunos casos ya se está perdiendo. Lástima que el documental, tuvo muy poca difusión. Sin embargo no es difícil de conseguir, quienquiera que se sienta peruano, debería verlo.

El Acto de Matar (The Act of Killing) de Joshua Oppenheimer

Este documental es sencillamente increíble. El director, Joshua Oppenheimer, logra contactar, luego entrevistar, y seguir el día a día, de unos asesinos en masa, de una de las dictaduras más feroces del mundo, la de Suharto en Indonesia, allá por los años 70. 

El trabajo llega a un nivel pocas veces visto, cuando el director no solo les hace confesar sus crímenes con todo lujo de detalles, sino que los hace reactuar esos cruentos actos y hasta permite hacer una especie de recreación poética (el número musical born free que aparece al inicio y casi al final de la cinta) de esas muertes. No he visto nunca un documental que llegue a tanto y sin caer en excesos. Fue una gran injusticia que no se le otorgara el Oscar.

 Las Historias que Contamos (Stories we Tell) de Sarah Polley

Sarah Polley es una actriz canadiense talentosa, que ya mostraba sus dotes desde niña, cuando tuvo un rol entrañable en la cinta de Terry Gillian, Las Aventuras del Barón Munchausen. Luego de trabajar para directores interesantes como Atom Egoyan, George Romero o la española Isabel Coixet (con quien hizo una dupla memorable), pasó a la dirección con Far from Her, un interesante drama sobre el Alzheimer.

Ahora regresa con este trabajo bastante personal, sobre una historia familiar que involucra a su madre, su padre, sus hermanos y otro supuesto padre. Es un trabajo que algunos dicen que es un pseudocumental y otros que es docuficción, lo cierto es que tiene todas las características de un documental, aunque se permite algunas licencias. ¿Cuánto hay de verdad en él? es lo de menos, lo importante es que Polley logra un trabajo muy atractivo, original, bien acabado, que la confirman como una interesante realizadora a seguir.
Esperemos encontrarnos con más trabajos así y que el documental siga abriéndose camino en el mundo del cine y llegue cada vez a más personas.

sábado, 31 de mayo de 2014

Las Mejores del 2013

Como ya es habitual presentamos nuestra lista de los mejores estrenos comerciales del año que pasó. 2013 fue un año en el que la cartelera no estuvo muy animada, sino hubiera sido por algunos estrenos de fin de año, y las películas que llegaron en festivales y circuitos alternativos, estaríamos lamentándonos de uno de los años más pobres cinematográficamente hablando, de la última década.
En fin, aquí está la lista.

1. Gravedad (Alfonso Cuarón)

Cuando pensábamos que Cuarón ya estaba alistando maletas para regresar a México, nos sorprende con esta pelíciula, que es cine en estado puro: una historia sencilla que contar (dos astronautas desconectados de su nave y perdidos en la inmensidad del espacio), poderosas imágenes y saber narrar.

La actuación de Sandra Bullock es notable y levanta un personaje, que de haber caído en otra actriz habría lucido melodramático o exagerado. La película cuenta además con uno de los mejores usos del 3D de los últimos años.

2. Springbreakers (Harmony Korine)

A pesar de una primera media hora intrascendente y poco original (parece sacada de un reality de E!), Springbreakers se convierte luego de la aparición del personaje de James Franco en un otra película. Korine toma lo que parecía ser otra película sobre adolescentes y gangsters y la transforma en una reflexión sobre la naturaleza del mal y su poder de atracción para los chicos de hoy.

Notable actuación de James Franco y del cuarteto de chicas que lo acompaña (Vanessa Hudgens, Selena Gómez, Ashley Benson y Rachel Korine). Se prepara segunda parte, sin Korine, lo cual es suficiente como para no verla.

3. El evangelio de la carne (Eduardo Mendoza)

Eduardo Mendoza sorprende con una obra de madurez, luego de sus aventuras juveniles con "Mañana te Cuento", una película coral en la que cuenta varias historias centradas en la caótica Lima contemporánea: un policía que quiere hacer hasta lo imposible para salvar a su esposa que tiene una enfermedad terminal, un ex chofer alcohólico que busca redención, y Narciso un chofer de combi, líder de un grupo de barristas de la U, quien quiere sacar a su hermano de la cárcel.

La forma cómo narra las historias mezclando personajes, dosificando escenas de acción, con otras de drama y otras de reflexión, confirma a Mendoza como un cineasta a seguir. El final, con un montaje al estilo Coppola (en su trilogía de El Padrino), es de lo mejor que hemos visto en el cine peruano de los últimos años. 

4. Amour (Michael Haneke)

El austríaco Haneke nos trajo esta conmovedora historia de una pareja de ancianos, que viven solos, y cuya vida se ve alterada por la llegada de una penosa enfermedad, que afecta a la señora convirtiéndola en un ser totalmente dependiente.

Haneke muestra su habitual buena mano para dirigir actores y logra sacar lo mejor de la pareja protagónica, Emanuelle Riva y un inspiradísimo Jean-Louis Trintignant. A pesar de la distancia que se toma el director a la hora de contarnos su historia, es imposible no conmoverse ante un film así.

5. Silver Linings Playbook (David O. Russell)

Luego del gran éxito de The Fighter, David O. Russell, muestra su buen un momento con esta comedia que hasta el momento es el más logrado de sus trabajos. Un Bradley Cooper mejor dirigido que nunca, es un ex paciente siquiátrico que sale para tratar de vivir con sus padres, luego de que su ex mujer pusiera una orden de restricción contra él.

En esas circunstancias conoce a Tiffany (insuperable Jenniffer Lawrence), una chica casi tan desequilibrada como él. Y lo que parece imposible surge, un romance entre dos seres cuyas vidas han sido un desastre. Buenas actuaciones, un humor bien manejado y un final, aunque previsiblemente feliz, coherente, hacen de esta cinta una agradable sorpresa. Lástima que Russell perdió el rumbo con la sobrevalorada American Hustle.

6. Bestias del Sur Salvaje (Benh Zeitlin)

¿Hiperrealismo o realismo mágico? El fin de un mundo a través de los ojos de Hushpuppy, una niña de 6 años, que debe hacer frente a una vida de miseria y a la vez cuidar a su padre alcohólico. Situada en un imaginario y pobrísimo punto del Sur de Estados Unidos, el director Benh Zeitlin nos provee unas poderosas imágenes, que será difícil sacar de nuestros recuerdos.

Si Zeitilin ha logrado esto con su largo debut, no queremos esperar lo que logrará en los próximos años. Que la suerte lo acompañe.

7. The Master (Paul Thomas Anderson)

El siempre polémico Paul Thomas Anderson, nos cuenta la enrevesada relación entre un ex marino, con tendencias psicóticas y Lancaster Dodd (el gran Phillip Seymour Hoffman probablemente en su último mejor rol), el poderoso líder de una secta de mediados del siglo pasado, a quien algunos críticos relacionan con la Cientología.

Como casi todos los trabajos de Anderson, no se trata de una cinta fácil de ver, en especial por estos dos personajes repelentes, pero el buen trabajo actoral (a destacar la presencia de una cada vez más segura Amy Adams), y la maestría narrativa de Anderson, hacen de The Master una obra redonda.  

8. Before Midnight (Richard Linklater)

Y Linklater lo hizo. Después de dejarnos algunas dudas con Before Sunset, regresa ahora con la inolvidable pareja compuesta por Ethan Hawke y Julie Delpy (además guionistas del film), para traernoslos ahora diez años mayores, y además formando una familia .

Aunque siguen siendo el centro de la historia, en esta ocasión intervienen más personajes, enriquciendo la trama (notable la larga secuencia del almuerzo); y aunque el escenario en que se mueven parece de cuento de hadas, la historia de ambos deja de lado el romanticismo de las historias previas para converger en un fuerte drama familiar, además con final incierto. ¿Vendrá Before Noon?

9. El conjuro (James Wan)

James Wan se va confirmando como uno de los artesanos más hábiles del cine de terror de los últimos años. Ahora regresa con la historia de una pareja de expertos en fenómenos paranormales, los Warren, quienes son llamados por una familia, que vive atormentada por una serie de fenómenos que ocurren en su casa y que no los dejan vivir en paz.


Si bien lo mejor la película está en la primera parte (la segunda es más convencional), pues el realizador hábilmente genera atención más sugiriendo que mostrando elementos, que no están en el campo visual; el balance del film es positivo.

10. Captain Phillips (Paul Greengrass)


El director de la saga de Bourne, y de United 93, regreso con un interesante thriller de acción, basado en un hecho real, que cuenta la historia real del capitán, Richard Phillips quien fue secuestrado por piratas somalíes hace algunos años.

Convertido en un experto de las cintas de acción, Greengrass narra con buen oficio la toma del barco y las luchas entre la tripulación y los piratas. Sorprende también por los otros giros de la historia que no hacen presagiar el final feliz, con el que concluye el film.

viernes, 7 de febrero de 2014

El Maestro está de vuelta

Blue Jasmine


Cate Blanchett: Jasmine es el rol de su carrera.
"El problema con Woody Allen, decía un estimado profesor de cine, es que cree que tiene que hacer una película por año", y claro que con esa convicción te saldrán buenas películas, pero también algunas malas. A veces las buenas se hacen esperar, sobre todo cuando para verlas hayamos tenido que ver desgracias como De Roma con Amor (From Rome With Love, 2012) o Conocerás al Hombre de tus Sueños (You Will Meet a Dark Tall Stranger, 2010). Felizmente Allen todavía es capaz de sorprendernos y lo demuestra con creces en Blue Jasmine o simplemente Jasmine como la han titulado en nuestro país.
 La película cuenta la historia de dos hermanas, Jasmine la primera de ellas acaba de llegar de Nueva York a pasar una temporada en la casa de su hermana Ginger (en realidad no son exactamente hermanas, son hijas de diferentes padres ya que fueron adoptadas), y no solo está en la ruina sino que también tiene problemas nerviosos. Mientras trata de rehacer su vida, altera la vida de todos la rodean, y sus añoranzas por su pasado de gloria, le traerán más de un problema.
 A pesar de tratarse en muchas formas de una típica película de Woody Allen, con personajes femeninos fuertes, mucho peso en los diálogos y abundantes tomas en exteriores, es al mismo tiempo una película diferente: Se ambienta en Estados Unidos, pero el escenario es el soleado San Francisco de la costa oeste en lugar del habitual y algo más gris Nueva York de la costa este. No hace falta decir que le saca el jugo a la ciudad, con estupendas locaciones y muy buen aprovechamiento de la luz natural en varias escenas.
 Pero hay otra novedad, Allen recurre en esta película al uso de insertos, al principio da la impresión de que son simples flashbacks, pero el uso que se hace de ellos sin previo aviso, en aparente desorden temporal y mezclándolos con el presente, nos confunden, haciéndonos meter de lleno en el mundo de las peligrosas alucinaciones de Jasmine que luego adquieren plena significación al final, cuando nos brindan la información sobre toda la trama, un recurso parecido al que usó Atom Egoyan en Exotica (1994) y antes que él, el japonés Takeshi Kitano en muchas de sus películas (Hanna Bi 1997, Brother 2000, Kikujiro no natsu 1999)
 Se ha dicho hasta el hartazgo que Allen es un gran director de actrices, y aquí lo comprobamos una vez más. Cate Blanchett, una actriz talentosa que ya ha dado buenas muestras de sus dotes, logra con Jasmine el papel de su vida, complejísimo rol, pues es un personaje con muchos matices que a pesar de su antipatía no es malo, sino producto de un mundo materialista, apegado al lujo y a la apariencia, y cuando ese mundo se viene abajo, no sabe vivir sin él.
 A través de gestos nerviosos y a veces calmados, a través de numerosos cambios en las inflexiones de su voz, a través de miradas ensoñadoras y perdidas, Blanchett se mete de lleno en su personaje y a nosotros con ella.
 Si bien es cierto el elenco que la acompaña (Alec Baldwin, la inglesa Sally Hawkings, Peter Sarsgaard, y Bobby Cannavale) hace una destacada labor (en especial Sarsgaard, quien está brillante en la escena de la discusión en el auto), el personaje que interpreta Blanchett tiene tanto peso, que su luz (o su oscuridad, si se quiere), termina por opacar al resto.
 Cate Blanchett está particularmente genial en la escena final, bella, lograda pero al mismo tiempo desoladora, desesperanzandora, poseedora de una fulminante desazón que puede durar días. Por más que pensamos, no se nos ocurre otra actriz de la filmografía de Allen o fuera de ella, que haya logrado tal efecto.
Allen, el maestro ha regresado, esperemos que para la próxima no tarde mucho tiempo.