El Norte Del Cine

La Mejor Película del 2011

2012-02-01T10:37:00.002-05:00

Midnight inParis

Un crítico español decía no hacemucho que “el problema de Woody Allen consistía en que cree que debe hacer unapelícula por año”, y parece tener razón: luego de iniciar su etapa europea de manera brillante con Match Point(2005), ninguna de las películas que le siguieron desde Scoop (2006) hasta You willmeet a dark tall stranger (2010) alcanzaron el nivel de ésta, y hasta temíamosque el maestro había perdido la habilidad para sorprendernos.

Felizmente no ha sido así, este 2011 hizo quehasta los menos entusiastas críticos coincidieran en que su Midnight in Paris,era una de sus obras mayores, y nosotros agregaríamos: comparable solo a susmejores comedias como Purple Rose of Cairo (1985), Bullets Over Broadway(1994) o Annie Hall (1977).

Medianoche en París, nos cuentala historia de Guy Penner un guionistade Hollywood, quien aprovecha un viaje a París de sus futuros suegros, paraviajar con su novia Inez y buscar en esa ciudad la inspiración que la permita completarsu primera novela.

Desde el comienzo nos damoscuenta que algo en la relación entre ambos no va, que Inez es demasiadomaterialista y conservadora para entender a Guy, y que además siente unaadmiración desmedida por el pedante esposo de una amiga. Guy se va dando cuentaque no encaja en ese mundo y en una de esas situaciones que busca escaparse yreflexionar, se encuentra de pronto en la soledad de una calle, del barriolatino de París con un auto antiguo, cuyos pasajeros amablemente le invitan auna fiesta.

Allí es cuando se da cuenta quesus anfitriones son nada menos que Scott y Elda Fitzgerald y el pianista en lafiesta es el gran músico Cole Porter, sin saber cómo ha viajado a los años 20. Luego conocerá al gran Ernest Hemingway conquien tiene un ingenioso diálogo sobre la honestidad del artista, que es uno delos mejores que hemos visto en mucho tiempo en un film de Allen.

Después de esta experiencia Guyregresa varias noches al mismo punto, y cada día conoce a gente diferente:Gertrude Stein (quien se ofrece amablemente a revisar el borrador de su novela), Pablo Picasso, Luis Buñuel, SalvadorDalí, el torero Belmonte, y hasta la que podría ser su verdadero amor: Adriana,la equivalente a una groupie de nuestros días.

Todos estos encuentros dan pie avarias situaciones cómicas, y algunos podrían pensar de que se trata de unacomedia ligera, pero en realidad, como en muchas buenas películas de Allen,Midnight in Paris admite muchas lecturas: el valor de una obra de arte, elartista y su relación con el mundo, el temor a iniciar una nueva etapa en lavida, el peligro de ilusionarse con el pasado y hasta una feroz crítica alsnobismo y miopía política de cierta clase norteamericana, causante de muchosde sus problemas.

Allen filma con maestría todaslas escenas, y hace una clara distinciónen las que ocurren en el presente, mayormente en exteriores y de día con unafuerte iluminación natural, de las que ocurren en el idílico pasado de Penner,con interiores y exteriores bellamente iluminados con luz cálida, que crean unaatmósfera suave, mágica, muy parecida a la que vimos por ejemplo en Radio Days(1987).

En cuanto al reparto, Allensiempre ha sabido sacarle el jugo a sus intérpretes y esta vez no ha sido laexcepción: desde un Owen Wilson sorprendemente parecido a Allen (hay un plano acontraluz en la que hasta se para igual que el maestro), pasando por unaencantadora Marion Cotillard, o los antipáticos personajes que componen RachelMc Adams y Michael Sheen o hasta los breves, pero decisivos roles que tienenpor ejemplo Carla Bruni como la guía turística o Kathy Bates como GertrudeStein. Incluso la brevísima escena en que aparece Adrien Brody recreando aSalvador Dalí, está genial.

Incluso el final, sin llegar aser un típico happy end o un final muy duro como el de La Rosa Púrpura de ElCaro, es perfecto para redondear la película y que captemos el mensaje: nopodemos abandonar la realidad, pero la podemos mejorar.

Midnight in París, es un canto deamor de un cineasta a la ciudad que ama y a la que ha querido rendir homenajedesde hace mucho (¿recuerdan la famosa frase de Hollywood Ending (2002)“gracias a Dios que existen los franceses”?), es casi seguro que Allen haestado filmando esta película en su mente desde hace mucho, recién ahora ha podidolograrlo y lo ha hecho encantado.

Ojalá en el futuro Allen nostenga preparadas más sorpresas como esta.

La Mejor Película del 2010

2012-01-31T20:54:00.000-05:00

Inception: La Nueva Matrix

Mientras llega la crítica de la mejor del 2011, aquí este artículo de la mejor del 2010.

Hace 11 años un par dehermanos que estaban dando sus primeros pasos en el cine, Andy y LarryWachowsky sorprendieron al mundo con Matrix, una película que no sólorevolucionó el arte de los efectos especiales, sino que originó múltipleslecturas y debates por sus contenidos mezcla de filosofía oriental, ideologíaciberpunk y elementos cristianos, que sibien casi desaparecieron luego en las dos secuelas siguientes, la catapultarona la categoría de film de culto, digna de aparecer en cualquier lista demejores películas.

Hoy, Christopher Nolan nos hatraído un producto similar, que destaca no solamente por la fuerza de susimágenes, sino porque igualmente nos ofrece múltiples lecturas, con una obracompleja que está ya dando mucho que hablar.

Nolan (Londres, 1970) nacidoen las canteras del cine Independiente, ha dado desde siempre muestras de serun autor en todo el sentido de la palabra, desde sus trabajos iniciales Following y Memento, fuera del mainstream cuando tenía el control absoluto desus obras, hasta las dos últimas Batman, la cuales a pesar de haberse hechodentro de la industria, dejan ver en ellas la impronta personal del realizador.

Esta vez ha conseguido llevara la pantalla grande un proyecto que él había venido acariciando desde hacetiempo y que por distintas razones no había logrado concretar. Se trata de Inception (traducida en nuestras salascomo El Origen, pero a la que tambiénpodría habérsele dado el sentido más adecuado de Implantación), película dondenos narra la historia de Cobb, un “extractor”, una curiosa profesión de unfuturo no lejano, que no es del todo legal, y que consiste en introducirse enlos sueños de ciertas personas, para robar de su subconsciente los secretosmejor guardados y venderlos al mejor postor, una especie de espionajeindustrial, pero mucho más sofisticado.

Para ello necesita decolaboradores: un “arquitecto” que diseñe los sueños, un vigilante que seencargue que todo esté bajo control y dedespertarlos desde dentro del sueño, cuando sea necesario, utilizando unrecurso llamado “la patada”. Necesita además un instrumento llamado Totem, quees cualquier objeto conocido por el soñador, y que al recurrir a él, leconfirma si el sueño terminó o si todavía está dentro de él.

Después de un intento fallidode robo con un industrial japonés, Cobb es reclutado por esta misma personapara que haga un trabajo prácticamente opuesto: implantar en la mente de uncompetidor una idea que lo haga desistir de convertirse en un monopolio queprácticamente controlaría todo el mundo. Cobb al principio se niega, pero luegoSaíto le hace una propuesta que no puede rechazar: si consigue la implantaciónarreglará su situación judicial en Estados Unidos y podrá nuevamente volver asu país a ver a sus hijos.

Para esta misión Cobb necesitanuevos miembros para su equipo: Eames, un imitador (Tom Hardy) alguien quetiene la capacidad de adquirir la apariencia de cualquier conocido del soñador,un químico llamado Yusuf, que fabrique un poderoso fármaco que induzca aldurmiente en un sueño profundo (DileepRao) y Ariadne, una nueva arquitecta (Ellen Page) para reemplazar al que fallóen la misión anterior.

De todos ellos Ariadnerecomendada por un maestro de Cobb (Michael Caine) tendrá un rol ascendente enla cinta, reclutada en el último intento, es una estudiante de gran habilidad,que aprende muy rápido, incluso más de la cuenta ya que descubre los secretosmás íntimos de Cobb, algunos de los cuales podrían poner en peligro la nuevamisión.

Para contarnos tan complejahistoria, Nolan se vale tanto de esclarecedores diálogos de lospersonajes, como de poderosas imágenes yacciones, de tal forma que si uno no entiende lo que dijeron en los diálogos,lo captamos luego en las acciones desarrolladas a continuación. Todo esto conun ritmo intenso, con escenas de discurrir muy fluido, gracias a una cámara quese mueve con agilidad y que se mete por los lugares de más difícil acceso,especialmente en las escenas de tiroteos y persecuciones.

Nolan recurre a interesantesgolpes de efecto, para sorprender y mantener la atención del público, como porejemplo jugar con la alternancia de los sueños y la realidad (a veces nosabemos bien donde están los personajes) o complicar la estructura narrativa ensucesivas vuelta de tuerca (un sueño dentro de un sueño, dentro a su vez deotro sueño, en tres subniveles).

La película se mueve en muchosniveles y funciona en todos ellos. En la capa más superficial se aprecia comouna cinta de acción, filmada con lo último en efectos especiales y con un ritmotrepidante que no da respiro al espectador. En otro nivel tenemos un dramapersonal, el de Cobb quien no puede superar un pasado tormentoso, del que haheredado un fuerte sentimiento de culpa que cada vez con mayor fuerza, valastrando sus acciones presentes. Finalmente es una apasionante descripción delmundo de los sueños, con su irracionalidad, su fantasía y sus reglasparticulares, aunque en este caso sean las reglas que Nolan nos presenta paraeste mundo.

Podemos reconocer en esta historia las fuentesde las que ha bebido Nolan, tenemos para empezar un referente que reciénempieza a hacerse conocido debido a la muerte de su director: el ánime Paprikade Satoshi Kon, en la cual los personajes pueden también entrar a los sueños deotros, aunque aquí es gracias a un invento, más que por la habilidad de losindividuos.

Luego está la Matrix de losWachowsky, el mundo de los sueños de Nolan y la forma como conectarse a él, tienencierta relación con el falso universo de la Matrix, y en el modo como elmaestro Cobb enseña a su discípula Ariadne, nos hace recordar el aprendizaje deNeo con Morfeo.

Otro referente importante, essin lugar a dudas Solaris deTarkovsky, especialmente en la relación de Cobb con Mal, la vívida proyecciónque él mismo ha creado de su esposa debido a su gran sentido de culpa, que noshace recordar a Hari, la esposa del Dr. Kelvin, que también tiene vida propia,creada en parte por el hondo sentido de culpa de éste.

El descenso a los submundosmás profundos de su subconsciente de Cobb, para tratar de liberarse de Mal, esun equivalente del descenso a los infiernos del mito de Orfeo, con ladiferencia que aquí existe la figura de una liberadora, Ariadne, nombre que nopor nada nos remite al mito de Teseo y el Minotauro, concretamente en loreferente al hilo de Ariadna, como la llave para encontrar una salida y aquí elpersonaje homónimo tendrá un rol similar.

Si seguimos buscandoencontraremos seguramente más fuentes, pero lo importante es que Nolan las hasabido unir y recrear para dar como resultado una historia apasionante yatractiva.

Para hacer esta película,Nolan ha logrado reunir a un reparto envidiable -casi perfecto por la formacomo se apoyan entre sí- encabezado por Leonardo Di Caprio quien luce cada vezmás cuajado y convincente en sus últimas interpretaciones y aquí interpreta consolidez a Cobb un un hombre muy hábil en lo suyo, pero a la vez atormentado porla culpa de una acción que no ha logrado superar. Di Caprio aporta al personajetodos los matices de su difícil situación lo cual hace que el personaje seasumamente creíble al espectador.

Luego tenemos a Ellen Page larecordada protagonista de Juno, quientermina por confirmar que es más que una promesa de actriz, especialmenteporque este es el personaje que más evoluciona en la película: de la tímida yalgo insegura aprendiz a convertirse luego en la confidente de Cobb hasta luegoconvertirse en la clave para liberarlo de su pasado.

Mención aparte merece lafrancesa Marion Cotillard, nominada al Oscar por su rol de Edith Piaf en La Vieen Rose (no en vano uno de los temas de esta película, Ne vale rien, se empleacontinuamente en esta película), la cual da vida a uno de los personajes másenigmáticos del film, Mal la fallecida esposa de Cobb, quien se aparececonstantemente en los sueños de Cobb y muchas veces como un espectroincontrolable.

Junto a ellos un equipo desecundarios más que cumplidores: Ken Watanabe como Saíto el misteriosos nuevocliente de Cobb, Cillian Murphy como Fisher la víctima-villano, Tom Berenger unactor no siempre bien aprovechado en el rol de Peter el tío de Fisher, JosephGordon-Levitt quien parece dejar ya sus papeles de adolescente para asumirroles más serios y con ellos los secundarios Tom Hard y Dileep Rao, quienestambién encarnan con dignidad a sus personajes.

A pesar de su extenso metrajeel ritmo y el interés nunca decaen y se vuelven particularmente intensos en laúltima hora, cuando se desarrollan las tres líneas de acción que avanzan demanera paralela pero no de manera simultánea, ya que cada una de estas líneasrepresenta un distinto nivel de sueño, con sus propios tiempos (más rápidos lossuperficiales y más lentos los profundos) ya que los segundos en un primernivel pueden ser años en el tercero. Aquí Nolan nos da una lección de lo que esel tempo cinematográfico, con una precisión muy pocas veces vista en el cine.

Esta intensidad se ve hasta elúltimo fotograma, cuando Cobb deja su trompo-totem, dando vueltas en la mesa,para convencerse de que no está soñando y un fundido en negro no nos permitesaber la conclusión.

Nolan no sólo ha hecho lamejor película del año, sino que ha logrado la mejor película de su carrera.Hasta nos atreveríamos a decir que es una obra maestra, aunque quizá haganfalta algún tiempo para demostrarlo.

Las mejores del 2011

2012-01-26T13:58:00.001-05:00

Año muy malo para el cine en provincias, muypocos estrenos de calidad, al final los cinéfilos hemos tenido que retomarnuestra vieja costumbre de peregrinar a Lima para ver algunos estrenosimperdibles, o recurrir a vías alternativas.

En fin acá la lista, que salió demasiado oscarizada para migusto, pero qué vamos a hacer:

1. 1.Medianoche en París (Midnight in Paris)

La declaraciónde amor más grande de un cineasta a una ciudad que siempre amará. Woody Allenpresenta su mejor película desde Match Point, cuando comenzó su etapa europea.

En menos de 90minutos Allen nos presenta una historia magníficamente bien contada, que tienemuchas lecturas, sobre Gill Penner un guionista a punto de casarse que quieredar un giro en su vida y no sabe cómo, hasta que se le presenta la oportunidadde viajar cada medianoche al pasado de París y encontrarse con genios de latalla de Fitzgerald, Hemingway, Buñuel, Dalí, Picasso, entre otros.

2. 2.El Discurso del Rey (The King’s Speech)

Uno de los pocosaciertos del Oscar en mucho tiempo. Basada en un hecho histórico, la tartamudezdel rey Jorge VI, padre de la actual reina Isabel de Inglaterra. Además de estar narrada con maestría, bientrabajada visualmente, cuenta con uno de los mejores duelos actorales (ColinFirth vs Geoffrey Rush) de los últimos tiempos.

Pero si nosqueremos quedar con una escena , la del clímax cercano al final, cuando vemosal rey Jorge enfrentar su destino, y logra encontrar su voz (que en esas horasaciagas de la segunda guerra, se convierte en la voz de toda una Nación) dondeel montaje paralelo ejecutado magistralmente, es simplemente inolvidable.

3. 3.Super 8

JJ Abrams recicla al mejor Spielberg, aquelde Clouse Encounters of the Third Kind y E.T., y nos trae una memorable fábulasobre la amistad, el primer amor y el amor al cine.

Si bien en la segunda parte casi seconvierte en una película de ciencia ficción más, el luminoso final,conteniendo imágenes tan sencillas como conmovedoras, la convierten en una delas mejores cintas del cine comercial de los últimos años.

4. 4.El Planeta de los Simios (r) evolución (Planetof the Apes: Evolution)

La otra gran sorpresa comercial del año,llega de la mano del nóvel Rupert Wyatt quien nos cuenta ahora la historia quefaltaba en la saga: ¿cómo fue que los simios adquirieron la inteligencia queles hizo destronar a la raza humana?

Además de narrar bien la historiaprincipal, la película presenta otras subtramas que también funcionan y en laque se llama la atención sobre el Alzheimer y sobre la codicia de las grandestrasnacionales. Luego del fracaso deBurton esta nueva versión de la saga parecía haber llegado a un callejón sinsalida, pero con este nuevo realizador británico tiene un prometedor futuro.

5. 5.El Luchador (The Fighter)

David O. Russell, un director de filmesapenas correctos, da un gran salto cualitativo con esta película basada en unhecho real, sobre el boxeador Mikcy Ward y sus complicadas relaciones con su madre, sutalentoso pero desperdiciado hermano Dicky y su novia Charlene, quien pareceser lo que necesita para salir de su estancamiento.

Excelente reparto, con otra buenaperformance de Christian Bale, bien acompañado de Mark Whalberg y la ganadoradel Oscar Melissa Leo. Pero la quedestrozó lo previsto fue la ex princesa Disney Amy Adams, quien se luce en elrol de Charlene, una mujer de carácter, decidida, muy lejana de los personajesque suele interpretar.

6. 6.El Cisne Negro (Black Swan)

Darren Aronofsky vuelve a sorprendernos conotra película en el límite de lo excesivo, con otro personaje al límite, en este caso a punto de perder la razón. Setrata de una bailarina, quien debe esforzarse más allá de sus posibilidadespara obtener el rol principal de El Lago de los Cisnes de Tchaikowsky,enfrentando a un director libidinoso, a una madre posesiva y a unainescrupulosa y más joven rival.

Natalie Portman, quien recibiera unmerecido Oscar por este trabajo, sorprende con un tour de force, en la que ellamisma parece haber estado también al borde la sinrazón.

7. 7.El Escritor Oculto (The Ghost Writer)

Al igualque Woody Allen el gran Roman Polanski,vuelve a su mejor nivel luego de varios fracasos. Esta vez nos trae unahistoria hitchconiana, sobre un escritor que es contratado para escribir laautobiografía de un político, (de allí el título de fantasma, pues el noaparecería como autor del libro), pero que al iniciar las investigaciones se vametiendo en una serie de intrigas que pone en riesgo sus vidas.

Polanski maneja muy bien la información y la vasoltando de la mejor manera para atrapar al espectador. Además le saca el jugoa esos dos buenos actores que son Pierce Brosnan y Ewan McGregor.

8. 8.Temple de Acero (True Grit)

Los hermanos Cohen sumaron otro logro a suya extensa filmografía, esta vez el género fue el western, con una nuevaversión de True Grit, de la película de Henry Hathaway de 1969, sobre unalcoholizado sheriff que debe acompañar a una huérfana en una venganza.

Otra versión desencantada y desmitificadoradel oeste, muy lejos de los clásicos del género, con otra excelenteinterpretación de Jeff Bridges, pero la que rompe todos los esquemas es lanóvel Hailee Steinfeld, quien no solo le da la réplica a Bridges, sino quemuchas veces termina por robarse las escenas.

9. 9. X Men: Primera Generación (X Men: First Class)

Cuando ya la saga de los X Men parecíatempranamente extinta , el joven director Matthew Vaughn, nos devuelve la fecon una película bastante correcta, que nos cuenta los primeros años del grupoy la amistad/enemistad de Xavier y Magneto.

El punto fuerte de la película, están en elbuen trabajo del reparto, especialmente de Michael Fahssbender , un excelenteactor que recién está empezando a ser aprovechado y reconocido por Hollywood.

10. 8 Minutos para Morir (Source Code)

Película que tiene el mismopunto de partida que Groundhog´s day (aquella en la que Bill Murray despertabaatrapado en un momento del tiempo y vivía el mismo día una y otra vez. Acá setrata de un soldado que parece estar atrapado en una simulación de explosión enun tren de pasajeros y solo tiene 8 minutos para saber cómo impedirla.

Con unas esforzadasactuaciones de Jake Gylenhall y Vera Farmiga (sobre ellos se sostienen lospilares narrativos del film), buenos efectos especiales y una trama pocoprevisible, la historia nos engancha y nos mantiene pegados hasta elsorprendente final.

Tranquilamente pudieron estaren esta lista Winter’s Bone, The Tree of Life, A Dangerous Method, Melancholiay otras, pero como les dije no se pudo acceder a ellas.

Cuando X conoció a Magneto

2011-07-19T16:38:00.002-05:00

X Men : Primera Generación

Después de esas dos decepciones que fueron X Men 3: The Last Stand (2006) y X Men Origins: Wolverine (2009), nos habían quedado serias dudas de la continuidad de esta franquicia. Por eso recibimos con cierto escepticismo el anuncio de este nuevo capítulo X Men: First Class.

Dos buenas noticias sin embargo, nos hicieron abrigar ciertas esperanzas, la llegada en la dirección de Mathew Vaughn, un director británico que brilló recientemente con Kick Ass (2010), una fresca película de un especial superhéroe adolescente, y la participación en la actuación de Michael Fassbender, un prometedor actor irlandés de ascendencia germana, que ya había tenido una participación destacada en el film de Quentin Tarantino, Inglourious Basterds y en 300 de Zack Snyder.

Las primeras imágenes de X Men: First Class, nos confirmaron que había razones para tener esperanza: una adecuada introducción nos muestra la infancia de los dos personajes clave en esta historia: Charles Xavier un niño de familia acomodada que vive en total descuido de sus siempre ausentes padres, y Erik Lehnsherr un niño judío en un campo de concentración, que es obligado por el sádico Dr. Schmidt a demostrar sus dotes especiales atrayendo y manipulando metales.

Cerca de 20 años después Charles X. Xavier ha sustentado su tesis doctoral y gracias a la agente Moira Mac Taggert está a punto de ayudar a la CIA; mientras que Lehnsherr, recorre medio mundo siguiendo las pistas de Schmidt quien ahora se hace llamar Sebastian Shaw, y está tejiendo intrigas entre los altos mandos de los Estados Unidos y la Unión Soviética, para convertir la Guerra Fría, en una Guerra Nuclear. En esas circunstancias sus destinos se cruzan, y Charles le salva la vida a Erik, le explica que ambos son especiales, para luego proponerle unir sus fuerzas ir contra Shaw y luego luchar por la causa mutante.

Todo esto se sucede a un ritmo trepidante, que apenas deja respirar, y nos fuerza a estar atentos a los continuos cambios de escenario, y aparición de nuevos personajes en escena. Vaughn mete de todo en su historia: acción, humor, drama, algo de historia, pero sin que la mezcla se estropee o luzca forzada, salvo la pequeña licencia histórica que se toma hacia al final con la Crisis de los Misiles de Cuba, pero que comparada con la que se tomó Tarantino en la mencionada Inglourious... es microscópica.

Los efectos especiales están bastante bien logrados, y aunque quizá algún sector del público puede pensar que son poco vistosos, la verdad es que son lo suficientemente discretos como para no opacar a los otros elementos del film. Otro elemento importante de esta película es la recreación de época: los sesentas están muy bien reflejados en varios elementos (vestuario, arquitectura, emisiones de televisión), pero no de manera general, sino muy en concreto en 1962, con todo lo que ocurría ese año.

Sin embargo, el punto fuerte de la película, además de la historia bien contada, está en el buen trabajo del reparto, X Men: Primera Generación, cuenta con uno de los mejores trabajos de casting que hemos visto en este tipo de películas. James Mc Avoy cumple bastante bien con el rol del joven Xavier, y vemos cómo su personaje va creciendo desde su despreocupada juventud, pasando por su creciente interés en la ciencia hasta su liderazgo pacífico de la causa mutante a la que se entrega en cuerpo y alma.

Pero, como ya hemos mencionado antes, quien se roba el show es Michael Fassbender, quizá en parte porque Magneto, su personaje es el más rico, con un pasado muy sufrido, que evoluciona de la venganza pura a la lucha por la causa mutante, pero sin renunciar nunca a su agenda personal. Fassbender le da crediblidad y dignidad al personaje, al demostrarnos su dolor, su esperanza y su ambigua amistad con Charles Xavier, a quien respeta mucho, pero con quien no puede estar de acuerdo en todo.

El resto del reparto no desentona, Kevin Bacon compone un villano que quizá no sea tan atractivo como los de otras películas de superhéroes, como por ejemplo Batman, pero cumple, e incluso nos guarda alguna sorpresa. También podemos mencionar a Rose Byrne (agente Mc Taggert) que destaca en la serie Damages, January Jones (Emma Frost) una de las revelaciones de la serie Mad Men, Nicholas Hoult (Beast) y Jennifer Lawrence (Mystique).

Si algo hay que reprochar, es esa creciente mala costumbre de las distribuidoras de doblar las películas al español. En este caso el resultado es aún más ridículo, porque gran parte de los diálogos están en alemán, que solo ha sido subtitulado.

En resumen, se trata de un prometedor nuevo comienzo, que hace renacer la fe en esta serie, y que además nos deja con muchas ganas de conocer el siguiente trabajo de Mathew Vaughn.

Encontrando la Voz de una Nación

2011-02-18T11:58:00.000-05:00

Cuando vimos el cartel de esta película y nos enteramos que detrás de ella estaban los hermanos Weinstein, famosos por su ex productora Miramax, que metía en el mismo saco películas de calidad, y otras que no lo eran tanto pero que gustaban más a los miembros de la Academia de Hollywood, nos dio cierta desconfianza, pero no siempre se encuentra una dupla como la de Colin Firth y Geoffrey Rush en un film así es que nos aventuramos a verla.
Tras unos primeros minutos en los que se nos introduce al problema del entonces Príncipe Bertie (Colin Firth), que tiene una tartamudez que le impide dar discursos y unos médicos que no hacen mucho por corregirlo, pareciera que no vamos a ver nada nuevo y nos encontráramos ante otra película más de superación, pero entonces empiezan las sorpresas cuando aparece en escena el personaje de Lionel Logue (Geoffrey Rush), un terapista del lenguaje de "métodos poco ortodoxos", que dialoga inicialmente con Elizabeth, la esposa del príncipe, para ver si puede tratar a su marido.
Tras un encuentro infructuoso, el príncipe se convence que tal vez el tal Logue puede servirle de ayuda e inicia toda una serie de terapias físicas, algunas bastante complicadas, pero ya el terapista le ha dicho al noble, que el problema es más mental que físico, aunque éste se resista a aceptarlo.
Las cosas se complican cuando muere el rey Jorge V, y el nuevo rey Eduardo VII hermano de de Bertie, debe dimitir rápidamente porque prefiere casarse con la divorciada Wallis Simpson, y no le queda otra al príncipe que convertirse en el nuevo rey Jorge VII. Entonces la necesidad de hablar con corrección se convierte en asunto de estado, y debe llamar nuevamente a Logue a pesar de la oposición de muchos familiares y nobles en la corte.
Desde el primer encuentro entre Firth y Rush nos damos cuenta que no estamos ante un film cualquiera, ya que no sólo la química entre ambos actores es evidente, sino que ambos se han metido de lleno en sus personajes y los hacen más que convincentes. Firth compone no sólo a un rey con problemas de dicción y bastante mal humor, sino que guarda en su interior graves traumas adquiridos en sus años de niñez, que lo hacen un ser humano, que no despierta antipatía, sino compasión.
Logue, el personaje de Rush es al contrario, un tipo seguro de sí mismo y de sus conocimientos y experiencias, a pesar de no tener ningún título que lo avale. Pero, aunque a veces esa seguridad pueda ser confundida con arrogancia, es un tipo muy humano que le gusta ayudar a los demás y además sabe cómo hacerlo.
Cada momento en que se encuentran ambos, las cosas se ponen mejores ya que sus difíciles relaciones (recelo primero, confianza después, ruptura y finalmente reconciliación) son mostradas con suma credibilidad, verdaderos duelos actorales, capaces de captar la atención del espectador más desinteresado.
Esto obviamente es mérito de los actores en los que recae el mayor peso de la película, pero también de un guión que está construido con precisión relojera para contar una historia con mucha eficacia, pero también con la emoción suficiente como para sensibilizar a los más fríos, la flema británica aquí, se va al tacho. Cuando nos enteramos luego que David Seidler el guionista, tuvo una historia parecida a la del rey, nos explicamos muchas cosas.
La reconstrucción de época es muy precisa, no sólo por los lugares públicos y las escenas en interiores, sino también por la recreación de los instrumentos electrónicos y radiales de la época. La música si bien mayormente está compuesta por piezas de Mozart, tiene también piezas originales creadas por Alexandre Desplat, las cuales cumplen su función de dotar de emoción a muchas escenas, sobre todo en las cercanas al final. La dirección de fotografía es también digna de destacar, el encargado Danny Cohen coloca y mueve muy bien la cámara y logra composiciones bastante expresivas y originales. Pero la fotografía no hubiera sido bien aprovechada, de no ser por el montaje de Tariq Anwar que brinda un ritmo ágil al film, pero que sabe detenerse en los momentos íntimos y logra sus mayores luces hacia el final.
No podemos dejar de hablar del director, Tom Hooper que si bien cuenta con un buen guión en el que sustentarse, ha tenido la habilidad de orquestar con maestría los distintos elementos del film, especialmente el reparto multiestelar (Helena Bonham-Carter, Guy Pearce, Timothy Spall, Michael Gambon), que a veces puede ser difícil de controlar.
Hooper también acierta en recrear las tensiones que se dan en las relaciones entre el rey y su amigo, o entre este último y los allegados al rey, pues no hace falta recurrir a un libro de historia para darnos cuenta que las relaciones entre nobles y plebeyos no eran tan sencillas en la Inglaterra de principios del siglo XX.
Donde se puede apreciar la mano del director está en la escena de la discusión entre Bertie y Logue, que ocurre cuando ambos caminan por una gran avenida de un Londres lleno de niebla, en los que cámara en mano combinado con steady cam y algunos cortes dotan el momento de gran tensión aprovechando al máximo la escasa luz y las sombras; y claro la escena clímax cercana al final, cuando vemos al ahora rey Jorge enfrentar su destino, y logra encontrar su voz (que en esas horas aciagas de la segunda guerra, se convierte en la voz de toda una Nación) donde el montaje paralelo bien ejecutado, hace imposible el dejar de prestarle atención.
Este es el tercer trabajo de Hooper (antes hizo Red Dust y luego The Damned United), con lo que parece que tendremos a un director interesante a seguir en los próximos años.
Finalmente sobre El Discurso del Rey, ¿está hecha al gusto de los miembros de la Academia? pues sí, ¿le gustará al gran público? es muy probable... Pero ¿eso la hace una mala película? Para nada. Al contrario, no está demás recordar que hubo un tiempo en que mucho del cine que se hacía era para tratar de agradar a la mayor cantidad de público, sin que eso signifique renunciar a la calidad.

Un legado descuidado

2011-01-14T22:02:00.000-05:00

Hace casi 30 años una cinta se adelantó a su tiempo, se trató de Tron de Steven Lisberger, pero al revés en el que Kevin Flynn un joven hacker y dueño de una sala de juegos de video, es secuestrado y enviado a un mundo paralelo regido por una especie de programa maligno que gobierna de manera tiránica, llamado Sark-Control Maestro que es la versión electrónica de uno de los villanos del mundo real .
Flynn tiene todas las de perder en un mundo en el que desconoce totalmente las reglas hasta que recibe la ayuda de Tron, una especie de programa superhéroe que defiende a los usuarios y con él logra vencer al malhechor y vivir en una era de paz.
Filmada en gran parte en blanco y negro, y luego colorizada con técnicas de rotoscopía, y con los primeras imágenes computarizadas usadas en cine, la película se convirtió prácticamente en un film de culto, a pesar de su trama llena de términos informáticos complicados de entender en ese momento, por un público que todavía no conocía las computadoras como ahora.
En el 2010, Lisberger ahora como productor, decide que es tiempo de retomar la historia, que empieza poco después de donde terminó la primera parte: Kevin Flynn llena la cabeza de su hijo de 7 años con historias sobre sus fabulosos viajes a "La Red", el mundo paralelo digital que descubrió, que ahora gobierna y que él ha convertido en un videojuego que lo ha hecho millonario. Se vale para ello de réplicas tipo Star Wars de los personajes. Pero justo cuando está punto de contarle un último descubrimiento, se detiene, le da las buenas noches a su hijo, se va a "La Red" y no vuelve más.
Esta escena inicial, está muy bien contada: hace una buena presentación de los personajes, la recreación de una habitación de los '80 es bastante realista, se palpa el amor y la conexión que existe entre padre e hijo, y que se mantendrá a pesar de los años ("Somos del mismo equipo", se dicen). Pero lo que más sorprende de este momento, es la versión digital de Jef Bridges, sorprendentemente similar a como lucía en el Tron de los '80.
Luego de este prometedor inicio, las cosas para la película ya no van a mejorar, el nudo argumental es bastante flojo y los personajes que aparecen a partir de allí (salvo el de Flynn y en menor medida el de Clu), tienen la dimensión de un personaje de videojuego.
Incluso cuando Sam, el hijo de Kevin acude en busca de su padre al mundo de digital de "La Red", las cosas decepcionan un poco: es verdad ahora el mundo paralelo luce más real, y los efectos digitales son más definidos que en el original, pero no hay nada novedoso con respecto al primer film, es un mundo oscuro (salvo la zona donde viven Flynn y Q y también el bar de Castor), diseñado sin mayor imaginación y ni siquiera las escenas de luchas en juegos y persecuciones tienen algo que las haga realmente destacarse.
Las actuaciones son bastante disparejas, la experiencia y las virtudes de Jeff Bridges lo elevan por encima del resto del reparto, aunque tiene la suerte de que su personaje es el menos plano. Increíblemente la actuación que sigue en méritos es la de su doble digital Clu, y aquí seguro podría darse un debate sobre lo que pronto será una tendencia en Hollywood: la de incluir actores digitales y sobre si se puede comparar sus "habilidades" con actores de carne y hueso. Lo dejamos allí.
Del resto Olivia Wilde (la Dra Remy de House) apenas cumple, Garret Hedlund fracasa en su intento de darle algo de alma al personaje de Sam, y al pobre de Bruce Boxleitner le tocó bailar con la más fea: su personaje a pesar de su importancia en la historia original, está ahora completamente relegado y ni siquiera tiene derecho a un doble digital, como su colega Bridges.
La música de Daft Punk funciona generalmente bien, aunque a veces está presente más tiempo del que debe, y si tuvo la mala suerte de presenciar la versión doblada, tendrá que soportar la distorsión que sufren la música y los efectos sonoros, que a veces llegan a niveles peligrosos para los oídos.
El director Jospeh Kosinski, proveniente del mundo de la publicidad de videojuegos, y que debuta en el cine en esta película, nos ofrece una historia superficial, ingenua y que desaprovecha totalmente los avances tecnológicos desarrollados desde los '80 a la fecha para incorporarlos a la trama: ¿Qué hubiera ocurrido por ejemplo si se hubiera utilizado el Wifi (mencionado en el film en tono de broma) en lugar de los cables como puente entre ambos mundos?
Cuando después de ver una secuela, tenemos unos deseos incontenibles de volver a ver el original, obviamente no estamos ante una gran continuación, y es que Tron, sin llegar a ser una obra maestra, definitivamente envejecerá mejor de lo que lo hará su secuela.

LO MEJOR DEL 2010

2010-12-31T11:01:00.001-05:00

Una vez más se me complicaron las cosas y no he podido postear nada hasta que me llegó el fin de año, y no queda otra cosa más que publicar la famosa lista de las 10 mejores. Felizmente, a pesar de la lamentable pobreza de la cartelera local, este año se pudieron apreciar algunas cintas interesantes. He aquí la lista.

1. 1. El Origen (Inception)

Christopher Nolan ahora cuenta ya con una obra maestra. Leonardo Di Caprio, encabeza a un equipo de soñadores (pocas veces se ve a un elenco que encaje tan bien) que se meten en el inconsciente de un empresario para tratar de implantarle una idea que puede cambiar el mundo empresarial. Acción de primera, un guión con narración y metáforas bien logradas y una mezcla de ingredientes provenientes de diversas fuentes, se conjugan en una película que admite mucho más de una lectura y por ello se disfruta mucho más, mientras más veces se vea.

2. 2. Toy Story 3

La Pixar, esta vez bajo la mano de Lee Unkrich, logró una vez más lo que ya parecía imposible: superarse a sí misma. Con adecuadas dosis de humor, intriga, acción y hasta terror (los villanos Lotso y Bebote a veces adquieren ribetes muy siniestros), Toy Story 3 es la mejor de la saga y una dignísima despedida a tan queridos personajes que han crecido con una generación. El conmovedor final es el mejor que hemos visto y que seguramente veremos en una cinta de animación por computadora en mucho tiempo.

3. 3. Atracción Peligrosa (The Town)

Estrenada con ese horrible título que casi hace que la perdamos de cartelera, Ben Affleck demuestra que va camino a ser un gran director y no sólo eso, sino que cuando se dirige a sí mismo, puede lograr interpretaciones más que dignas. Situada en Charlestown, un barrio de Boston venido a venos, Affleck es miembro de una banda controlada por una mafia de descendientes de irlandeses, que inicia una peligrosa relación con la testigo de uno de los asaltos. Con un adecuado balance entre cine de acción (las escenas de tiroteos y persecuciones están hechas con precisión milimétrica) y de personajes (no hay aquí caricaturas o caracteres planos, todos tienen defectos y virtudes muy humanos), The Town ha sido una de las mayores sorpresas de este 2010.

4. 4. Zona de Miedo (The Hurt Locker)

Cuando pensábamos que Kathryn Bigelow ya había pasado al retiro, nos sorprendió con esta película que se llevó algunos de los Oscar más importantes (en una de esas raras ocasiones en que la Academia acierta), sobre las actividades diarias en Irak de un experto desactivador de bombas, correctamente representado por Jeremy Renner quien también tiene un papelazo en The Town. La tensión y la adrenalina de los momentos de las desactivaciones y una excelente construcción de personajes, hacen de esta película, la mejor de su directora.

5. 5. Los Amantes (Two Lovers)

James Gray es un cineasta al que hay que luchar para poder verlo en las salas del Perú fuera de Lima, pues suele estar muy poco tiempo y a quien hemos conocido más gracias al cale. Esta vez deja de lado sus historias de personajes mafiosos o policiales, para contarnos una más íntima: la de un joven depresivo que se ve mezclado entre dos relaciones: un amour fou y otra con una chica de familia que le ofrece estabilidad. El trabajo de Joaquin Phoenix es una vez más impecable (Gray siempre ha logrado sacar lo mejor de él), aunque ahora está muy bien acompañado por Gwyneth Paltrow, Vanessa Shaw y la siempre grata presencia de Isabella Rosellini.

6. 6. La Carretera (The Road)

Cuando el mundo ha sido destruido, ya no quedan casi seres vivientes en el planeta y los que quedan son casi demonios, ¿se debe o se puede seguir siendo padre? Esta es la premisa de la que parte John Hillcoat realizador australiano que está avanzando a pasos firmes en la industria. Con un inspiradísimo Viggo Mortensen y el pequeño actor revelación Kodi Smit-McPhel, padre e hijo recorren un país desolado lleno de saqueadores y caníbales, tratando de llegar a un lugar donde exista algo de civilización. Una metáfora de lo que se está convirtiendo nuestro mundo.

7. 7. Enemigo Interno (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans)

Teníamos nuestras dudas cuando nos enteramos que la próxima película de Werner Herzog sería un remake de la cinta de culto de Abel Ferrara. Pero Herzog es un tipo serio y ha logrado una re creación de la historia para sacarse el sombrero. Ambientada en una Nueva Orleans de pesadilla, post Katrina, la cinta se centra más en las situaciones que llevan al personaje a convertirse en lo que es, que en sus acciones corruptas. Cage logra una buena interpretación, aunque sorprende más Eva Mendes, quien demuestra que todavía le queda mucho por delante.

8. 8. Siempre a tu lado (Hachiko)

El siempre eficiente director sueco Lasse Hallstrom nos trae la historia en la que el protagonista es un perro, pero contada de una manera diferente, muy lejos del sentimentalismo lacrimógeno de Lassie y similares. Es más como el rendir homenaje a un ser excepcionalmente fiel que realmente existió en Japón y en la que se basa esta historia. Richard Gere, … y el resto del reparto no son más que meros acompañantes del gran hachi.

9. 9. Octubre

Al cine peruano ha sido difícil seguirlo este año en provincia: estrenos no llegaban, que llegaban tarde o que pasaban muy poco tiempo en cartelera. Para suerte nuestra pudimos apreciar antes de que acabe el año, esta grata sorpresa, el debut de los hermanos Vega en el cine. Un magnífico Bruno Odar encarna a un usurero, cuya vida se ve trastornada por la llegada de una bebé a su casa. Con un estilo minimalista y contemplativo que recuerda por momentos al mejor Kaurismaki, y una cámara que se mantiene fija todo el tiempo pero con unos encuadres muy significativos y armónicos, Octubre nos da la esperanza que este recambio generacional del cine peruano va por buen camino. Ojalá que el siguiente trabajo de los Vega no nos defraude.

1010. Kick Ass

Una ráfaga de frescura y originalidad en el Hollywood que adapta comics. Kick Ass, es un superhéroe cuyo poder principal radica en su capacidad de aguantar golpes. Cuando todo parece apuntar hacia su muerte recibe la ayuda de Big Daddy y Hit Girl unos vengadores bastante sanguinarios. Con unos personajes bien delineados, muy buenas coreografías de pelea y un ritmo acelerado, Kick Ass se deja ver a pesar de sus excesos y de hecho muchos están esperando ya su segunda entrega.

Todo indica que en esta lista debieron aparecer también cintas aclamadas como Criatura de la Noche, The Social Network o Paraíso, pero para un cinéfilo de provincias ese es material que por ahora está bastante lejos de nuestro alcance, como fruta prohibida. Ojalá algún día esa situación cambie.

HEMOS LLEGADO LEJOS

2010-03-08T12:31:00.003-05:00

Hace poco más de un año, en el post titulado "un buen día para ser peruano", nos congratulábamos del premio que lograba Claudia Llosa en Berlín con "La Teta Asustada". Muchos recién se enteraban de quién era Claudia, y quién Magaly Solier, cuando ya antes habían obtenido importantes premios en su cinta debut "Madeinusa".

Cuando fue nominada al Oscar, aunque se trate de un premio que realidad es de menos rigor que el Festival de Berlín, la alegría fue mayor, porque ahora sí el nombre de la película y del Perú iba a ser visto en todo el mundo.

Era bastante complicado llevarse el Oscar, pero que una cinta peruana, llegue a estar primero entre los 10 nominados (ningún film peruano llegó hasta allí) y luego entre los 5 primeros ya era un logro enorme.

Por eso el día de la nominación, debió ir este post. De todas formas, guardábamos algo de esperanzas que es noche se rompan todos los pronósticos y el Oscar llegue al Perú y por eso nos hemos esperado hasta hoy.

Cuando vimos anoche que Pedro Almodóvar entregaría la estatuilla, supimos que la premiada iba a ser una cinta latinoamericana, pero esa esperanza terminó de desvanecerse cuando subió Campanella al escenario, quien de todas maneras es quizá el mejor director de su país en estos momentos, y su película, una de las mejores que ha hecho, por lo que el premio es justo y no deja de ser significativo para América Latina.

Sé que suena a consuelo, pero realmente el cine peruano no lo ha hecho nada mal, hemos llegado bastante lejos y si estos premios se concretan en más ayuda tanto del estado como de fuera, en unos años más estaremos celebrando nuestro primer Oscar.

Esperemos que las palabras presidenciales (quien por cierto, hasta el momento casi ni comentó la película), no se queden en meras frases para la foto, sino que se concreten en más apoyo al cine nacional, que en realidad es un buen instrumento para que el Perú "avance".

PERDIDO EN EL LIMBO

2010-02-25T12:22:00.009-05:00

DESDE MI CIELO

Desde que culminó la trilogía de El Señor de los Anillos, parece que Peter Jackson ha perdido el rumbo: su excesiva King Kong fue un fracaso de público y crítica y en este nuevo, intento parece todavía seguir errando sin encontrar el camino.

Basada en el best seller de Alice Sebold, The Lovely Bones, "Desde mi Cielo", cuenta la historia de Susie Salmon, una vivaz y amorosa adolescente de 14 años que vive con sus padres y sus hermanos, en un suburbio de Pennsylvania. Susie -quien cuenta su propia historia con una omnipresente voz en off- tiene los problemas e ilusiones de cualquier adolescente, y cuando está a punto de conocer al primer amor, su vida le será abruptamente arrebatada por un violador y asesino en serie.

Susie entra entonces a una especie de limbo, desde donde todavía puede mirar a los suyos y a veces trata de llamarles su atención para que la ayuden a vengarse del asesino.

Al parecer Jackson ha querido dejar atrás todas las superproducciones y blockbusters y centrarse en una historia más sencilla y humana como la memorable Heavenly Creatures (Criaturas Celestiales, 1994), con la cual dejó su Nueva Zelandia natal, empezó a ser visto con buenos ojos en Hollywood y dio el primer paso para consagrarse como director.

De hecho, la primera parte de la cinta en la que se nos presentan los personajes se pueden encontrar algunas similitudes con la mencionada Heavenly Creatures, como la ubicación en una pequeña localidad, la protagonista femenina, la suavizada textura de los colores de la cinta, y esa creación de mundos paralelos, reflejada aquí en la trampa que utiliza Harvey, el asesino, para omnibular a su víctima.

Pero hasta allí quedan las similitudes y más o menos hasta allí también queda lo poco de buen cine que puede apreciarse en Desde mi Cielo, a partir de allí todo es lento, aburrido y muy poco original.

Los problemas parten desde la concepción de ese cielo particular en el que se encuentra Susie (como muy pocas veces debo aceptar que esta vez me parece mucho más acertado en el título en español), Jackson nos presenta un cielo muy poco imaginativo, con imágenes que se han empleado hasta la saciedad en otros filmes y efectos especiales que no tienen ya nada de sorprendentes. Jackson cae en el típico error de Hollwood de deslumbrarnos mostrando algo, que habría sido mejor sugerir.

Luego salvo el personaje principal, los demás personajes están muy mal construidos. Son sólo esbozos, meros satélites que rodean a Susie en su paso de un mundo a otro.

Con personajes así, los actores no pueden hacer mucho, y artistas como Rachel Weisz y Susan Sarandon están totalmente desperdiciadas en los roles de madre y abuela, respectivamente. Stanley Tucci hace su mejor esfuerzo por componer al psicópata Harvey, pero se queda prácticamente en la caricatura (su nominación al Oscar es una exageración), lástima por un personaje que hasta pudo haber sido muy atractivo. Finalmente la adolescente Saoirse Ronan, cumple con su rol de protagonista, pero sin llegar a sobresalir.

Los aspectos técnicos tampoco aportan mucho, la fotografía de Andrew Lesnie acierta con los tonos de los momentos iniciales (la presentación de lugares hasta la trampa de Harvey), pero falla al mostrar el rabiosamente artificial cielo de Susie. La música de Brian Eno, suena demasiado solemne y grandilocuente en algunas escenas y la edición de Jabesz Olsen adolece de unos bajones de ritmos tremendos, especialmente en la segunda parte de la cinta, al grado de convertirse en una invitación al sueño profundo.
No hemos leído la novela, pero al parecer contenía varios aspectos que requerían de un arduo trabajo de adaptación, mucho mayor al resultado de lo que hemos visto en este guión, que ha preferido contar la historia apoyándose en un exagerado uso de la voz en off, que no ayuda para nada a la narración cinematográfica.Jackson es un buen director, ojalá que esto sea sólo un traspié, ojalá que Jackson pueda salir de este limbo en el que parece encontrarse y podamos ver pronto un mejor trabajo de él que nos permita recordarlo no sólo como el hombre que hizo posible la versión en cine de la trilogía de Tolkien.

Eastwood en el INC

2010-02-23T12:44:00.003-05:00

Desde el jueves pasado nuestros amigos del INC Chiclayo, están pasando un ciclo dedicado al actor - director Clint Eastwood, denominado por algunos "el último cineasta clásico de Hollywood".

Ahora que se acaba de estrenar -en Lima, ya sabemos que provincias no cuenta para los distribuidores peruanos-, su último film Invictus, tenemos una buena oportunidad de revisar su filmografía. El ciclo que comenzó con Los Puentes del Condado Madison, continúa este jueves y viernes con Million Dollar Baby y entre los títulos que se han considerado están Río Místico, Los Imperdonables, Un Mundo Perfecto, Gran Torino, entre otros.

No perdérselos. Recuerden, son los jueves y viernes en el local del INC, sito en Luis Gonzáles.

UNA AGRADABLE SORPRESA

2010-01-28T22:16:00.001-05:00

LA PRINCESA Y EL SAPO

Después de un largo período de aletargamiento, debido en gran parte al boom de los dibujos animados por computadora, los estudios Disney vuelven a la carga con la animación tradicional y nada menos que con el mismo equipo que tuvo a su cargo producciones exitosas como La Bella y la Bestia y Aladdin: Ron Clements y John Musker.

Para variar en esta ocasión nos traen de vuelta otro cuento clásico “El Príncipe Sapo”, aunque ha sufrido tantas modificaciones que prácticamente es una nueva historia. Esta vez se ambienta en el Nueva Orléans de comienzos de siglo XX, donde vive Tiana, una niña negra que es la adoración de su padre, un obrero de buen corazón que sueña con ser cocinero y poner un restaurante con su hija. Esto ya es toda una novedad, ya que es la primera vez que una película de Disney tiene como protagonista un personaje de raza negra.

Pero el tiempo pasa, el padre ya no está con Tiana y ella tiene que tener hasta tres trabajos para poder ahorrar y cumplir con un sueño que parece cada vez más lejano. Pero su suerte parece cambiar cuando su amiga Charlotte La Bouf, la hija del hombre más rico del pueblo la contrata para que prepare la cena que ofrecerá al príncipe Naveen que llega a la ciudad, pero para su desgracia éste se encuentra con un brujo vudú que lo convierte en ya sabemos qué.

Desde el comienzo nos damos cuenta que no estamos ante una película cualquiera, la breve introducción nos presenta muy acertadamente al personaje principal y a su entorno, se aprecia un buen trabajo de investigación para ambientar la historia, y la narración va fluyendo de manera ágil hasta llevarnos al nudo de la trama. Y es en este momento, cuando creíamos que ya no se nos podía contar nada nuevo, cuando las cosas se ponen aún más interesantes.

Es el momento de la travesía de los dos protagonistas por los famosos bayous (bosques pantanosos) de Louisiana, cuando nos vamos sorprendiendo con personajes cada vez más entrañables: desde Louis, el cocodrilo trompetista, pasando por Odie, la bruja ciega de 120 años, hasta llegar a Raymond la luciérnaga cadjun eternamente enamorada de algo más allá de este mundo.

Claro, ninguna película de este tipo estaría completa sin un villano que se precie y aquí es donde tenemos al inquietante Dr. Facilier, apodado el hombre sombra, un hechicero vudú capaz de convocar al poder de los espectros.

A pesar de contar con varios momentos de humor, la historia no está exenta de momentos dramáticos, escenas románticas (la travesía por los bayous es hasta cierto punto un homenaje a Sucedió una Noche de Capra, aunque con los roles invertidos) y hasta de terror. Por supuesto, en una producción de este tipo no faltan los números musicales, esta vez a cargo del consagrado Randy Newman, entre los que se pueden destacar momentos como “Nunca supe lo que necesitaba”, o el tema con el que se abre y se cierra la película.

Hay quien en algún momento dijo que la animación tradicional había muerto, pero luego de ver La Princesa y el Sapo, sabemos que esto es absolutamente falso, porque el secreto de hacer una buena película no está en usar tal o cual técnica, el secreto está –aunque muchos todavía se resistan a creerlo-, en tener el talento y la pasión para saber contar buenas historias, y mientras eso exista, no sólo la animación, sino todo el cine no morirá jamás.

BASTARDOS SIN CUMBRE

2010-01-15T19:46:00.004-05:00

Este post debimos haberlo comentado hace mucho tiempo atrás, pero este año las buenas películas han demorado mucho en llegar a nuestro único cine local. Se proyectó unos pocos días, y además días de fin de año, con lo que el tiempo para subir y postear se hizo muy, muy escaso. En fin aquí está.

Quentin Tarantino, pertenece a ese raro grupo de directores que puede hacer literalmente lo que se le da la gana, cualquier historia que cuenta parece funcionar para él, ya que no interesa tanto lo que cuenta, sino cómo lo cuenta.

Además de su rara habilidad para contar historias el buen Quentin destaca también por su cinefilia y su ánimo para citar frecuentemente obras de los más diversos autores y tendencias y hacer unos empastes con ellos que por más diferentes que ellos parezcan (el cine chino de artes marciales por ejemplo con el spaghetti western) suele funcionar.

Bastardos sin Gloria no es la excepción, aunque en esta cinta los empastes no son tantos (básicamente es la música y algo del estilo del spaghetti western con algunas películas bélicas como Quel Maledetto Treno Blindato de Castellari o Dirty Dozen de Robert Aldrich), sino más bien las citas, homenajes al cine antiguo, y la proliferación de nombres de realizadores y filmes de los años 40, los de la Segunda Guerra Mundial.

Aunque el título parece querer destacar la presencia de los Bastardos, un comando de soldados judíos norteamericanos, con la única misión de aniquilar nazis, la película se centra más en la otra historia, la de Shoshanna, una niña judía que escapa del asesinato en masa de sus padres y en el coronel Landa, un perseguidor de judíos (aunque él prefiera llamarse detective), que funciona como enlace entre las dos tramas.

La trama de los bastardos, se viene a menos por el apunte caricaturesco y humorístico que se hace de ellos, y sólo una secuencia en que aparecen, la de la taberna, es nítidamente destacable sobre todas las demás.

Esta es una secuencia típicamente tarantiniana, con diálogos ingeniosos, humor y mucha tensión in crescendo. Lo que juega un elemento clave en esta secuencia es un recurso que por facilismo muy pocos directores emplean, y al cual podríamos llamar realismo lingüístico, y que consiste en que cada personaje hable el idioma que le corresponde, y no como haría una típica producción de Hollywood: que un soldado alemán hable inglés con un ridículo acento germano.

No es el único momento en que lo emplea (en la primera secuencia, en la que se nos presenta al coronel Landa, también se utiliza muy bien este recurso), pero el realismo lingüístico es clave en esta escena, pues prácticamente de él depende el desenlace de la misma. Por cierto el desenlace no podía estar mejor resuelto, y la tensión acumulada en los largos minutos que dura la escena, es algo pocas veces visto en el cine actual, comparable sólo a los western crepusculares de Sam Peckinpah y a los ya mencionados western spaghetti.

Lamentablemente lo que sigue después no está a la altura de lo logrado hasta ese momento. La secuencia ocurrida en el teatro, cuando Brad Pitt intenta lucir gracioso masticando un horroroso italiano con acento sureño norteamericano (Landa para desenmascararlo lo hace pronunciar hasta 7 veces su supuesto apellido Garlani, y las 7 lo hace de forma distinta), es divertido pero nada más. Y el desenlace de la misma es delirante, no sólo por la enorme licencia histórica que Tarantino se toma, sino por la ridícula muerte de Shoshanna, asesinada por su enamorado nazi, en un inconsecuente arranque de ternura para este duro personaje, y además con un estridente fondo musical al mejor estilo de Morricone en la Giu la testa de Sergio Leone.

El epílogo tampoco convence: si Aldo Ray sus secuaces se encargaban de matar a los asesinos de judíos, ¿por qué dejar escapar a ese pez gordo de Landa? De igual modo, ese brillante personaje que es Landa (de lejos el mejor de la película), se cae al final con ese improbable acto de alta traición. En resumen, se trata de un Tarantino más contenido, más maduro, con más agudeza creativa para los diálogos, pero quien todavía no ha llegado al Tarantino de sus obras anteriores. Esto no quiere decir que se trate de una película regular, al contrario, es muy buena y muy por encima de lo que se estrena por estos lares, pero no creemos que sea la obra maestra de este director.

MI LISTA 2009

2010-01-12T12:41:00.003-05:00

Esta es la primera vez que hago una lista en mi blog. No lo he hecho antes porque pensé que en algún momento la cartelera mejoraría y tendría más tiempo de ir al cine, pero como ninguna de esas cosas ha ocurrido, mejor me decidí ha hacerlo de una vez.

Este 2009 ha sido particularmente malo en estrenos en el Perú, pero sobre todo para los que vivimos en provincia. El monopolio que ejerce una empresa que todos conocemos, no permite que alguien se arriesgue a traer estrenos nuevos y debemos conformarnos con lo poco que se trae para ver. Dentro de esta gran sequía cinematográfica, no ha sido muy difícil elaborar nuestra lista, estos 10 filmes han sido prácticamente lo único bueno que se estrenó por acá.

Ahí les van mis 10.

1. Gran Torino de Clint Eastwood. Lo mejor de este genial director ya entrado en años. No sólo por su narración, diálogos e impacto visual, sino porque es como una despedida del mismo Eastwood al cine y es una despedida llena de gran emotividad.

2. El Sustituto (The Changeling) de Clint Eastwood. Por partida doble Eastwood gana este año. Esta película es mucho más que el hecho real en la que se inspira: es un brillante crónica contra la corrupción y aunque se ambienta en Los Angeles de comienzos del siglo pasado, su mensaje es universal y atemporal.

3. Bastardos sin Gloria (Inglourious Basterds) de Quentin Tarantino. Quentin es genial, haga lo que haga. Además de ser divertida, Basterds es una delicia para el cinéfilo por la cantidad de citas que tiene y además por descubrirnos a otro gran actor, en este caso el austríaco Christoph Waltz, un villano de antología.

4. Up de Pete Docters . Larga gloria a los estudios Pixar. Cada película que saca no deja de soprendernos. Y aunque la segunda parte no ofrezca nada muy nuevo, la primera parte que cuenta la historia de amor del protagonista, toda una vida resumida en minutos, es simplemente genial, remueve hasta el más duro.

5. Enemigos Públicos (Public Enemies) de Michael Mann. Me atrevería a decir que es lo mejor que he visto de Mann. Despojándose de pretensiones este director nos ofrece su visión sobre un gángster que se creía diferente, con unos niveles de realismo que sólo puede lograr la movilidad de una cámara digital de alta resolución, manejada con maestría, claro está.

6. Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen. No podemos incluir esta película entre sus obras maestras, pero sí entre las mejores del año. Muy divertida, ingeniosos diálogos y una buena performance de la dupla española Bardem - Cruz, a pesar de sus personajes algo exagerados.

7. Elegía (Elegy) de Isabel Coixet. La mejor película de la Coixet hasta el momento, basada en la novela de Paul Aster, "El Animal Moribundo", nos muestra la triste historia de amor entre un profesor maduro que rehuye al compromiso y una de sus exalumnas, cuya personalidad termina por enamorarlo aunque él no lo crea. Genial actuación de Penélope Cruz y Ben Kingsley.

8. 12.08 al Este de Bucarest. Llegó casi de casualidad de un país del cual nos llega muy poco cine. Comedia sobre un periodista no muy ético que quiere recordar a su modo lo que ocurrió en los últimos días del gobierno de Ceauceauscu en su pueblo. Filmada de manera minimalista, con muy poco trabajo de cámara, logra un humor por momentos delirante, pero siempre muy bueno.

9. Sector 9 (District 9) de Neil Blompkamp. Inteligente metáfora que utiliza la ciencia ficción para mostrarnos el racismo y la segregación de la sociedad contemporánea. A pesar de contar con buenos efectos especiales, la película logra destacar más por su propuesta y sus actuaciones. Una grata sorpresa.

10. La Teta Asustada de Claudia Llosa. Aunque no alcanzó los picos narrativos que tuvo en Madeinusa, Llosa ha realizado una película con una sólida propuesta audiovisual y una gran actuación de su actriz fetiche Magaly Solier, que le ha permitido consagrarse internacionalmente. Ha logrado lo que ninguna otra cinta peruana pudo conseguir en la historia.

LOS 50 AÑOS BIEN LLEVADOS

2009-10-26T12:25:00.005-05:00

Imitation of Life

Douglas Sirk fue un cineasta alemán quien luego de la ascensión a Hitler al poder salió de su país para instalarse en Estados Unidos. Después de 4 años, consigue dirigir películas en Hollywood y hace prácticamente de todo: western, cine negro, cine bélico, pero va a ser en el melodrama, a partir de los años '50, donde destacará plenamente. Aún así, Sirk pasó a ser considerado sólo como un artesano correcto, hasta que a fines de los '70 los críticos empezaron a revalorizar su obra que luego influenciaría en la obra de cineastas como Pedro Almodóvar y Todd Haynes.

La película que hemos visto esta semana "Imitación de la Vida", cuenta la historia de dos mujeres Lora y Annie y sus respectivas hijas Susie y Sarah Jane. La primera es actriz y la segunda es una mujer negra abandonada por un hombre blanco de quien tiene un hija de la misma raza.

Como alguna vez lo mencionó Sirk en su momento, esta es una historia de apariencias, de personas que están toda una vida buscando un falso ideal (ser una actriz famosa una, pasar por blanca la otra), y cuando por fin lo encuentran, se han dado cuenta que lo que han vivido está lejos de ser una vida real, sino apenas una imitación de la vida.

Basado en la novela de Fannie Hurst, ya llevada al cine en 1934, esta vez Sirk le hizo unos cambios radicales, que hicieron que la película fuera una pionera de su tiempo al tratar un grave conflicto cultural, de Sarah Jane, la chica de piel blanca pero hija de negra, que se resiste a ser considerada de color, un tema que pocos se atrevían a tocar en los Estados Unidos en esos años.

Bajo una cubierta de melodrama, Sirk desarrolla este drama social, alternándolo con el drama de la actriz que posterga una y otra vez su amor, por su desarrollo profesional, que al final pasa a un segundo plano.

Protagonizada por Lana Turner, John Gavin y Sandra Dee, quienes cumplen satisfactoriamente con sus roles, las que destacan sin embargo son Juanita Moore y Susan Kohner, quienes salen airosas de interpretar a los personajes que tienen los conflictos más intensos. Por ello ambas fueron nominadas al Oscar a la mejor actriz de reparto que ninguna ganó, aunque Kohner luego fue premiada con el Globo de Oro en la misma categoría.

El guión de Eleanor Griffin y Alan Scott, construye personajes realistas y conduce un relato que va de 1947 a 1959 con soltura, sin caer en momentos que entorpezcan al guión. La música de Fank Skinner y Henry Mancini ocupa también un lugar importante en este film e incluso Sirk se da el lujo de incluir algunos números musicales (las canciones de Sarah Jane y el conmovedor tema fúnebre del final) sin desentonar para nada con la historia.

Otro aspecto a destacar es obviamente la brillante fotografía en Eastmancolor, a cargo de Russel Metty, que Sirk había adoptado como un sello personal y que destaca tanto en los lujosos interiores, como en los bucólicos exteriores, que contrastan con los sombríos mundos internos de los personajes.

Este año, Imitation of Life cumple sus primeros 50 años y tanto ella como su director, nos han demostrado que todavía tienen mucho que decir.

EL FIN DE UNA ERA

2009-10-23T18:54:00.005-05:00

Lo Que el Viento se Llevó

Hoy después de casi 30 años he vuelto a ver Lo Que el Viento se Llevó, película a la que alguna vez alguien calificó como "la mejor película jamás filmada". Basada en la novela homónima de Margaret Mitchell, este largo melodrama es un homenaje a una época y una cultura que desaparecieron en Estados Unidos, luego de la Guerra de Secesión.

Es otra cosa verla en pantalla gigante, se aprecia mucho más la calidad de los encuadres y la cantidad de elementos que muchas veces aparecen en ellos, y que en pantalla chica simplemente desaparecen.

Las actuaciones son brillantes, además de que existe mucha química en el reparto. Es uno de esos casos en que todos los actores, parecen haber caído del cielo para encarnar a sus personajes, y no hablamos sólo de Clark Gable (Rhet Butler) o Vivien Leigh (Scarlett O'Hara), sino también de los grandes Olivia de Havilland (Melanie), Leslie Howard (Ashley) o Hattie Mc Daniel (Mammy), la primera actriz de color en ganar un Oscar.

Pero ayuda mucho a los actores, el hecho de que sus personajes estén muy bien desarrollados, incluyendo los secundarios. No ocurre lo que pasa mayormente en los melodramas, en que los personajes son tan exagerados o superficiales, que es difícil que el público se identifique con ellos. Llama mucho la atención por ejemplo, que un personaje tan caprichoso y calculador como el Scarlett, todavía haga que muchos espectadores se identifiquen con ella, y esto se debe en gran parte a la maestría del guión de Sidney Howard, quien construye un personaje de carne y hueso, muy humano a pesar (y también precisamente por eso), sus defectos.

Una de las primeras películas hechas en color, es uno de esos clásicos que jamás envejecen. Su fotografía es magnífica, y demuestra mucho conocimiento del director Ernest Haller para hacer los encuadres e iluminaciones, a pesar de que casi no se hacían películas a color en ese momento y no se populizarían hasta unos 20 años después. Algunas tomas están tan bien hechas que parecen una pintura renacentista, dándole a cada escena su correspondiente dignidad: el aspecto mágico bucólico de las haciendas del Sur antes de la Guerra, el infierno de la Guerra misma, y el lujo y romance de los momentos posteriores.

Hay muchas escenas de la película a las que su buena realización les ha conferido un aura mágiga, y es por ello que han quedado grabadas para siempre en la memoria de cinéfilos de todo el mundo. Tenemos entre ellas: el baile pro fondos para la guerra, el incendio de Atlanta, el encuentro entre Melanie y Bella Watling, la "amiga" de Rhett y por supuesto la secuencia final en la que Scarlett persigue a Rhett, con una cámara que la sigue a todas partes y el suelta su memorable cita: "francamente querida, me importa un comino".

Qué decir de la música, de Max Steiner una de las más recordadas de la historia del cine y de la edición de Ernest Haler y Ray Rennahan, quienes suprimieron infringirle ritmo a muchos rollos y hacer una película ágil, a pesar de sus casi 4 horas de duración.

En suma una cinta inolvidable, la quintaesencia del melodrama cinematográfico que logró calar (y aún lo sigue haciendo) muy hondo en el público de todo el mundo, a pesar de contarnos la historia de una era que ya no existe más, la del "viejo sur" norteamericano.

EL MELODRAMA CLÁSICO

2009-10-02T18:26:00.003-05:00

El Melodrama, es uno de los géneros más importantes en la historia del cine, especialmente del cine norteamericano, y algunos autores lo consideran uno de los géneros cinematográficos medulares junto al western; la verdad es que su importancia es innegable, sobre todo en los aportes que hizo al cine en las décadas de los 40 y los 50, cuando tuvo su época dorada.

Etimológicamente viene de los términos griegos mélos (música) y drama (acción dramática), y se usó por primera vez en el siglo XVI para designar a la ópera florentina, con el nombre de melodrama per musica. Estas obras presentaban siempre sentimientos desbordados, con lo cual el término melodramático, pasó a ser sinónimo de obra muy sentimental o patética. Se habló luego de melodrama en teatro y también en la literatura.

Cuatro siglos después, a comienzos del siglo XX, se le designó con ese nombre a los primeros dramas románticos del cine mudo, porque a su modo eran también “dramas acompañados de música”, ya que la proyección era acompañada a menudo con piano o pequeñas orquestas, y por supuesto el sentimiento estaba presente en toda su plenitud.

Luego con la incorporación del sonido al cine, la música fue parte indispensable de los films, especialmente de los dramáticos, porque subrayaba y reforzaba los momentos más emotivos e intensos de las historias que se estaban contando, por ello el género siguió conservando el nombre de melodrama.

Aunque cabe destacar que en las primeras décadas del siglo XX, se llamó también con este nombre a películas que hoy serían más bien consideradas películas de acción. Donald Spoto en su libro “Alfred Hitchcock: la cara oculta del genio” (1984), cita a algunos críticos, que reseñan filmes de Hitchcock, que tienen más acción que romance.

Pero ¿cuáles son sus características principales? Si algo distingue al melodrama es la sentimentalidad excesiva, como nos muestra esta definición del Diccionario de la RAE: “obra teatral, cinematográfica o literaria en la que se exageran los aspectos sentimentales o patéticos”; en efecto, basta recordar, a los sufridos (aunque más habían sufridas), protagonistas a quienes les pasaba toda una serie de desgracias y sólo al final encontraban alguna tranquilidad ya sea en la vida terrenal o en la otra, porque a menudo morían.

EJEMPLOS

Como hemos mencionado, el melodrama aparece en el cine desde la época del cine mudo y uno de sus más grandes exponentes en aquella época fue David Wark Griffith con obras como Flores Rotas (Broken Blossoms, 1919) e incluso sus obras maestras Intolerance (1916) y El Nacimiento de una Nación (Birth of a Nation, 1915), tienen mucho de melodrama.

Pero la edad de oro del melodrama llegaría desde fines de los ’30 con obras que han pasado a la historia y aún ahora suenan en la mente y especialmente los corazones de espectadores de todo el mundo. Destacamos de esta época las cintas Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, 1939) de Victor Fleming, Rebecca (1940) de Alfred Hitchcock, Jezebel (1938) y Cumbres Borrascosas (Wunthering Heights, 1939) ambas de William Wyler entre otras, en los ’50 el género fue decayendo aunque todavía tuvo algunos títulos destacables, como las películas de Douglas Sirk Imitación de la Vida (Imitation of Life, 1956).

La popularidad del género se extendió rápidamente a las cinematografías de otros países, entre los que se encuentra México, que realizó muchos en los años 40 y 50 como Flor Silvestre (1943), Angelitos Negros (1948), Dios se lo pague (1948), y aún hoy viven mimetizados en las telenovelas (aunque con mucha menor calidad) y hasta en la India, se creó un tipo especial de melodrama, el melodrama de Bolywood, con muchas más lágrimas y más música, el cual hasta la fecha cuenta todavía con una legión de adeptos, que convierten a su cinematografía, en la más grande del mundo, por la cantidad de películas producidas.

EL MELODRAMA HOY

Aunque ya dejaron de ser un género dominante, en estos tiempos más pragmáticos, todavía podemos encontrar muchos rezagos de melodrama en varias películas de hoy, e incluso hay quienes todavía se atreven a hacer melodramas siguiendo casi todas las reglas del género como lo hizo Todd Haynes con Far from Heaven (1999), casi una copia de los de Douglas Sirk o James Cameron en Titanic (1996).

Todo indica que el melodrama nunca morirá, por ello el Cine Club de la Escuela de Comunicación de la USAT, ha preparado un ciclo con 5 títulos importantes de este género a continuación la programación del Ciclo.

Cumbres Borrascosas de William Wyler 1 de octubre
Lo que el Viento se llevó de Victor Fleming 15 de octubre
Rebecca de Alfred Hitchcock 22 de octubre
Un tranvía llamado deseo de Elia Kazan 29 de octubre y finaliza con
Jhonny Guitar de Nicholas Ray el 5 de noviembre

Un buen día para ser peruano...

2009-02-20T10:33:00.004-05:00

EL PRIMER LUGAR EN BERLÍN

Está a punto de cumplirse una semana, de haber logrado el hito más importante del Cine Nacional: ganar el primer premio de uno de los festivales de cine más relevantes del mundo, el Festival de Berlín.

Gracias a la magia de la internet y el You tube, pudimos ver la premiación y fue un momento mágico. Claudia emocionada agradeciendo en inglés y luego Magaly Solier, una chica que en su vida soñó estar perada en el escenario, agradeciendo en español y quechua y luego entonando esa hermosa melodía que a pesar de no entenderla, nos conmovió hasta las lágrimas.

En cualquier otro momento, eso habría parecido huachafo, ridículo, pero allí en Berlín ante cientos de personas, fue algo sublime, inolvidable.

Sólo queda esperar el estreno de "La Testa Asustada", que gracias a este premio llegará mucho más pronto, y esperar que tenga una acogida mejor que "Madeinusa", la cual a pesar de ser una gran película, fue injustamente tildada de racista, justo en los sectores donde se debió aceptar más.

Para los que empezamos a seguir a Llosa, sabíamos que llegaría lejos, pero no tan pronto. Su cine es creativo, original y sobre todo muestra a un Perú que muchos todavía se resignan a creer que existe. Esperemos, que nos siga dando mayores sorpresas en los años que vienen.

EL AMOR TAMBIÉN CURA

2009-02-11T09:53:00.003-05:00

Numb (Indiferente)

La vida de las películas independientes norteamericanas es algo triste: se hacen en condiciones muy duras, con presupuestos ajustados, a la hora de exhibirse muy pocos quieren hacerlo y de las que se exhiben, muy pocas logran el éxito, sean buenas o no y están deambulando por allí en alguna limitada edición de dvd o en canales de cable que necesitan llenar programación.
Ese es el caso de Numb: se estrenó en su natal Canadá, en un limitadísima selección de cines en Gran Bretaña y fue directamente al dvd en Estados Unidos. Nosotros la pescamos de casualidad en People and Arts, y que luego de captar nuestra atención, fue más allá de nuestras expectativas.
Protagonizada por Matthew Perry, quien todavía está tratando de rehacer su vida luego de Friends, Numb nos cuenta la historia de Hudson, un guionista quien luego de probar por primera vez un cigarrillo de marihuana, deja de dormir, empieza a sentirse miserable y además cada vez más disociado de su cuerpo, lo peor de todo es que luce como una persona normal y hasta alegre, lo que lo que hace que su miseria sea aún mayor.
Luego de tratarse, le diagnostican trastorno de despersonalización, una enfermedad de la que se sabe muy poco, Hudson visitará muchos siquiatras, y tomará muchas pastillas, pero sólo cuando encuentra a Sarah, siente que su vida podría ir mejor.
Narrada a través de una omnipresente voz en off, contrario a lo que podría pensarse Numb es una cinta ágil, que se deja ver, y que acierta desde el punto de partida al darle un tono agridulce, de tragicomedia y renuncia al melodrama lacrimógeno que tanto se usa en este tipo de filmes.
Mucho de esta agilidad, se debe agradecer al director-guionista Harris Goldberg quien para este film ha escrito monólogos y diálogos claros, nada pretenciosos y muy fáciles de seguir. Además se nota su habilidad en el momento de crear las atmósferas más personales del interior de Hudson, sin emplear para ello trucos digitales ni la parafernalia que usó por ejemplo Ron Howard en A Beautiful Mind. En ese sentido es digna de destacar la surreal escena en la que Hudson y Sarah, contemplan de madrugada la tranquilidad en ese momento, de una de las calles más agitadas de Los Ángeles.
Obviamente el trabajo de los actores también es clave en el éxito de la película, Matthew Perry, transmite muy bien la complejidad de los trastornos mentales y emocionales que sufre su personaje y la relativamente desconocida Lynn Collins, luce bastante creíble como la enamorada y sacrificada novia de Hudson.
En los secundarios, están cumplidores Kevin Pollak como Tom, el cínico amigo del protagonista y Mary Steenburgen, en el divertido rol de una terapista que termina más alterada que su paciente Hudson.
En resumen, una película que ofrece más de lo que promete a simple vista y que nos demuestra sin subrayarlo tanto, que a veces el amor, puede curar mejor que cualquier tratamiento.

EL BOND MÁS MISERABLE

2009-02-09T13:27:00.002-05:00

Quantum of Solace

Uno de los primeros posts que colgamos en este blog, fue una crítica sobre Casino Royale, que marcaba el inicio de un nuevo Bond, con el nuevo actor británico Daniel Craig. Años después, luego de darle el beneficio de la duda (en realidad no había más que ver en el cineplanet ese día), fuimos a ver su más reciente aventura, Quantum of Solace, el resultado: más que decepcionante.

Si ya Casino Royale fue un fracaso, esta nueva incursión del nuevo James Bond, es un fracaso redondo, perfecto. Si quedaba algo del auténtico 007 en Casino Royale, los guionistas se han encargado de eliminarlo en Quantum of Solace, es un personaje anodino, sin motivación, sin la elegancia ni ironía de todos los bonds anteriores, increíble que se haya podido caer tan bajo.

En esta ocasión Bond, va primero a Haití y luego a Bolivia, siguiendo la pista de los que podían haber estado relacionados con la muerte de Viper, su primer gran amor. Allá lo que hace es matar y hacer que maten a las personas a su alrededor y paramos de contar.

Daniel Craig prueba una vez más que sólo es bueno para mostrar un cuerpo lleno de rasgunos y heridas de bala, mientras que del reparto que lo acompaña no hay nada bueno que destacar, a pesar de los grandes esfuerzos de esos dos grandes actores que son Judi Dench y Giancarlo Gianini.

Y no sólo somos nosotros, Scott Murray co-director de esa gran revista de cine australiana que es Senses of Cinema, le dedica sólo apenas unas líneas a la cinta, calificándola de "película miserable".

Con todo esto la muerte de Bond parecería estar muy cercana, pero lamentablemente la franquicia es todavía rentable, así que tendremos que soportarlos una vez más. Mientras tanto, los fanáticos del real Bond, tendremos que contentarnos con los ciclos que repite Golden Choice. Provecho.

EL SENTIDO DEL DEBER

2009-02-09T13:05:00.002-05:00

A LA HORA SEÑALADA (HIGH NOON)

Recién después de muchos años de intento, he podido ver de forma completa, la versión de High Noon de Fred Zinemann, considerada por el American Film Asociation, como el segundo mejor western de la historia del cine, y la verdad es que es una obra maestra por donde se la mire.
Trabajada con precisión de relojería, la película fue una de las primeras de manejarse en tiempo real, desde cuando vemos cómo el sheriff Will Kane (Gary Cooper), se casa con su novia Amy Fowler (Grace Kelly), hasta el momento del enfrentamiento final con los malvados.
Pero no sólo en el tiempo real radica la originalidad de High Noon, sino también en su temática, que más que un enfrentamiento a tiros con los malvados, destaca como lo más importante la lucha que debe realizar Will Kane contra su sentido del deber y prácticamente contra un pueblo entero, que lejos de darle la mano, parece haberse abandonado enteramente a la indiferencia e irresponsabilidad y en lugar de apoyar a Kane a cumplir con su deber, aparecen desesperados por el que éste huya lejos con “su problema”.
En ese sentido, es sumamente ilustrativa la escena central en la que aprovechando que gran parte del pueblo se encuentra en la iglesia escuchando el servicio religioso, Kane se acerca para convencerlos de que alguien debe ayudarlo: lo que ocurre al final de la discusión sin embargo es tan impredecible como difícil de digerir para Kane y el espectador, y nos convencemos que él está solo ante su destino.
Obviamente la dignidad y entereza del personaje, no hubieran sido tales sino se hubiera hecho cargo de él Gary Cooper, quien se llevó un merecido Oscar en esta interpretación; Cooper aparece rodeado de un elenco competente, entre quienes destacan Grace Kelly como la esposa, Kathy Jurado como la ex amante de Kane y Thomas Mitchell como el “mejor amigo” de Kane.
Narrativamente la historia está muy bien contada, se presenta a los personajes de manera muy completa en las primeras escenas, y el nudo aparece rápidamente creando una tensión in crescendo que sólo es resuelta al final. Todo esto es mérito de Carl Foreman, quien se basó en la historia corta de John Cunningham The Tin Star, pero que según cuentan colocó, mucho de su vida personal en el guión (fue víctima del comité de actividades antiamericanas del senador McCarthy).
La fotografía de Floyd Crosby, con sus magníficos encuadres de personajes y escenarios, ayuda al dramatismo de las escenas, aunque en ese sentido la estrella del film es la edición de Elmo Williams, cuya alternancia de planos de corta duración, acompañados de la música bien acompasada de Dimitri Tiomkin incrementa la tensión, de un modo pocas veces visto en el cine.
Rodada en poco más de un mes, la historia en la que al parecer no mucha gente creía, se convertiría luego en un referente obligado en la historia del cine, pues ha servido de base para varios filmes, entre uno de los más recientes Open Range de Kevin Costner, aunque en este último filme, la secuencia del tiroteo al final ocupa un lugar mucho más trascendente y está más desarrollada.

REGRESO A LA SELVA

2008-07-18T10:33:00.002-05:00

RESCUE DAWN
Fundador de ese grupo de cineastas agrupados en el movimiento llamado Nuevo Cine Alemán, Werner Herzog (Munich, 1942), siempre fue dueño de un estilo muy personal de hacer cine, debido en gran parte a su formación autodidacta.
Lo primero que uno piensa cuando empieza la película es ¿qué hace Werner Herzog haciendo una película sobre Viet Nam?, pero cuando vemos los créditos vamos resolviendo esta duda: se trata en realidad de la historia de un piloto alemán nacionalizado norteamericano que participó en una misión secreta en Laos, durante la Guerra de Vietnam, Dieter Dingler; entonces no estamos para nada otra historia de esa guerra, sino ante otra con un tema que es muy común en Herzog: la de un hombre solitario que se enfrenta a un mundo hostil, extraño, con pocas posibilidades de salir adelante.
Justo cuando va iniciar su primera gran misión, el piloto Dingler cae en plena selva de Vietnam, es hecho prisionero y llevado de un lugar a otro, hasta que llega a una prisión, con varios soldados norteamericanos subalimentados y tratados casi como animales. Al poco tiempo de llegado Dingler, las cosas empiezan a cambiar: él no ha caído en esa especie derrotismo resignado, como sus compañeros ni está esperando una liberación que nunca llegará, sino que trata de sacar el mejor provecho al encierro y empieza a planificar la mejor ocasión para fugarse.
Es justamente este momento el que más destaca Herzog en la película: la larga temporada de encierro, mediante el cual vamos conociendo la extraña relación que se establece entre Dingler y sus compañeros de celda y entre ellos y sus captores. Con personajes muy bien construidos, de perfiles inquietantes e interpretados con naturalidad, durante eso largo minuto del cautiverio, el cual a pesar de su densidad se convierte en la columna vertebral de la película.
Por supuesto que quien llama más la atención en la película es Christian Bale, (que nuevamente ha bajado de peso de forma extrema para este film, aunque no al grado del que lo hizo en El Maquinista), quien realiza una de sus más sólidas actuaciones, caracterizando a un personaje muy creativo y postivo, a quien las dificultades lejos de doblegarlo, lo fortalecen.
Pero no es sólo Bale quien destaca, también hace lo suyo Steve Zahn en un rol muy distinto al que estamos acostumbrados a verlo, y por supuesto Jeremy Davies (también con una bajada de peso brutal), con su magnífica construcción del verborrágico y desconcertante Gene, quien da muy buena réplica a Dingler. No en vano, Herzog comentaría en una excelente entrevista que le hizo la web Rotten Tomatoes (ver link abajo, la recomiendo), que contó para esta película, con los mejores actores de su generación.
Otro detalle que llama la atención, es el brillante registro de la fotografía, que capta a la selva asiática en tonos muy vivos, de gran contraste, algo inusual en este tipo de films. Al respecto, luego Herzog comentaría que lo logró gracias a un tipo de película especial el Super 35 mm, que utiliza una mayor cantidad de rollo, que el 35 normal, y que además, gracias a la fuerza del operador Peter Zeitlinger (un ex jugador de Jockey), pudo adentrarse en zonas de selva muy difíciles.
La película quizá se excede algo en su metraje y para muchos podría resultar no relevante el epílogo final (pero si consideramos el tema de la misión secreta se entiende perfectamente), pero ello no desmerece para nada el resultado final.
En suma estamos ante un filme típico de Herzog, donde se encuentran muchos de sus elementos personales, sin que ello signifique que estamos ante un film repetitivo, al contrario, nos demuestra que a sus 66 años, el realizador de Aguirre, la cólera de Dios, está en plena forma.
Lo lamentable, es que ha pasado desapercibida para los distribuidores nacionales, y de no ser por otra afortunada casualidad (la pusieron en el dvd de un bus pensando que quizá se trataría de una típica película de Viet Nam), no la habríamos visto. Aunque esto ya no debería sorprendernos, seguramente la siguiente película de Herzog, su versión de Bad Lieutenant, la veremos en circunstancias parecidas.

http://www.rottentomatoes.com/m/rescue_dawn/news/1689315/werner_herzog_on_rescue_dawn_the_rt_interview

LOS 50 AÑOS DE VÉRTIGO

2008-06-26T22:44:00.006-05:00

En un ciclo en honor a Alfred Hitchcock programado actualmente en la USAT, tuvimos la oportunidad de volver a apreciar Vértigo, considerada por los críticos como la mejor película en la extensa filmografía del mago del suspense. Justamente por estos días Vértigo cumple 50 años de vida, y luce tan impactante como el día de su estreno.

Cuando Alfred Hitchcock leyó la novela De Entre los Muertos, de los franceses Pierre Boielau y Thomas Narcejac, enseguida se forjaron en su mente las imágenes de lo que sería una de sus películas más personales, pero no encontraba el guionista que diera forma a los personajes y diálogos de lo que sería su historia.
Sólo tenía en claro las locaciones: Hitchcock detestaba filmar en exteriores, pero las imágenes que tenía en mente, lo obligaron a buscar un lugar que tuviera esas locaciones, y lo encontró en San Francisco, una ciudad con pasado español, rodeada de hermosos paisajes campestres. Los primeros guionistas le enviaron trabajos imposibles de filmar, hasta que le recomendaron a un nativo de esa ciudad: el dramaturgo Samuel Taylor, quien fue el único que pudo dar vida a los personajes y construir los diálogos del film, aunque luego Taylor cedería gran parte del mérito a Hitchcock:
“Sabía exactamente lo que quería hacer, y me explicó varias escenas con meticuloso detalle. Lo que necesitaba era un escritor que le ayudar a articular lo que veía”[1].
Aparentemente la trama conservaba su esencia policial: John “Scottie” Fergusson, un ex policía, se ve forzado por hacerle un favor a un amigo, convertirse en detective privado y seguir a su esposa, la cual aparentemente está poseída por el espíritu de un antepasado suya, que le inculcaría tendencias suicidas. Fergusson se enamora de la mujer de su amigo, pero al sufrir de agarofobia (pánico al vacío), por un accidente cuando fue policía, no puede evitar que esta se arroje de lo alto de una torre, consumando su suicidio.
Pero, Hitchcock empleando una vez más su técnica McGuffin (término que utilizaba el realizador para referirse a un hecho, objeto o situación al que el público y los personajes conceden mucha importancia, pero que en el fondo sólo sirve para llamar la atención al espectador y reconducirlo, sin que él lo advierta, hacia el tema principal del filme [2]), utiliza la trama policial como un mero pretexto, lo que el quiere contarnos en realidad, es el romance entre Scottie y Madelleine, aunque al final de cuentas, la historia que se nos cuenta no es tampoco romántica, es una fábula sobre la imposibilidad de traer de vuelta con nosotros a los muertos, sobre lo vano de querer de transformar una persona en otra, sobre el engaño y la decepción, y otros temas que rondaban la mente del director en esos días.
Es por eso que Vértigo fue muy distinta a lo que Hitchcock había hecho hasta ese momento, incluyendo la ausencia de un final feliz y quizá fue por eso que el público y la crítica se defraudauron un poco del a película, y la recibieron fríamente.

OBRA MAESTRA
Tendrían que pasar algunos años cuando otros críticos como el francés Francois Truffaut, revaloraron la cinta, para que los demás críticos y el público, consideraran que Vertigo era realmente una obra maestra[3] y verla ahora después de 50 años, se puede estar completamente de acuerdo con ellos.
Vértigo posee una historia que contiene todos los ingredientes atractivos para el público, una mujer misteriosa, un pasado tormentoso, un hombre enamorado y obsesionado con regresar a la vida al ser amado.
Hitchcock contó para esta película con dos de los actores más populares del momento: James Stewart quien en esta película más que en ninguna otra sería el alter ego de Hitchcock, y Kim Novak, quien lució muy natural en su único trabajo con Hitchcock. Ambos harían las mejores interpretaciones de su carrera[4].
Pero además de ello, la película contiene algunas de las escenas más bellamente filmadas en el cine de Alfred Hitchcock, como por ejemplo: cuando el personaje de Madeleine contempla una tumba en medio de la bruma, o la escena en el bosque de secoyas o la aparición de Judy vestida como Madeleine, con una fantasmagórica iluminación verde de fondo, etc.
Además el genial cineasta británico, aportó a la historia del cine, un importante trucaje: la combinación del zoom in (acercamiento con el zoom) más travelling out (alejamiento físico de la cámara), que simulaba con bastante aproximación, la sensación de atracción-repulsión que a veces tenemos cuando miramos hacia el vacío, desde una altura considerable.
Punto aparte merece el gran trabajo musical de Bernard Hermann, tanto al componer las enigmáticas e inquietantes notas de los créditos iniciales, como las piezas que acompañan las escenas de seguimiento o romance a lo largo del film, basadas a su vez en temas clásicos como el Tristán e Isolda de Wagner.
Hoy 50 años después, Vértigo sigue sorprendiendo a medio mundo, no sólo por su gran calidad sino por ser una obra adelantada a su tiempo y a la vez muy personal, “Es increíble como una película tan personal pudo haber salido del sistema de estudios de Hollywood, con grandes estrellas, además”, diría Martin Scorsese[5], y tiene razón, definitivamente fue la obra más personal de Hitcchcock y el mejor homenaje que podríamos darle es volverla a ver.

[1] Samuel Taylor citado por Donald Spoto en Alfred Hitchcock: la cara oculta del genio. (Ulramar Editories 1984)
[2] Juan José Muñoz en su blog http://jjmunoz-mashumanos.blogspot.com/2008/06/el-incidente-de-m-night-shyamalan.html
[3] Susana Farré en la revista On line Miradas de Cine : http://www.miradas.net/0204/clasicos/2002/0210_vertigo.html
[4] Samuel Taylor diría: “Parecía tan ingenua en su papel y eso fue lo mejor. Siempre resultaba creíble. No había ‘arte’ en su actuación y es por eso que todo funcionó tan bien”. Citado en la Op. Cit. de Spoto.
[5] Martin Scorsese en el documental “Obsesionados con Vértigo”, incluido en los bonus track del DVD.

ELEGÍA WESTERN

2008-04-11T09:59:00.002-05:00

EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD

El caso del guionista y director australiano Andrew Dominik es extraño pero parece encaminarse por buena senda. Con su primera película Chopper, se llevó ya varios premios en festivales y cierto reconocimiento internacional, pero pasaría mucho tiempo para que pueda rodar su segundo largo. Sin embargo 6 años después, consigue la oportunidad de rodarlo y nada menos que con Brad Pitt para llevar a cabo una nueva versión sobre la historia de Jesse James, que aballestado en el tintero cierto tiempo.
Pero esta versión de Jesse James es muy sui generis, muy personal. Estrenada el año pasado (junto con 3:10 to Yuma, fueron los únicos westerns en el horizonte), El asesinato de Jesse James..., se centra más en las relaciones personales entre Jesse el mítico líder de la banda y Robert, el joven aspirante a integrar el legendario grupo, que en tiroteos o persecuciones.
Además nos presenta a dos personajes que han sido desmitificados James no es el heroico ladrón que roba a los ricos para darle a los pobres, es un pobre diablo paranoico que ve traidores por todos lados y por ello es capaz de eliminar hasta sus compañeros. Ford por su parte, es al comienzo el chiquillo idealista que quiere emular al héroe que ha leído en varios pasquines, pero que luego al irse revelando ante él como el criminal miedoso e inseguro que es, torna esa admiración, en odio y miedo.
La película comienza con el planeamiento del asalto a un tren, escondidos en un apacible bosque Jesse James y sus compinches conversan, bromean, ríen, mientras faltan pocas horas para el robo. Este primer acercamiento sirve para introducirnos a la banda y revelarnos las personalidades de cada uno.
Pero hasta en esta escena de acción las cosas en este film son diferentes: está filmada en claroscuros, con pocos efectos sonoros (los balazos suenan lejanos, asordinados), casi sin tiroteos, ni luchas heroicas, sólo una cobarde agresión de James a un envalentonado miembro de la tripulación del tren. El asalto, pasa a ser entonces un hecho triste, casi fúnebre.
Y precisamente ese es el tono que predomina en la película, fúnebre, elegíaco. La música seria, tocada por cuerdas graves en su mayoría, los colores virados por lo general a los tonos sepia y una omnipresente voz en off, que cuando se oye, desenfoca lo que estamos viendo en pantalla, actúan como preparándonos al hecho más importante de la cinta y que tiene que ver con su largo título.
Si bien a veces los largos planos contemplativos y el ritmo por ratos cansino, parecerían enturbiar por momentos la cinta, las apariciones de un Brad Pitt mucho más cuajado y maduro, pero sobre todo de un sorprendente Casey Affleck (¿de veras es hermano de Ben?), quien dota s su personaje de una serie de matices que su personalidad va adquiriendo a medida que pasa la película, terminan por mover al espectador a seguir la apuesta por Dominick hasta el final.
Por supuesto, el resto del reparto también ayuda mucho, los consagrados Sam Sheppard y Sam Rockell se meten de lleno en sus papeles, e incluso gente de menor trayectoria como Paul Scheneider, tampoco desentona. Sólo Mary Louis Parker aparece desperdiciada en el rol menor de Zee, la esposa de James.
La fotografía de Roger Deakins, merece un comentario aparte, pues a pesar de registrar momentos tan dispares como las del asalto al tren o las discusiones madrugadoras entre James y sus compinches, con las de momentos llenos de luz (como la escena inicial en el bosque o los exteriores llenos de nieve), mantiene siempre el tono sin caer en excesos, ni virtuosismos.
En resumen El asesinato de Jesse James inscrito más en la corriente del western crepuscular (como Unforgiven de Clint Eastwood) que en el clásico, es un film que sorprende por su planteamiento audaz y que no decepciona, ni aburre a pesar de sus dos horas, cuarenta minutos de duración y nos deja con mucha curiosidad para ver cuáles serán los próximos trabajos de este director. Ojalá que no tengamos que volver a esperar 6 años más.

¿UNA AFEITADITA?

2008-03-17T20:00:00.003-05:00

SWEENEY TODD: EL BARBERO DEMONIACO DE LA CALLE FLEET

Después de la emotiva The Big Fish y las divertidas Charlie and the Chocolate Factory y Corpse Bride, teníamos la impresión que Tim Burton seguiría en su línea positiva con sus puestas en escena, e incluso luego de ver el trailer por la televisión daba la impresión que Sweeney Todd sería un divertimento de humor negro, muy negro quizá, pero humor y al fin y al cabo. Pero las apariencias engañan.
Basada en el musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler quienes supuestamente se basaron a su vez en una historia de la vida real, Sweeney Todd es un musical sangriento que carece casi completamente de momentos de humor.
Todd es un barbero que regresa después de muchos años a Londres (extraño ver cantando a Johnny Depp No place like London), a consumar una venganza: eliminar al juez que mató a su esposa y lo acusó a él del crimen enviándolo 15 años a prisión.
Estéticamente Sweeney Todd guarda muchos aspectos en común con Sleepy Hollow, sobre todo en el tratamiento del color, pero también combina con elementos de otras corrientes como el maquillaje del expresionismo alemán y en algunos momentos los tonos chillones (en especial el de la sangre), de las películas de terror de la productora británica Hammer, muy queridas por Burton.
El reparto es sensacional, realmente de lujo y ninguno desentona ni actuando ni cantando. Depp por ratos luce extraño, cantando pero siempre brillante; aunque más destaque por momentos Helena Bonham Carter como su cómplice la Sra. Lovett. De igual modo el resto del elenco no desentona para nada: Alan Rickman, Timothy Spall el niño Ed Sanders y hasta el excéntrico Sacha Baron Cohen en un breve papel.
Solo Campbell Bower y Jane Wisener, desentonan algo, pero la razón es más porque sus personajes no están del todo desarrollados.
Eso sí, la película no parece estar dirigida a un amplio público. Los fanáticos de Burton pueden quedar encantados con ella, pero para los demás puede resultar demasiado oscura, especialmente si han visto los desorientadores trailers de la t.v.
En efecto, Sweeney Todd se va volviendo cada vez más violenta y pesimista a medida que avanza la trama, y los momentos musicales, no son utilizados como respiro, sino que acentúan el carácter sombrío de la trama, incluso el único momento de esperanza que tiene el film (el sueño-canción By the Sea, que canta Mrs Lovett), rápidamente se desvanece, para dar paso al terrible desenlace.
Justamente la escena final es realmente desoladora, de esas que a uno lo obligan a quedarse sentado varios minutos después de haber terminado los créditos. Hasta ahora, hubiera sido muy difícil creer que alguien lograría combinar con tanta maestría un buen musical, con una película tan oscura y pesimista. Burton lo ha conseguido.

CLÁSICO Y MODERNO

2008-02-14T13:34:00.003-05:00

EL TREN A YUMA

La carrera de James Mangold, parece estar en franca recuperación: al interesante biopic sobre el cantante Johnny Cash Walk the line, que se llevó un Oscar a la mejor actriz, podemos agregarle ahora su primera incursión en el western; claro sino tomamos en cuenta Copland, aquel logrado film con Silvester Stallone y Harvey Keitel, que no era otra cosa que un film del oeste disfrazado de policial.
Esta vez se trata de un nueva versión de un clásico del oeste norteamericano de Delmer Danes protagonizado por Glenn Ford, que se basa en el cuento de Elmore Leonard, sobre un granjero venido a menos, quien para salvar sus tierras y recuperar el respeto de su familia, acepta formar parte del grupo que escoltará al temible criminal Ben Wade al tren que lo llevará a la horca.
Como buen cinéfilo, Mangold nos ofrece un aplicado ejercicio que respeta muchas de las convenciones del género, mostrando los grandes escenarios abiertos que son típicos de los western clásicos, aunque mejorados por una fotografía detallista, sincronizada perfectamente con un sonido limpio.
Un buen ejemplo de esto, es el asalto inicial a la diligencia, magistral secuencia que dura varios minutos y que es todo un ejemplo de virtuosismo al mostrarnos en gran detalle una dura batalla por capturar un botín.
Pero es en la dimensión humana de los personajes donde Mangold demuestra que más que un cinéfilo, es alguien con vocación de autor. Los personajes de esta nueva versión están mucho más redondeados que en el filme original, no estamos aquí ante el típico esquema maniqueo de muchos westerns: el héroe es un tipo que trata de cumplir las reglas, pero precisamente por ello está perdiendo sus tierras y lo que es peor el respeto de su familia y más que un tipo resuelto e idealista, es alguien disminuido (no sólo físicamente), lleno de dudas.
Y el malo, a pesar de ser un asesino cruel y despiadado, es una persona muy inteligente, con sensibilidad artística y dueño de una personalidad encantadora, con la que cautiva tanto a los bestiales miembros de su banda, como a sus enemigos.
Por supuesto, hubiera sido un riesgo muy grande encargarles estos personajes a cualquier actor, pero felizmente el casting trabajó bien, Russell Crowe está como pez en el agua en su rol del duro y sensible Ben Wade, y Bale, uno de los mejores actores de su generación, compone magníficamente a un Dan Evans que intenta actuar moralmente, pero que está lleno de dudas y decepción.
Junto a ellos un equipo de secundarios (entre los que destacan el veterano Peter Fonda en el rol de un viejo cazarecompensas y Ben Foster, como el sicópata lugarteniente de Wade), que no sólo no desentona, sino que aporta mucho de autenticidad al film.
Y ya que hablamos de autenticidad, no podemos dejar de mencionar los ingeniosos diálogos, que en muchas ocasiones funcionan como duelo sin armas entre los personajes. Son particularmente destacables los que sostienen Wade y Evans en la habitación del hotel, y el posterior entre el mismo Wade y el hijo de Evans.
La historia avanza sin trabas y no lleva al espectador por los archiconocidos caminos de siempre, sino que le depara sorpresas a cada tramo del camino, incluyendo el magnífico final, digno de los mejores westerns de todos los tiempos.
A pesar de que muchos ya le habían extendido su partida de defunción, con películas como ésta o El asesinato de Jesse James, el western demuestra que todavía tiene para rato, especialmente si se les encarga a directores como James Mangold, del cual esperamos ver aún mejores trabajos en el futuro próximo.

El camino de San Diego

2008-02-13T11:03:00.012-05:00

Para quienes hemos visto las dos anteriores películas del argentino Carlos Sorín, su última producción decepciona y plantea interrogantes con respecto al futuro de este buen director cuya filmografía va de más a menos.

Recuerdo con agrado Historias mínimas, su filme más laureado, una película con caractrísticas inusuales dentro de la cinematografía sudamericana por su estilo neorrealista: actores no profesionales, con una historia personal, un buen uso de la cámara en mano, sin grandes conflictos ni mucho menos intenciones comercialonas. Todo desarrollándose en la patagonia argentina, con su gente y su singular forma de hablar, un road movie atípico donde tres historias se desarrollan paralelamente, sin happy ends pero dejando al público satisfecho como pasó en el Festival de Lima de hace algunos años donde ganó el premio a Mejor Película.

El filme que le seguiría a Historias mínimas es Bombón, el perro, una nostálgica historia -también desarrollada en la patagonia- que es casi la prolongación de una de las historias de su anterior producción. Nuevamente el neorrealismo es evidente: su protagonista es un poblador de esa zona de la argentina, un inexperto de la actuación que le da un aire fresco y realista a este filme, gracias a la notoria improvisación de sus diálogos y de sus gestos en casi todo el filme. Con respecto a la estructura del guión de esta película nuevamente no hay conflictos y tras 20 minutos de metraje Sorín nos lleva de nuevo por las carreteras de la sierra argentina en un road movie muy simpático, singular pero sin el acabado ni mucho menos la identificación del público como si sucedió con Historias mínimas.

Después de unos años llegó El camino de San Diego, su esperada ultima producción, que personalmente defrauda. Veamos: el estilo es el mismo de sus anteriores películas, neorrealismo aparente porque en esta película interactúan peronajes de la realidad con actores lo que hace que el público sin ser muy entendido note las diferencias imensas de actuación y estilo al hablar en los personajes de la película.

Hablar de los personajes es justamente algo clave en los errores del filme. No sólo el mezclar personajes reales y actores es forzadísimo el problema de raíz está en la construcción de los mismos: personajes demasiado ingenuos, demasiado buenos (en la peli no hay argentino malo, todos son dadivosos... hasta la prostituta de ruta es buena gente), es decir, muy acartonados.

Sobre las motivaciones que inducen al personaje principal en el filme pues son clarísimas: él es un fan de maradona, diego enferma y Tati benítez (personaje principal) decide ir a buenos aires para entregarle una raíz que "se parece a maradona". Tati es un seguidor extremo de maradona y durante su trayecto intenta descubrir en la opinión de la gente algún misticismo o sentido a su viaje, explicación que no tiene resolución más que la de la necesidad de un pueblo por encontrar ídolos, gente en quien creer, en quien confiar y que de ese modo obtengan felicidad o algún "milagrito" como en la escena donde el bus donde sube tati se dirige a ver a la imagen del gauchito gil, ahí se aprecia el tema de la devoción y se realiza la primera metáfora de la imagen del diego maradona "santo", analogía que por cierto resulta risible cuando un grupo de manifestantes irrumpe su paro simplemente por la figura de diego maradona en pedazo de árbol... escena poco lograda por la facilidad de su resolución.

Pero no quiero ser malo con Sorín, los primeros 20 minutos de la película son buenísimos: testimonios my bien logrados de los pobladores, una imagen poco iluminada, una excelente cámara en mano, las imágenes insertadas y la voz en off nos muestran un clásico documental social o de lo contrario -para los más entendidos- un genial documental ficcionado... lástima que después todo se desdibuja, desaparecen los testimonios y el estilo visual es más común, más digerible para cualquier público y es que aunque al principio la peli parece una creación de autor tal parece que Sorín intento llegar al gran público, hacer una peli dento de todo comercial mucho más usando como móvil la figura de maradona y un seudo neorrealismo que se ha convertido en un tópico para este director que esperemos retome su estilo inicial, personal aquel que descubrimos en una gran obra como Historias mínimas.

EN EL NOMBRE DEL PADRE

2008-01-28T18:15:00.002-05:00

Perder un padre no es cosa de todos los días, y no debería serlo por el dolor que implica esta pérdida, sobre todo cuando se trata de un buen padre. A manera de homenaje al padre que se ha ido, hacemos aquí una pequeña revisión de películas que en los últimos años, han tratado el tema de hijos que de un momento a otro se enfrentan a la partida del autor de sus días.

Las Invasiones Bárbaras (Les Invasions Barbares) de Dennys Arcand
Una rara muestra del cine quebequiano, que por una aún más rara decisión de los distribuidores nacionales se pudo ver en el Perú, con la colaboración también del circuito de distribución pirata.
Se trata en realidad de la conclusión de una película anterior del mismo Arcand que llevaba por título El declive del imperio americano (Le Decline de l’Empire Americaine), en la cual el director vuelve a reunir a varios de los personajes de aquel film, pero esta vez en ocasión de la enfermedad terminal del protagonista Remy.
El tema de la primera película se centraba en la discusión sobre si la civilización estadounidense estaba llegando a su fin, que hacía Remy con varios de sus colegas académicos. Por el título esta secuela llamada Las Invasiones Bárbaras situada 17 años después, parecía indicar una reafirmación de este tema, especialmente cuando una de las escenas iniciales muestra los sucesos del 11 de setiembre del 2001.
Pero rápidamente la cinta da otro giro, cuando aparece en escena Sebastien, el hijo de Remy quien llega a Montreal por un pedido de su madre, más que por querer ver a su padre, ya que está muy resentido con él, por el divorcio de ambos años atrás.
Al principio la relación entre padre e hijo, es tirante, no sólo porque Sebastien no le perdona al padre que haya dejado a su madre, sino también porque son literalmente opuestos: izquierdista e idealista el padre, capitalista y materialista el hijo. Pero luego de la revelación de un secreto por su madre, Sebastien cambia y mueve cielo y tierra para hacer que el tránsito de su padre hacia la muerte sea lo menos penoso posible.
Tratada con algo de frialdad y distancia, la película no deja de ser por ello emotiva, y realista. Todo esto gracias a unos personajes muy humanos, bien trabajados en el guión y un gran trabajo del elenco de actores, todos franco-canadienses y por ello mayormente desconocidos.
A pesar del estilo diametralmente opuesto al cine norteamericano, porque se basa más en los diálogos y en las relaciones personales que en caros efectos especiales, la película se deja ver, sin caer en el aburrimiento, por el contrario invita a la reflexión y ya sólo por ello su visión es recomendable.

El Gran Pez (The Big Fish) de Tim Burton
El mismo año que Arcand, entregaba al mundo sus invasiones bárbaras, un director norteamericano de estilo totalmente diferente, nos entrega una película que a pesar de ello, tiene una gran similitud con la cinta de Arcand. Acá también hay un hijo, que es llamado por su madre, para que regrese a ver a su padre, cuyo final parece muy próximo.
En este caso padre e hijo han estado también alejados por su manera de ver el mundo (fantasioso el padre, hiperrealista el hijo), pero sobre todo por la voluntad del hijo, de querer encontrar su espacio, lejos de la gran sombra de su padre, el mitómano Edward Bloom.
Lo que en la película de Arcand lo conseguían los diálogos y las relaciones simples de los personajes, Burton lo logra intercalando las fantasiosas historias que contaba el padre, llenas de una gran imaginería visual, como sólo Burton sabe hacerlo y que reflejan su talento como creador, que había quedado mellado con su fallida Planeta de los Simios.
El elenco trabaja casi a la perfección, cada actor se mimetiza con su personaje, especialmente los británicos Ewan McGregor y Albert Finney, quienes interpretan a Edward Bloom en distintos momentos de su vida. Jessica Lange luce genial como la comprensiva esposa de Bloom y Billy Crudup no desentona, en el rol del incomprendido hijo.
La escena final, en el entierro multitudinario del padre (*), cuando el hijo puede comprobar cuánto de verdad, habían en sus historias, es una de las mejores que hemos visto del cine de Burton, tanto por su logrado aspecto visual, como por las hondas emociones que inspira. Obviamente muy recomendable.
(*) Esto tiene un valor emocional muy grande para mí, porque la despedida a mi padre, con la Iglesia Matriz de Sullana, llena de muchas personas, algunas de las cuales veía por primera vez, aplaudiendo de pie, me remitió inmediatamente a las visiones de Burton.

Perdiendo el Control (Click) de Frank Coraci (Adam Sandler)
Aunque nunca aparece como director de sus filmes, Adam Sandler es el típico caso de actor/autor, que tiene una participación tan grande en la producción de sus filmes, al punto que no importa al final quién dirige el film, la mayoría de las veces lucirá como “una película de Adam Sandler”.
En esta ocasión, Sandler nos presenta la historia de un arquitecto quien se mata trabajando para poder dar a sus hijos un mejor nivel de vida, pero no encuentra el tiempo para concentrarse en su trabajo. Además su poco comprensivo jefe le exige cada vez más. Un día, producto de su encuentro con un misterioso técnico, llega a sus manos un control remoto universal, que no sólo controla todos los aparatos eléctricos de su hogar, sino que también controla algunos aspectos de su vida.
Todo parece ir bien, hasta que el control se empieza a autoprogramar, y empieza a controlar sus acciones, haciendo que años enteros pasen en segundos y él no pueda hacer nada por evitarlo. Así por ejemplo, en un segundo se pierde el salto de sus bebes a la segunda infancia y luego a su adolescencia.
Aunque la sutileza de Sandler para el humor, muchas veces pueda compararse a afeitarse con un machete, y el tema de la película esté más en el muy usado tópico capriano de “qué pasaría sí...”, la relación de Sandler con su padre tiene un peso importante en la película y la escena en la que ambos se ven por última vez, está bien trabajada y es clave para entender el mensaje que nos quiere dar a conocer.
Sandler no es Burton, ni mucho menos Arcand, pero Click es divertida y su mensaje contra el trabajo del hombre en estos tiempos, está plenamente vigente.

Una película de culto de una película de culto

2007-08-15T12:33:00.000-05:00

La Venganza de Sweetback

A veces las películas tienen formas extrañas de llegar al espectador, sobre todo cuando se trata de filmes independientes, los cuales no tienen el apoyo de los grandes estudios para ser distribuidos. Pero cuando llegan a ser vistos y asimilados, esta semiclandestinidad puede resultar ser hasta beneficiosa al darles una aura de film de culto.
Este puede ser el caso de Badasssss!!!!! (preferimos usar el título original frente a la poco afortunada traducción de la distribuidora), una cinta del director Mario Van Peebles que aborda la dificilísima génesis de Sweet seetback’s badasss song, película bizarra, de escasísima difusión, de culto -por ser una de las pioneras del subgénero blaxpotation- y que dirigió su padre Melvin.
La película comienza con el estilo de un mockumentary o falso documental, con declaraciones frente a la cámara de los personajes que más adelante van a intervenir en el film. La voz en off del personaje principal nos va introduciendo en la historia, la de un joven director de color que acaba de tener su primer éxito en Hollywood y que se halla en una encrucijada: seguir adelante adoptando las reglas de un sistema que desprecia, o tratar de hacer una película que reinvindique a su raza, pero que obviamente sería muy difícil de hacer y distribuir.
Obviamente el camino que escoge es el segundo y en clave de comedia somos testigos de todos los trucos a los que tiene que recurrir el protagonista para conseguir financiamiento primero y luego para “sacarle la vuelta” al sistema para que los dejen trabajar tranquilos. Estos primeros momentos están tratados con humor efectivo, pero a medida que las dificultades aumentan, el tono de la película va cambiando a dramático, sin resentir el resultado final.
Van Peebles, quien hasta hace poco sólo ostentaba una sola película interesante en su haber (New Crime City), muestra que con una buena historia puede presentar no sólo un producto entretenido sino también valioso. Además, nos brinda una gran actuación al encarnar a su padre, un personaje muy sui géneris, cuya pasión por el cine sólo puede ser comparable a la de un Orson Welles o más bien a un Ed Wood Jr. (por el aspecto bizarro de su film).
El resto del variopinto elenco no desentona, y cumple a cabalidad sus roles en especial Terry Crews como Big T y por supuesto Rainn Wilson en el rol de Bill Harris el inseparable compañero hippy de Melvin.
El guión del mismo Van Peebles y Dennis Hagerty basado en la novela de su padre, presenta personajes muy bien construidos y una historia que si bien al comienzo es algo difícil de seguir (especialmente para quien no conoce los antedecentes), luego atrapa al espectador y no lo suelta hasta el emocionante final.
El epílogo del film resulta también original, porque todos aquellos personajes que al principio daban su testimonio a la cámara y aparecían interpretados por actores, al final aparecen dando sus declaraciones reales, sobre lo que Sweet Sweetback’s... representó para la comunidad negra a comienzos de los años ’70.
En pocas palabras Badasss!!! es una agradable sorpresa que nos muestra un cine, que a pesar de ser Norteamericano, no tiene el poder de difusión de las grandes distribuidoras de Hollywood, pero no por ello, deja de ser original, interesante y hasta didáctico, al mostrarnos parte de su historia a la cual normalmente no tenemos acceso.

UNA MIRADA AL FESTIVAL DE LIMA

2007-08-15T12:27:00.000-05:00

Para alguien que sólo tiene oportunidad de ver buen cine vía videos piratas, películas por cable o muy de vez en cuando pescar la única buena película que estrenan en dos complejos de multisalas (la última vez que recuerdo que ocurrió eso fue con Match Point de Woody Allen), el ahora Festival de Lima es siempre una oportunidad invalorable de ver un cine normalmente nos está vedado.
Pero además también es la oportunidad de reencontrarse con antiguos amigos, ver de lejos algún director, un crítico extranjero o una estrella de cine y por supuesto conocer a nuevos amigos, como los amigos de Cinencuentro a quienes leo siempre y ahora he podido darle un rostro a sus textos. Hablar con todos es tan familiar como si empleáramos una lengua franca, y siempre se menciona allí a conocidos como Bergman, Godard …de tal manera que a los minutos de iniciar una conversación uno se siente como en familia.
Aunque es el tercer año consecutivo que coincido en Lima para el festival, esta es la vez que más oportunidad he tenido para apreciar películas (cuatro en tres días, con casi todas las entradas agotadas), y para interactuar con la gente que normalmente acude al festival y a pesar que siempre los tiempos han estado muy justos había momentos para intercambiar impresiones y charlar en los pasillos.
Dejemos los comentarios emocionales y vamos a comentar brevemente las películas que pude apreciar. De las que estuvieron en competencia, me gustó mucho como a la mayoría, Luz Silenciosa de Carlos Reygadas. No había tenido oportunidad de apreciar antes ninguna de sus películas, pero había leído lo que hablaban de él.
La película atrapa desde los primeros minutos, no entraré en detalles para no malograrles ese momento intenso a quienes no la hayan visto, pero ese inicio inquieta y nos mete de cabeza en una realidad, que es tratada con una sencillez documental, con un ritmo pausado, en base mayormente a planos de larga duración y que son cortados en seco para pasar a otra escena o a otra secuencia.
En otro momento espero escribir más sobre esta película, pero para terminar habría que decir que su final es totalmente conmovedor y aunque añade un tono distinto al realismo imperante hasta el momento, no resulta chirriante ni fuera de lugar: una de las protagonistas ingresa a una habitación totalmente blanca, de un blanco que casi hiere la vista y se acerca al cadáver de su ex rival…lo que sigue alcanza un nivel que sólo lo hemos visto en maestros como Bergman (aunque con resultados distintos, se parece mucho a una de las escenas cumbre de Gritos y Susurros) y Dreyer (algunos han visto aquí también rasgos de Ordet).
La otra película de la competencia que tuve la oportunidad de ver fue Una sombra al frente de Augusto Tamayo. Después de El Bien Esquivo, la película había despertado expectativas, sobre todo porque el director nuevamente realiza una película en un momento del pasado de nuestro país y porque se trataba de una novela que su padre había realizado sobre su abuelo.
Hablando primero de los elementos positivos, podríamos decir que es una producción muy cuidada, destacan los vestuarios, la elección de las locaciones (tanto en interiores como en exteriores), y hasta incluso el empleo del lenguaje más elegante que el empleamos ahora. El trabajo de cámara de Juan Durán también es digno de destacarse, las tomas en la selva, en las calles, en interiores poco o muy iluminados, le dan una película un registro propio, como lo tuvo en su momento El Bien Esquivo. Y por supuesto, los efectos digitales tienen momentos de lucimiento, como en la escena donde se cae un puente.
El problema está en la historia. El personaje de Enrique Aet, no termina de convencer, no nos quedan claro cuáles son sus motivaciones (¿por qué el afán de integrar siempre a la selva?), ni porque no puede establecerse nunca en lugar ni sentar cabeza. Recortar algunas escenas que no aportan nada (como el encuentro con la española en el barco), y agregar alguna otra que explique mejor la conducta de Aet, quizá hubieran ayudado a mejorar la entrega final.
Fuera de competencia tuvimos la oportunidad de ver dos películas: la primera La Petite Jerusalem de Karin Albou, una interesante mirada a un barrio compuesto por judíos y árabes (como el Jerusalén real), por parte de dos hermanas con realidades muy diferentes: Laura, una estudiante de filosofía quien quiere seguir los pasos de Kant y entregarse completamente al mundo de la filosofía y Matilde su hermana casada con un ortodoxo, quien trata de recomponer su matrimonio.
El registro de la película se acerca por momentos al documental, empleando mucha cámara en mano, y por momentos realizando una invasión casi asfixiante a la intimidad de los personajes, sin dejar de retratar la dura realidad que los rodea, un barrio que a pesar de situarse en una de las mayores capitales del mundo, es oscuro, solitario y muy peligroso.
La película se sigue con interés, aunque a veces cuesta seguir el camino de una subtrama a otra, ya que casi las dos historias tienen el mismo peso. Presentada en la Semana de la Crítica del festival de Cannes 2005, y programada tiempo después de la programación inicial, ha sido toda una suerte pescarla en el festival.
Finalmente está La Soledad del español Jaime Rosales, que cuenta la historia de dos mujeres Adela y Antonia, la primera madre soltera que llega a Madrid buscando nuevos horizontes y la segunda madre viuda de tres hijas adultas, unas de ellas con cáncer, la otra egoísta e Inés, que comparte el departamento con Adela.
Al igual que Reygadas Rosales elige un tratamiento casi documental para contar estas historias que se cruzan, con planos de larga duración y siempre fijos, aunque se vale de un recurso audiovisual, pocas veces empleado con tanta propiedad, como es el uso de la pantalla dividida, que nos permite una visión extraña y más completa de los personajes mostrados.
Los diálogos son muy naturales y a pesar de que los actores son poco conocidos, cumplen un rol muy destacable en este filme. Aunque hay momentos difíciles de seguir para el espectador poco acostumbrado, tiene en cambio otros bastante logrados, que terminan por presentar un film bastante redondo.
Para terminar, habría que insistir en el tema de la descentralización. Si bien este año, se ha llevado hasta Arequipa, el Festival bien podría retomar otras plazas como Piura o Trujillo o probar con nuevas como Chiclayo (desde acá nos ofrecemos a apoyarlos) o Cajamarca. Aunque se llame Festival de Lima, en realidad es o debería ser un festival para la mayoría de los cinéfilos peruanos, porque de lo que en realidad se trata es que NUESTRO cine, sea visto por gente nuestra.
Hasta el próximo festival.

VER LA VIDA CON OTROS OJOS

2007-07-19T11:32:00.000-05:00

Mi Vida sin Mí

Inicialmente pensamos este blog para llenarlo semanalmente con las críticas de todas las películas nuevas que hayamos podido ver. La falta de tiempo y una cartelera de cine cada vez más pobre han frustrado este intento, así que ahora hemos resuelto que sólo nos servirá para escribir sobre todos aquellos filmes, que realmente “nos cambien la vida”, como me decía un amigo: que su visión nos impacte tanto que nos haga ver la vida con otros ojos.
Y eso acaba de ocurrir con esta pequeña película de ingenioso título “Mi Vida sin Mí”, de la directora catalana Isabel Coixet, que me prestaron hace tiempo y que recién he podido ver.
La película es original desde su concepción: se trata de una producción española, de la productora de los hermanos Almodóvar, pero hablada en inglés, filmada en Canadá con un reparto internacional. De esta manera esta cinta más que una película española, tiene todas las características de una película independiente norteamericana, incluyendo aquella de que este tipo de películas prácticamente no se estrenan en nuestro país.
Mi vida sin mí, nos cuenta la historia de Ann, una humilde trabajadora de limpieza, casada desde muy joven, con dos lindas niñas, a quien se le acaba de diagnosticar una enfermedad incurable, que se la llevará de este mundo en pocos meses. En lugar de desesperarse o luchar contra ello, Ann toma la noticia con resignación, empieza a ver la vida con otros ojos y se hace una lista de las cosas que ella debe completar antes de irse de este mundo, entre las que se incluyen grabar mensajes para los próximos diez cumpleaños de sus hijas, ver a su padre en prisión, decir las cosas de frente, entre las que se incluye también que alguien se enamore de ella.
Es una lista aparentemente sencilla, pero la dedicación que Ann le pone a cada una de ellas, conmueve y es gran parte el motor que impulsa a la historia, que desde el plano inicial se nos presenta diferente: unas simples tomas de la protagonista bajo la lluvia, bajo una música de ensueño, y la suave voz en off de esta magnífica actriz que es Sarah Polley, nos ponen inmediatamente bajo la piel de la protagonista y sentimos como si realmente la lluvia mojara nuestra ropa y la hierba húmeda bajo nuestros pies con la intensidad de una primera vez.
A pesar de que las imágenes se van poniendo más realistas, la película mantiene a lo largo de su metraje, ese aire de ensoñación que sin embargo no entorpece para nada la narración fluida y creíble de la película.
Además de la brillante elección de un reparto verdaderamente de lujo, (en el que destacan Mark Ruffalo, Debbie Harry, María de Medeiros, Leonor Watling y un no acreditado Vincent Molina), de la fotografía de tonos cálidos brillantes que contrastan con el tema supuestamente melancólico del film, lo que hace que la película sea un bálsamo para los sentidos es también la excelente banda sonora, no sólo por los sonidos new age del músico español Villalonga, sino también por las excelentes canciones escogidas para el film por Coixet, cantadas en su mayor parte por gente que hoy está en la tercera edad y que siguen aún vigentes, como Gino Paoli, Blossom Dearie u Omara Portuondo.
En ese sentido es particularmente especial la canción “Senza Fine” de Gino Paoli, que se escucha dos veces, una para describir el personaje de Ann y la otra en una magnífica escena de ensoñación del mismo personaje que ocurre en un supermercado a la manera de un musical clásico de Hollywood o al Dancer in the Dark de Lars Von Trier. La fuerza de esta escena es tan grande que se nos queda grabada muchas horas después de haber visto el film.
Lo único que desencaja del conjunto es la infidelidad en que incurre Ann al proponerse la meta de lograr que alguien se enamore de él, pero la directora disimula este “bache” manteniendo la relación en un tono idílico casi platónico.
Ver “Mi vida sin mí”, definitivamente le puede cambiar la vida a cualquiera, por la profunda identificación que el espectador puede llegar a tener con el personaje principal y por demostrarnos que podemos llegar a ver la vida con otros ojos.

“Lo último que envejece es el corazón”

2007-04-04T11:07:00.000-05:00

Aburrido y cansado decidí ver la película que compré en los piratas: Rocky VI (Rocky Balboa en su título original). No quise crearme falsas expectativas por los comentarios positivos de la crítica quienes decían que el filme culminaba dignamente la saga del boxeador.

Y, lo admito, Rocky Balboa es una buena película, no decepciona y entretiene de principio a fin. El éxito del filme es su falta de pretenciones. No quiere ser un clásico ni mucho menos una película que lleve al buen Sly (director y guionista del filme) a la estratosfera de directores de culto. Nada que ver. Rocky Balboa es producto de la madurez de un actor y director que nunca pudo superar su éxito interpretando al duro Rocky en los setentas.

Stallone acepta su edad y eso le ofrece una visión distinta a su personaje. Rocky está viejo, y administra su propio restaurant, que es como su baúl personal de gratos recuerdos; su gloria en el ring aún es recordada por muchos, sin embargo, la pérdida de su esposa le ha dejado sin motivación, visita constantemente su tumba y el barrio donde vivieron juntos, como buscando un consejo para saber qué hacer y qué rumbo tomar en su vida.

Rocky ya no es el mismo y los años pesan no sólo en él sino en quienes le rodean: su hijo, quien no soporta el apellido Balboa por vivir bajo esa sombra de éxito; Paulie, su cuñado, frustrado por su pasado; y una mujer que conoció desde muy niña a Rocky y que ahora, madura y madre soltera, es una “amiga” a quien Rocky intenta salvar de la soledad y pobreza y con quien planea tener su segunda oportunidad.

Estos personajes confluyen y se unen a Rocky, una especie de persona muy bondadosa, debido a su humilde pasado, preocupado por ayudar a sus amigos, en ese restaurant que en la película se convierte en un lugar amable, tranquilo, donde hay mucha cordialidad producto de la evolución y crecimiento de los personajes. Es aquí cuando la película se convierte en un filme de encuentros entre los más cercanos del boxeador, encuentros para sanar heridas, para empezar nuevas relaciones, es decir para tener nuevos bríos y sentirse vivos.

Y esto lo entiende Rocky quien dice “sentir algo en el sótano”, sentir que su espíritu aún está vivo y que la única forma de acabar con esa “bestia interna”, con esos demonios del pasado, es retomar aquello que le apasiona y que siempre le mantuvo vivo: el BOX.

El film además, plantea una historia paralela, la del actual campeón mundial de los pesos pesados, un joven triunfador que ha hecho mucho dinero en la actividad pugilística pero que lamentablemente no tiene el reconocimiento de la crítica especializada ni de la fanaticada. Mason Dixon no encuentra un rival de respeto con el cual pueda competir y eso le quita méritos, siente que le falta mucho y que no podrá demostrarse a sí mismo que vale. Tiene éxito económico pero vacío espiritual.

No seguiré comentando el filme pero lo que para muchos iba a ser una ridiculez se convierte en una peli nostálgica. No sólo la nostalgia de ver a Rocky entrenando con la canción clásica que movió al mundo en una época sino ver a un personaje humano que se siente derrotado pero que apela a un corazón más joven que nunca para seguir luchando y para demostrarse a sí mismo que “nunca se acaba hasta que se acaba”.

Si tuviera que destacar momentos que realmente me movieron está la conversación entre Rocky y su hijo cuando éste último le increpa que no intente regresar al mundo del box y Balboa, viejo y sabio, le da una lección donde el box se convierte en la metáfora de la vida misma: la vida es dura pero lo importante no es pegar más duro a tu oponente sino saber aguantar los golpes que nos da, asimilarlos y no hundirse.

La realización del filme es impecable. No es extraordinaria pero cumple a la perfección sus fines narrativos. La escena de la pelea está muy bien elaborada, sin excesos ni efectismos. Se nota el realismo de las imágenes televisivas de alta definición.

Pero bueno, les recomiendo la peli a los aficionados de Rocky y a quienes no pues la pasaran muy bien en un filme de personajes muy humanos, de pasados que nos atormentan, de tristeza y sobre todo de superación y de darnos segundas oportunidades por encima de nuestra edad o limitaciones porque –como le dijeron a Rocky- “lo último que envejece es el corazón”. (manuel eyzaguirre)

UNA PELÍCULA PARA LA ERA GLOBAL

2007-03-23T00:00:00.000-05:00

BABEL

Nuestra habitualmente oscura cartelera cinematográfica se ha visto algo iluminada en estos días, con la presencia de algunos filmes ganadores del Oscar, como del que nos ocupamos ahora, Babel. Se trata del cierre de la llamada “trilogía del dolor”, de la dupla González Iñárritu/Arriaga, que comenzó en México con Amores Perros, siguió luego en Estados Unidos con 21 Gramos y ahora de una forma más global termina con Babel.
Babel sigue el mismo estilo de sus predecesoras: historias que se desarrollan de manera aparentemente paralela, pero que contienen algunos elementos en común, y se van cruzando o influyendo algunas sobre las otras.
En esta ocasión son cuatro historias: la de unos niños pastores marroquíes que juegan con un rifle que acaba de comprar su padre, la de unos esposos norteamericanos de los cuales la mujer recibe un impacto de bala del rifle mencionado, la de una niñera mexicana que cuida a los hijos de la pareja que está en Marruecos y quien debe viajar a México para la boda de su hijo y la de una sordomuda japonesa, desesperada y capaz de cualquier cosa por tener una relación.
El guión de Arriaga, maneja los hilos de las historias con su habitual pericia y nos va pasando de una historia a otra sin seguir un orden estrictamente cronológico, si no un orden propio, construido al interior de la película y va en crescendo de lo simple a lo complicado, haciendo que el espectador se enganche a las historias a pesar de la diversidad de espacios e idiomas de la película.
También a pesar de estas diversidades mencionadas, la película muestra unidad en su mensaje: la incomunicación, ya que a pesar de toda la tecnología que hace que este sea un mundo globalizado (en ese sentido, es sintomático como la noticia de la herida norteamericana se ve en tantos televisores alrededor del mundo), sigamos tan incomunicados como siempre, viviendo separados en mundos diferentes y por barreras internas que tiene cada ser humano y que nos impiden abrirnos a los demás.
González Iñárritu dirige correctamente al variopinto grupo de actores y logra extraer de ellos las reacciones que hacían falta para cada escena del film, que en este caso es digna de destacar porque ha tenido que explicarles sus instrucciones en idiomas que jamás ha utilizado, como el árabe, bereber o el japonés.
Técnicamente la película es también impecable. La fotografía de Rodrigo Prieto retrata con maestría lugares tan diversos como California, México, Marruecos y el ultramoderno Tokio. La música del ganador del Oscar Santaolalla cumple con crear las atmósferas adecuadas a cada lugar y por supuesto, sin el trabajo de edición de Mirrione y Crise, Babel no llegaría ser lo eficaz que es para contarnos 4 historias en una.
Sin embargo, para los que han seguido la trilogía, Babel no aporta mucho de novedoso, salvo quizá el hecho de retratar como muy pocas veces se ha visto, el mencionado fenómeno de la globalización; pero definitivamente Babel está lejos del nivel de Amores Perros y más lejos aún del de 21 Gramos.
Los que se aproximan por primera vez al mundo de González Iñárritu y Arriaga, podrán disfrutar mejor este film, y es quizá la última oportunidad que tengan para ver una película de esta dupla, no sólo porque se trata del fin de la trilogía, sino también por la lamentable y escandalosa forma en la que el guionista y su director mejicanos han terminado su relación.

SCORSESE, AL FIN EL OSCAR

2007-03-22T10:15:00.000-05:00

Causó cierta emoción ver hace un mes como el gran Martin Scorsese de la mano de esos tres amigos geniales de cabezas blancas (cómo está pasando el tiempo, en cualquier momentos nos deja uno de ellos), el Oscar que le ha sido tan esquivo durante todos estos años.

Pero si bien Scorsese merecía el Oscar, la película por la que ganó, no lo merecía. Los Infiltrados no es más que una buena película de acción pero lejos de obras maestras como por ejemplo Raging Bull (Toro Salvaje), por la realmente debió llevarse el Oscar hace 27 años. Desde ese entonces la carrera del gran Martin no ha vuelto a esar la misma, pues salvo Goodfellas y Casino no hay mucho por destacar.

No es que no haya hecho buenas películas, estas siempre han sido superiores al promedio y manteniendo su propia identidad, pero están por debajo de la etapa que arrancó en los 70's con Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976) y cerró magistralmente con Raging Bull (1980).

De todas formas, la obra del gran Martin es bastante sólida y ahora que ya tiene la estatuilla dorada (la cual por cierto no necesita), se puede ir tranquilo.

Maestro en plena madurez

2007-01-30T11:27:00.000-05:00

VOLVER

Nada reconforta más a un cinéfilo, que seguir la trayectoria ascendente de un autor, que si bien ha tenido algunos desaciertos, no se quedó nunca estático, sino que prosigue su camino en busca de refinar su muy particular estilo de hacer cine, que desconcertó a propios y extraños allá, por los hoy ya lejanos comienzos de los '80.

Y es que a pesar de que Volver, significó para Almodóvar un regreso en varios sentidos (regreso a un pueblo como en el que pasó su infancia, regreso a trabajar con su actriz favorita), es también una película en la que el maestro de Calatrava se muestra más reposado y sutil que en otras ocasiones y se atreve a tocar de frente el tema de la muerte y hasta bromear con él.

La historia que nos cuenta Almodóvar es la de Raimunda, una joven madre que vive con un esposo ocioso y bebedor, cuya madre ha muerto hace poco, en su pueblo natal. Allá corre el rumor de que el espíritu de la difunta vaga por las noches ayudando a su anciana hermana.

Como en otras películas de Almodóvar, aparecen aquí algunos temas sórdidos, como crímenes, pasados dolorosos, incesto, etc. pero en la forma como los trata el realizador ahora, aparecen bastante suavizados, hasta el humor es menos grueso que en otras ocasiones, sin que por ello muchas escenas dejen de ser divertidas.

Definitivamente lo mejor de la película son las actuaciones, Almodóvar prueba una vez más que su fama de gran director de actrices no es en vano. Carmen Maura está genial como la madre y da gusto ver como ha asumido ahora plenamente el rol de una señora de la tercera edad (algo que en realidad ya habíamos visto en Valentín del argentino Agresti). Pero la que está sensacional es Penélope Cruz, quien tiene a su cargo un papel difícil, porque es un personaje que ha sufrido mucho y a pesar de eso tiene gran fortaleza para salir adelante. Penélope hasta se da el lujo de cantar el tango que da el título al film. Viéndola así, no entendemos que hace en Hollywood donde hasta la fecha no la han sabido aprovechar de este modo.

Filmada en tonos brillantes, que contrastan con lo sombrío de la historia y con una buena banda sonora de fondo, Volver es una película que se deja ver de principio y que además te deja un sabor positivo llegando al final, algo que ya es bastante para estos días.

Cine en Estado Puro

2007-01-30T09:47:00.000-05:00

JAPANESE STORY

Ver la foto de la gran Toni Colette, en el artículo de mi colega Manuel sobre Little Miss Sunshine, me ha hecho recordar otra gran pequeña película, donde esta camino a excelente actriz que es Toni Colette, tuvo la oportunidad de expresarse en toda su dimensión.

Se trata de Japanese Story (ya ni recuerdo el horrible título en español que le pusieron en el cable), cinta australiana de bajo presupuesto, pero con una fuerza tremenda para contar una historia sencilla en imágenes inolvidables.

En ella, la Colette encarna a una geóloga que trabaja para una empresa y está desesperada por vender un software nuevo que ha desarrollado. Cuando llega de Japón un posible cliente ella es designada para enseñarle la empresa, y cuando cree que el cliente ya cayó, este pide antes de cerrar cualquier negocio, que le muestren el hermoso desierto australiano.

Ella acepta a regañadientes, porque cada vez más irá perdiendo la paciencia con este extranjero aparentemente amable, pero muy exigente y que pide ir cada vez a lugares más alejados. La travesía al desierto se convierte pues en un jornada tensa, cuya atmósfera se irá enrareciendo más, a medida que las dificultades vayan aumentando y llegan al clímax de la desesperación, cuando el vehículo de ambos queda varado, en una zona donde no hay posibilidad de encontrar ayuda, pues no entran ni llamadas de celular.

Él sin hablar casi sin inglés y ella sin saber nada de japonés, más la antipatía y la furia por haberse quedado botados de la forma más tonta, no son un el mejor punto de partida para empezar una relación.

Sin embargo acá la película da un giro completo y somos testigos del esfuerzo que tienen que poner el uno y el otro para tratar de superar sus desencuentros, porque está en juego su superviviencia.

Comienzan en este momento los mejores minutos de la película, narrada a través de bellísimas imágenes muy bien filmadas por Ian Baker, en las que el desierto del Pilbara es un personaje más (es increíble como pueden existir allá arenas tan rojas), con diálogos mínimos y casi sin música de fondo, la relación entre ambos personajes se sigue con interés, a pesar de la duración de algunos planos (más larga que el promedio), y el ritmo contemplativo de la película.

Si hubiéramos visto una película Made in Hollywood, el happy ending (final feliz), estaría ya cantado, y una vez más, la nóvel directora Sue Brooks (¿qué habrá sido de ella?), nos sorprende nuevamente con otro vuelco inesperado en la historia que eleva las emociones del film a otro nivel.

Como dije anteriormente la actuación de Colette, en esta película es soberbia, muestra una gran expresividad para mostrar cada uno de los variados estados de ánimo por los que pasa su personaje y su contraparte el japonés Gotaro Tsunashima le da la réplica bastante bien. Como ejemplo de su química, basta aquella escena en la que él le explica todas las acepciones de la palabra "hai", mientras ella a cambio, le enseña como desert (y dessert) puede significar desierto o postre.

Las escenas finales son simplemente desgarradoras, pero no en el sentido telenovelesco de gritos, llantos, música grandilocuente y excesos, sino precisamente por todo lo contrario emociones contenidas, en una secuencia larga y pausada, con una tierna música de fondo (mérito de Elizabeth Drake) que sin embargo no contiene ningún plano de más, y que es imposible contemplar sin un nudo en la garganta.

Japanese Story, es cine en estado puro, que se basa justamente en la fuerza de las imágenes que son capaces de convertir una historia simple, en una inolvidable. Se agradece (gracias Cinemax), la visión de este tipo de películas, en momentos en las que el cine que más se ve, sigue apostando por los efectos especiales y lo artificioso, en lugar de volver a la sabiduría de los primeros tiempos.

Pequeña Gran película

2007-01-26T08:12:00.000-05:00

Hace un mes salí a la feria Balta e hice mi acostumbrado recorrido por los stands de piratería. En mis compras cinematográficas descubrí una película que llamó mi atención por lo chillón de su portada y por el motivo de la misma donde un grupo de personas corrñian tras una combi; esta peli era Little Miss Sunshine. No había oido nada de ella y verla fue realmente toda una sorpresa.

LMS es un road movie con todas las características que este tipo de películas nos ofrece: una familia que inicia un viaje motivados por que la hija menor participe en un concurso de belleza. Esta excusa sirve a los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris (en su ópera prima) para mostrarnos cómo una familia disfuncional se une a lo largo de un viaje tragicómico con un final esperanzador y que a la larga se convierte en una gran crítica del estilo de vida de algunas familias norteamericanas.

El inicio de la película es sorprendente: una breve presentación de todos los personajes y un almuerzo bastan para iniciar el viaje. Esta primera media hora es fundamental porque los directores, en base a planos sin movimiento, cerrados y muy iluminados nos muestran a una familia que aparentemente está unida en un almuerzo donde conocemos a un abuelo adicto y lascivo, a un joven que desde hace 9 meses no habla como reto para ser admitido en la Escuela de Aviación y como decisión personal; al tío homosexual, suicida e investigador de Proust, a la madre conformista; al padreescritorfrustado que tiene una teoría de 9 pasos para ser un ganador y finalmente a un personaje fundamental, la hija menor presionada por su padre para que nunca se convierta en una Loser, niña que también sueña con ganar un gran concurso de belleza.

Los directores del filme acertaron con mostrar gran parte de la película bajo la mirada de la niña (interpretada por la sorprendente Abigail Breslin). Se agradece que hayan roto con los tópicos del niño filosófico que a veces está presente en algunas películas de la gran industria (caso Dakota Faning por citar alguno). La niña es libre, inocente, sufre y sueña pero no se deprime ni reflexiona en ningún momento, simplemente su espontaneidad se transmite claramente en el filme.

Sobre el resto de personajes pues todos destacan, en especial Alan Arkin (quien interprte al abuelo). Su participación en el filme es fundamental, y en un primer momento odiamos al abuelo atípico, inmoral, sin valores a quien finalmente vemos como es el más claro en sus sentimientos, en su forma de ver la vida al estilo hippie y quien ama libremente sin las hipocresías que rodean al resto de sus familiares.

La peli además es una gran crítica a la cultura del éxito que rodea a la sociedad norteamericana y a la presión que ejercen los padres para que sus hijos alcancen triunfos que sus padres no lograron alcanzar. Greg Kinnear como padre está magnífico. Cree que el mundo está hecho para los ganadores porque en realidad él es un perderdor. Su rostro frente a las cámaras está alcanzando una madurez que se agradece. Ya no le teme a las arrugas y pasa de la tristeza al dolor sin poses ni sobre actuaciones. Lo mismo con la gran Toni Collette, madre de la niña en el filme.

A pesar de todo la peli es muy positiva. La tragedia ronda una parte de la peli pero la motivación de lograr el objetivo del viaje es más y hacia el final se nos pueden caer muchas lágrimas al sentir que la más inocente y limpia del grupo sufrirá. Durante las escenas finales, en el concurso de belleza, se nos muestra una realidad mundial: la b´suqueda de la belleza perfecta, los estándares de lo que es bonito y lo que es feo y de cómo muchas veces podemos influenciar a nuestros hijos, hacerles creer que esos estereotipos son los correctos cuando muchas veces lo auténtico, lo espontáneo y transparente es más sólido para crear una personalidad ganadora; eso mismo es lo que afrontan los perosnajes en el final del filme que en mezcla de risa y llanto nos hace reflexionar sobre cómo llevamos nuestra vida y sobre cómo muchas veces buscamos la felicidad en lo material y en logros públicos que no hacen más que someternos a un vacío espiritual del que muchas veces no logramos salir.

LMS es una peli que costó 7.5 millones de dólares. Ha recaudado muchísimo más y está llena de premios (es más, es una posible ganadora del Oscar a mejor película). Una muestra que para hacer un filme agradable, vistoso, divertido e inteligente no hay necesidad de un millonario presupuesto, ni de efectos visuales exagerados; basta una buena historia, sin grandes pretenciones pero con una visión del ser humano actual, vacío y lleno de problemas que siempre tiene una segunda oportunidad para superarlos. (manuel eyzaguirre)

¿Por qué contar con un cine nacional?

2007-01-25T13:49:00.000-05:00

En momentos en los que el cine nacional lleva una lucha desesperada por reclamar sus derechos, acá un ensayo que intenta explicar porque no nos podemos dar el lujo de despreciar la oportunidad de contar con un cine propio.

En Chile, se dio hace poco una ley que como objetivo el desarrollo, fomento, difusión, protección y preservación de la industria audiovisual y las obras existentes. Esta ley, sumada a las que ya existen en Argentina, Brasil y en otros países de América Latina, es una manera de hacernos ver la importancia que tiene para estos países el contar con una cinematografía propia, y de allí su protección.
En contraste, en el Perú, luego de que el ex ministro Boloña, en el segundo gobierno de Fujimori, derogara la ley 19327, no contamos con ninguna norma que proteja o fomente al cine nacional, ya que la actual, la 26370 ha demostrado ser casi inútil en la práctica, en vista que el Estado no cumplió con los compromisos que se autoimpuso, esto es, dotar de un fondo estatal que ayude a promocionar a los mejores proyectos de cortos y largometrajes, vía un concurso.
Por el contrario en países como Argentina, Brasil o yendo más lejos, Corea del Sur, que cuentan con una ley de cine, que exige a los exhibidores proyectar películas nacionales, ahora poseen una industria de cine que ha crecido mucho y está en vías de convertirse en un negocio muy rentable. Además el nivel artístico alcanzado por muchas de estas cintas, ha llamado la atención del mundo, al grado que tienen un lugar asegurado en los principales festivales de cine internacionales.
Pero ¿por qué hacerse tanto problema por una actividad que en todo este tiempo no ha podido constituirse en una industria rentable? ¿Por qué apoyar a unos señores que aparentemente no han logrado hacer nada interesante hasta hoy?
La respuesta se ha dado muchas veces ya: el cine no es mero medio de entretenimiento o evasión, el cine es además -y aunque muchos aún no lo tengan claro-, un medio de formación, por medio del cual se transmiten valores, hábitos y actitudes, etc. que de estar mal planteados, pueden ocasionar efectos perniciosos en los espectadores.
Sobre esta cualidad (o peligro), del cine se han escrito numerosos trabajos (al respecto se puede ver una interesante recopilación en “El Cine como medio de Comunicación y la Responsabilidad Social del Cineasta” ponencia de Alejandro Pardo del libro recopilatorio “La Ética Desprotegida”, 2004), por lo que creemos que ya está suficientemente demostrada y no vamos a incidir en ella.
ESPEJO DE LA REALIDAD
Justamente uno de los peligros de ser un medio de formación o deformación en este caso, es que los valores, hábitos y actitudes que se transmiten a través de las películas, son la mayoría de las veces ajenos a nuestra realidad, importados de otras realidades, lo cual puede llevar a causarnos daños que van desde la adopción de actitudes extrañas (¿cuántas modas nos ha impuesto el cine de Hollywood?) hasta la pérdida de nuestra identidad nacional.
El cine pues es un espejo de la realidad que lo rodea, y si los peruanos no contamos con un espejo en el cual mirarnos, pronto iremos olvidando lo que somos.
Claro, como algunos han mencionado (Ramos Salinas, 1997), existe el peligro de que ese espejo, refleje sólo una realidad parcial o sesgada; es justamente por eso, por lo que se hace importante la creación de una ley que garantice el acceso de la mayoría de interesados a la realización de películas y no solamente a una minoría reducida que imponga su visión.
Europa entendió muy bien el peligro de verse dominado por un solo tipo de cine, por eso en las últimas conversaciones antes de formar la Organización Mundial de Comercio, exigió al cine un trato de producto cultural –la llamada “excepción cultural”-, en lugar del de mero producto industrial que exigía Hollywood.
Ahora que estamos ad portas de firmar un tratado comercial con los Estados Unidos, sería muy importante que los señores negociadores, tengan en cuenta este detalle y no nos dejen desamparados, frente a lo que se conoce ya como la “colonización cultural norteamericana.”

Viviendo una democratización cinematográfica

2007-01-25T09:01:00.000-05:00

Por: Manuel Eyzaguirre

Estamos viviendo una revolución. La de los jóvenes cineastas en provincias. No hay muchos medios, pero sí creatividad para realizar proyectos de muchos estudiantes de Comunicación. Conozcamos un panorama general sobre los formatos en el cine y sobre el cortometraje en el Perú.

La democratización cinematográfica nace gracias a una revolución: la del vídeo digital. Hoy en día es fácil conseguir una vídeo cámara casera, tener una computadora con programas de edición y las miles de historias que deseamos contar. Esta revolución digital facilita la producción audiovisual con bajos recursos.

Pero entendamos algo: los filmes que vemos en una sala de cine, proyectados sobre una pantalla blanca y rectangular son FILMADOS, usando un rollo de 35 milímetros.

Ese material es muy costoso. Además, requiere de un proceso fotoquímico de revelado. Es decir, más billete. Con la tecnología digital nos basta una cinta de vídeo para grabar una hora de filme. Esa misma hora FILMADA costaría imaginemos- 500 dólares. Con una cinta Mini DV gastamos 15 soles por una hora de grabación. ¿No es acaso una diferencia importante?

Contra los conservadores
El cine es el arte, no es el formato, ni el soporte para realizarlo. Frase provocadora que levanta a los conservadores y puristas defensores del cine filmado con 35 milímetros.

Hay algo de cierto en ello: la imagen lograda al grabar en vídeo digital casero o semiprofesional no es como la del rollo cinematográfico. Sin embargo, eso no es lo más importante. La tecnología evoluciona, el 35 milímetros perderá vigencia, pero el lenguaje se mantendrá.

Hacer cine implica saber de lenguaje audiovisual. Es también manejo de técnica, por supuesto. Pero antes de lo técnico está lo sensible: sorprendernos y emocionarnos al ver un filme.

Es también producto del ver mucho cine. Verlo y analizarlo. Ir al cine para evadir la realidad, reflexionar, y para saber que algo pasa en el mundo.
Y está ese otro grupo, el de jóvenes que desean aprender cine para comunicar lo que llevan dentro; “crear creyendo en sus historias” y sabiendo que esa democratización les permitirá llegar a un público interesado en sus planteamientos.

El cortometraje, nuevo medio de expresión
En la actualidad, el cortometraje (película de corta duración que va desde el minuto hasta la media hora) se ha convertido en el medio de expresión de esos jóvenes. Los festivales de cortos, muestras, concursos, congresos y bienales difunden el trabajo de los cortometrajistas en su mayoría- estudiantes de Comunicación de las principales universidades del país.

Los cortometrajes en nuestro país tuvieron un primer apogeo en la década de los setenta cuando se promulgó la Ley del Cine. Ahí se estipulaba que antes de la función de una película -en cualquier sala de cine comercial- se debía proyectar un cortometraje nacional. Esta ley, promovió la generación de directores que experimentaron en el corto para luego producir largometrajes. Así sucedió con Francisco Lombardi, Augusto Tamayo, Aldo Salvini, El Grupo Chaski, entre otros realizadores peruanos.

En esa época, la misma ley apoyaba económicamente a los cortometrajistas para la producción de sus obras. Vale recordar que para ser proyectadas en las salas de cine debían estar filmadas en 35 milímetros.

En los ochentas, atravesamos una etapa oscura producto de la derogación de la ley. El estado no apoyó a los directores nóveles. Se dejó de producir cortos y dicha crisis duró aproximadamente 15 años. Los resultados son palpables: la producción de largometrajes tuvo un nivel creativo y de producción insipiente.

En la actualidad, el cortometraje nacional ha resurgido. Este renacimiento tiene apenas 6 años, producto no de una intervención gubernamental sino de la mencionada

REVOLUCIÓN DIGITAL.
Actualmente, se producen cientos de cortometrajes al año. La mayoría en vídeo digital y unos cuantos en celuloide. Lima, tiene el mayor número de realizaciones, pero las provincias están explorando el soporte digital, en especial Puno, Huancavelica, Ayacucho,
Juliaca, Huanuco y Cuzco, trabajando siempre historias de corte social y costumbrista.

En la costa norte la producción todavía está en ciernes de ser constante y aún no maneja el tema de la difusión como debería. Sin embargo, hay quienes apuestan por la realización. En Trujillo y Piura, la mayoría de universidades experimentan con obras de ficción, documental y vídeo arte. En ambas ciudades la temática de sus guiones varía entre lo urbano y lo marginal. Se abordan temas como la drogadicción, la prostitución, la pobreza, la disfunción familiar y la violencia.

El camino para la generación de futuros realizadores nacionales se está dando en todo el país. En nuestra Región el objetivo debe ser el mismo. Gran parte de la responsabilidad la tienen las Escuelas de Comunicación. Me atrevo a plantear caminos: organizar cine forums, ciclos de directores, usar películas como elementos didácticos en clase, promover los ejercicios visuales en aula, analizar filmes, enseñar lenguaje cinematográfico, dedicarse a la enseñanza de la redacción de guiones con visión humanista más que formalista; y sobre todo aprender a transmitir pasión por los audiovisuales. El camino es largo pero las ganas de producir en Chiclayo son muy grandes y es hora de empezar a hacerlo.

León, El Profesional

2007-01-22T21:02:00.000-05:00

Hay películas a las cuales el tiempo sólo las puede mejorar. León (ese fue su título original, en usa le pusieron el Profesional y acá el huachafísimo de "El Perfecto Asesino"), es una de ellas. Protagonizada por un ya consagrado Jean Reno, un sobreactuado y el gran debut de Natalie Portman, esta película demostró por qué Luc Besson era no sólo un director con sensibilidad, sino también un director con mucho olfato, pues la película fue un éxito de taquilla en todas partes, aunque la crítica de ese momento la trató con cierta indiferencia.
Besson retoma nuevamente ese mezcla de acción y ternura que había iniciado en Nikita, aunque ahora con personajes diferentes: él Legon, un efectivo y aparentemente frío asesino a sueldo, ella Mathilda, una niña de una familia disfuncional que acaba de ser exterminada por un policía narcotraficante, que intenta contratar a Leon para vengarse..
Desde el comienzo vemos que se trata de una relación sin futuro, no sólo por la diferencia de edades, sino porque la violencia que se ha instalado en sus vidas amenaza con destruirlo todo.
A pesar de eso Besson se las arregla para que en medio de ese infierno, nos muestra algunas de las escenas más tiernas de su cine: ambos mirando en el cine Singin' in the rain, caminando por las calles o simplemente conversando.
Claro está, mucha de este realismo no hubiera sido posible si el trabajo de Jean Reno, aquí en uno de sus mejores papeles, con una perfecta transición entre el frío asesino, al hombre de gran corazón y la gran Natalie Portman, en un rol que hasta ahora ella misma no ha podido superar, como la niña convirtiéndose en mujer, mezcla de inocencia y picardía, que no sabe que sentir por su salvador y protector.
Pero de todas las escenas me quedo con una de las cercanas al clímax, cuando Mathilda se mete en la vía de escape que le ha abierto León y casi de inmediato se da cuenta que ella no irá con él en esa fuga, la escena es tan conmovedora que es imposible no sentir nada al respecto.
Finalmente, no sé como Besson no se ha animado a hacer una secuela cuando todo parece cantado para que sea así:, Mathilda desapareciendo por un tiempo de la ciudad, internándose en la escuela y diciendole a su planta mascota a la que en gesto simbólico planta como una metáfora de que está echando raíces: "creo que por ahora aquí estaremos bien León".

Sequía en Cartelera

2007-01-22T10:08:00.000-05:00

Old Boy excelente película coreana injustamente maltratada en su paso por Chiclayo, por seguir favoreciendo películas comerciales.

Es increíble, tenemos dos multicines en Chiclayo, que hacen un promedio de 12 salas y prácticamente todas ellas pasan lo mismo: películas para niños y recontracomercialonas. Es una lástima, cuando no había ningún cine, hace relativamente poco tiempo, pensábamos que con cines multisalas veríamos muy buen cine, pero no este escasea y si llega es por un tiempo tan breve y con tan poca promoción que los que pueden verlo pueden considerarse benditos. Así ha ocurrido con Crash, la ganadora del Oscar el 2006, con la grande Volver de Pedro Almodóvar y también con la considerada el mejor estreno del año pasado Oldboy (Hipnosis Mortal) de Park Chan-wook cuyo cartel ni siquiera colgaron en el cine.

¿Estrenarán acá "Escondido" de Michael Haneke que acaba de obtener el aplauso unánime de la crítica limeña?

Ojalá esta sequía pase pronto, de lo contrario, tendremos que seguir refugiándonos en el cable. Y después preguntan por qué la piratería sigue creciendo en este país.

Pero parece que esta situación no es única de nuestro país, hace unos días en un blog argentino de cine (cinermis), alguien escribió al respecto:

¿Qué te sucede América, que casi el 25% de las películas que tienes planificado estrenar este año en mi país son precuelas, secuelas o remakes?
¿Qué te sucede América, que planificas las posibles continuaciones de nuevas películas antes, incluso, de empezar a rodar la primera?
¿Qué te sucede América, que tras importar a uno de los mejores directores de los últimos tiempos, este termina haciendo una remake? Y encima una remake propia. Si, ya sé que hasta el propio Hitchcock hizo una remake suya contigo. Pero antes había hecho Rebecca, también Notorius y La Ventana Indiscreta.
¿Que te sucede América, que reanimas personajes que hoy pisan -o pasan- los 60, para continuar con los (dudosos) héroes que supieron ser cuando tenían 40?
¿Qué te sucede América, que estás más infantil que nunca jamás, que la mayoría de las películas que envías a mi país son para niños –lo que no es tan grave- o mentes –lo que sí es muy grave- de entre 6 y 12 años?
¿Que te sucede América, que prefieres el dinero rápido y el divertimento sin digerir, aún a costa de rifar el prestigio que tantos supieron darte y que tantas nuevas olas más tarde te reconocieron?
¿Qué te sucede América que la tecnología te ha volado la cabeza, que recuperas películas sólo para presumir el grado de tu progreso técnico, sin animarte a más nada que repetir, con mucho detalle digital, lo que antes era torpe pero funcinaba a fuerza de pura fantasía?
¿Que te sucede América, que incluso te repites –y aburres- en tu nueva comedia –de los Sandler a los Stiller- que fue la mejor cara de tus últimos años?
¿Qué te sucede América, que tus mejores directores se evaporan y convierten en marcas publicitarias que auspician películas de no tan grandes directores?
¿Qué te sucede América, que tu cine independiente –ese que supo llamarse John Cassavetes o Jim Jarmusch- es cada vez más dependiente de las divisiones de negocios para cine independiente de los grandes estudios?
¿Qué te sucede América que compras al mercadeo guiones y derechos en el lejano oriente?
¿Qué te sucede América, que gastas cada vez más dinero en publicidad y publicidad en el dinero, mientras invertís cada vez menos ingenio en películas?
¿Qué te sucede América?, dime, ¿qué?

autor Luciano tomado del blog Cinermis

¿Nuevo James Bond? me quedo con los de antes

2007-01-18T10:25:00.000-05:00

Llámenme anticuado, vejestorio, obsoleto. Díganme que voy contracorriente o contra la moda, pero definitivamente este nuevo James Bond, no me convence para nada. Y que conste que no estoy atacando a Daniel Craig, un actor que al menos se esfuerza por hacer lo mejor que puede, sino en este nuevo James Bond que han reiventado Barbara Brocolli, Michael Wilson y cia.

Contagiados por esa especie de fiebre que hay en Hollywood (Batman Begins, Superman Returns, los actuales dueños del 007 también quisieron reinventarlo y a pesar de que tuvieron una oportunidad dorada de hacerlo con un interesado Quentin Tarantino y un motivado Pierce Brosnan, utilizando su lado más empresarial desecharon a esta dupla y decidieron tirar todo por el suelo, para reiventar al agente, reiventando casi todo.

Lo más triste de esta reinvención es que casi no se dice nada sobre ella en la película. Sólo tenemos indicios de cómo obtuvo James Bond su condición de doble 00 (la famosa licencia para matar) y porque es que luego se volvió tan frío y seductor con las mujeres. De sus orígenes, de su carácter, de su entrenamiento, no sabemos absolutamente nada.

En cambio, demostrando que los guionistas de Hollywood una vez más suplantan su casi total ineptitud para contar historias con efectismo, tenemos cualquier cantidad de persecuciones y explosiones. Hay una de ellas, en la primera parte del film, que dura tanto, que es francamente insoportable y hasta da risa ver que los productores pretenden justificarla diciendo que para ella utilizaron Sebastien Foucan al campeón del dudoso deporte del Parkour (en el cual supuestamente los obstáculos ayudan al corredor a moverse con más facilidad), para darle más espectacularidad.

El Bond que interpreta Craig casi no piensa, sólo está para correr, disparar y golpear o mejor dicho ser golpeado, porque en esta cinta le dan duro (no en vano Craig se voló dos dientes en una escena). Además como signo de los tiempos, también está para lucir su anatomía, porque en Casino Royale en una escena aparece totalmente sin ropa, en un desnudo casi frontal injustificado, explicable sólo si quiere leer como un intento de los produtores para atraer público de otros segmentos (el hoy financieramente atractivo sector gay).

Otro punto menos de la cinta es el malvado, aunque nuevamente aquí la culpa no es de él Mads Mikelsen parece un buen actor, y convencía con esa cara de piedra que casi no dejaba expresar emoción alguna, pero su personaje es tan plano, tan opaco, que pasará desapercibido en la lista de villanos Bond.

Lo mismo podemos decir de Eva Green, cuyo personaje después de ser abiertamente hostil a Bond, termina perdiendo la cabeza completamente por él, en un giro prácticamente inexplicable. La pobre Green trata de lucirse, pero el guión es tan pobre que no lo deja.

Bueno ni que decir del realizador Martin Campbell, un artesano esforzado, que ya ha probado anteriormente que sino cuenta con un buen guión, sus películas son puro efecto.

Pero, ¿Casino Royale no tiene nada de rescatable? sí, algo tenía que tener y es un excelente uso de las locaciones, sobre todo en la parte central del filme, que en el filme se desarrolla en Montenegro y que en realidad se filmó en la república Checa. Desde el increíble verde de las montañas que se ven en el tren, pasando por la pintoresca ciudad donde está el Casino del título hasta el increíble balneario del lago donde está el sanatorio en el que se recupera Bond, estas locaciones son realmente fuera de serie, muy pocas veces vistas en el cine. Aunque resulta un poco triste que en una película de este tipo lo que más destaque sean los paisajes.

Lamentablemente para quienes gusten de las buenas cintas de Bond, esta película ha sido todo un éxito, lo cual significa que tendremos que soportar a este nuevo 007 algunas veces más. Mientras tanto los demás a seguir buscando entre los dvds los títulos del inagualable Sean y del simpático Roger.

Anónimo Veneciano

2007-01-17T09:57:00.000-05:00

Esta es una película de la que muy poco se comenta últimamente. A mí me llamó la atención porque recuerdo haberla visto en los afiches del Cine Sullana (ahora ya no existe ningún cine en esa ciudad) allá en los lejanos '70 en una de mis primeras asistencias al cine, pero no tenía mayor referencia. Gracias al canal de cable Europa Europa, pude apreciarla por primera vez y me sorprendió gratamente, me pareció un interesante antecedente de las dos entregas de Richard Linklater "Antes de..." y escribí esto al respecto:

ANTES DEL ANOCHECER

Anónimo Veneciano
Título original: Anonimo Veneziano Director: Enrico Maria Salerno Productor: Turi Vasile. Guión: Giuseppe Berto y Enrico Maria Salerno Música Original: Stelvio Cipriani Fotografía: Marcello Gatti Edición: Mario Morra Diseño de Producción: Luigi Scaccianoce Vestuario: Danda Tortona Protagonistas: Florinda Bolkan (Valeria) y Tony Mussante (Enrico) Producción: Ultra Films. País y Año de Producción: Italia, 1970 Censura: M14 Duración: 91 minutos

“No hay nada nuevo bajo el sol”, dice el refrán y después de apreciar este verdadero clásico, rescatado de los años ’70 podemos darle enteramente la razón. Mucho de lo que Linklater hace con maestría en sus dos Before...y que nos parecía novedoso, ya aparece en este único film de Enrico Maria Salerno, que bien podría cerrar la trilogía del cineasta norteamericano y llamarla: Antes del Anochecer.
Salerno un actor secundario, famoso más por haber sido la voz que dobló a Clint Eastwood en los spaghetti western de Sergio Leone que por los roles que interpretó, no deja de sorprender en este su único film rodado hace ya casi 40 años.
La historia que se nos cuenta es simple: Enrico un músico fracasado que padece de una enfermedad terminal, llama a su aún esposa (quien huyó de su lado hace algunos años, para rehacer su vida con otro hombre en otra ciudad), para reunirse en Venecia.
Ella acude con miedo porque presiente un chantaje, pero una vez allí, sólo se limitarán recorrer las calles y canales de Venecia, donde luego de recordar el pasado y contrastarlo con el presente, él le hablará de lo penoso de su condición actual.
Ubicada en un gris tiempo presente, con saltos al pasado (flashbacks), el director maneja con maestría estos tiempos, alternando una Venecia decadente y opaco del otoño del hoy, con la Venecia radiante y alegre de un aparentemente largísimo verano del pasado.
Todo esto acompañado con el archiconocido tema musical de Stevio Cipriani, que funciona como un verdadero leitmotiv a lo largo de toda la película. Si a esto agregamos otros temas y la bellísima composición final barroca que da título al filme, tenemos como resultado una de las bandas sonoras más logradas de la década de los ’70.
Por supuesto es digna de destacarse las grandes actuaciones de Tony Mussante y Florinda Bolkan, explosivo y frenético él, contenida y misteriosa ella; sobre los cuales se sostiene gran parte del peso del film. Los diálogos que ambos mencionan suenan bastante creíbles, y naturales y nos dan toda la información necesaria sobre su truncada relación. A eso ayuda sin duda el idioma italiano, que permite hablar con velocidad gracias a su cadencia (por eso cerciorarse de ver una versión subtitulada).
Se suma a estos dos personajes, el de la ciudad de Venecia, cuya presencia en el film es imprescindible. Esta cinta no hubiera podido filmarse en ningún otro lugar con estos resultados. La ciudad, que sabemos está muriendo lentamente, no es sólo la escenografía donde se desarrolla esta historia, es todo un personaje, que se va despidiendo del mundo, al igual que el gran amor que nos cuenta esta película.
Finalmente, hay que destacar la fotografía y la edición. La primera que nos muestra una increíble cantidad de planos de la ciudad, acompañados de unos movimientos de cámara bastante complicados de lograr pero que cumplen con el cometido de seguir a los personajes hasta los más recónditos lugares.
Y la edición que logra un ritmo ágil, por momentos nervioso, pero que en ningún momento traicionan el sentido del film y ayuda a que la película despierte la curiosidad y sea más fácil de seguir por el espectador. Muestra además unas ingeniosas transiciones entre los flashbacks y los tiempos actuales, verdaderos adelantos que aún hoy parecen tales.
No sabemos bien lo que ocurrió con Salerno después, cuáles fueron los motivos que impidieron que siga filmando, pero sin duda con esta ópera prima, este actor italiano logró una verdadera obra maestra, injustamente relegada, pero que hoy gracias a la televisión por cable y los dvds, estamos comenzando a revalorar.

Presentación

2007-01-17T08:11:00.000-05:00

Este es un blog que recomenzamos con la intención ahora sí de darle continuidad. Aquí comentaremos en principio todas las películas que nos llamen la atención y luego artículos, homenajes y noticias sobre el gran mundo del cine. Esperamos tener mejor suerte que la primera vez y nos puedan leer un poco más.