tag:blogger.com,1999:blog-24038156181675573582024-03-08T10:51:56.512-05:00El Norte Del CineMilton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.comBlogger180125tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-4216919928154385462024-02-23T10:20:00.006-05:002024-02-23T10:35:31.101-05:00American Fiction<p> <span style="font-family: arial;">Thelonious Monk Ellison es un escritor intelectual de mediano éxito, que enseña literatura en una universidad y que hace tiempo que no publica nada porque le rechazan sus libros. Luego de un lío con una alumna, lo envían a un descanso forzado donde se reencontrá con su familia y también con el éxito que tienen libros escritos por autores negros, que están llenos de clichés y estereotipos.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Harto de que se ensalcen libros que para él no solo están mal escritos sino que cuentan historias repetidas, decide escribir una novela en ese estilo a la que al inicio pretende llamar <i>My Pafology</i>, empleando para ello un seudónimo gracioso Stagg R. Leigh. Su agente al inicio piensa que se volvió loco, pero luego al ser aceptado inmediatamente por una editorial y luego ser pretendido por Holywood para llevarla al cine, se convierte en impulsor del proyecto.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Monk tiene entonces que crear un personaje, un fugitivo de la justicia que tiene esconderse para poder escribir. Sobra decir que él no se siente cómodo en el personaje y peor aún cuando la novela entra a un concurso en el él mismo participa como jurado.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Film debut del guionista Cord Jefferson (quien ha participado en divertidas series de comedia como <i>Master of None, Watchmen</i> o <i>The Good Place</i>), quien mezcla hábilmente el drama, en este caso centrado en las relaciones del protagonista con su disfuncional familia y la comedia, que nos muestra la hipocresía de ciertos sectores del público a la hora de comprar libros.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheS4WCkiLvnmJNtK9CrnrnWioWGoU7Ug0F_EUNnuD6UhJfVgdlKZo36BDYpF0GT3qwFm0tunv_CJRt-6pygrP7v-SEdTwn6e3t7ACQVPadm9i3vIj9mP4iUEcoIeGR7wZglplyg_WH3oNyb-lSFgWnDKEbeGC_YBrq7tnNQRJB_eqDHlvjJdPCh0ry7p-p/s779/am%20fiction.PNG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="476" data-original-width="779" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheS4WCkiLvnmJNtK9CrnrnWioWGoU7Ug0F_EUNnuD6UhJfVgdlKZo36BDYpF0GT3qwFm0tunv_CJRt-6pygrP7v-SEdTwn6e3t7ACQVPadm9i3vIj9mP4iUEcoIeGR7wZglplyg_WH3oNyb-lSFgWnDKEbeGC_YBrq7tnNQRJB_eqDHlvjJdPCh0ry7p-p/w400-h245/am%20fiction.PNG" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span></div></div></div></div></div><p></p><p><span style="font-family: arial;">Lo que más destaca del film, obviamente es la presencia de Jeffrey Wright, un gran actor que hace rato merece ya un oscar, pero que hasta ahora solo obtuvo un Globo de Oro por un papel en una serie televisiva hace años. Lo acompaña un elenco bastante competente Tracee Ellis Ross, John Ortiz, Erika Alexander, Issa Rae y Sterling K. Brown, quienes logran darle la réplica a Wright tanto en los momentos dramáticos como en los de humor.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Se nota la fibra de buen guionista de Jefferson no solo por su habilidad de saltar del momento más dramático a otro cómico, sino también por los diálogos de los personajes, muy realistas y algunos de ellos muy inteligentes y también por crear escenas muy atractivas, como la que da inicio al film, y en la que se muestran ya varios de los elementos que el director va a satirizar a lo largo de la película.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Mención aparte merece la banda sonora a cargo de Laura Karpman, quien en base a pocos instrumentos (en los que sobresale un piano), logra componer un score que va de la mano con el humor mordaz y el tono contenido de la película.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En suma se trata de dramedia, fresca, original y de muy buen nivel para un director debutante. El único problema es el final. <i>American Fiction</i> te deja con ganas de más y esto que el director no solo te da un final sino tres, para que se escoja el que más convenga; pero en ninguno de esos tres finales (spoiler alert!!) te cuenta qué pasó con la sátira. Hubiera dado mucho gusto ver las caras de los lectores engañados.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Aún así, <i>American Fiction</i> merece llevarse al menos una estatutilla, sino es la de Jeffrey Wright, al menos la de mejor guion adaptado para Cord Jefferson, quien ojalá nos regale más de sus historias en los años que vienen.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-18973961496233555652024-02-22T13:56:00.003-05:002024-02-23T09:03:02.441-05:00La Zona de Interés<p><span style="font-family: arial;">Jonatan Glazer es un director británico que se inició filmando videoclips para bandas como Blur o Radiohead y que luego dio el salto al cine con <i>Sexy Beast</i>. Cuenta solo con cuatro largometrajes entre los que podemos destacar <i>Birth</i> y la cuasi experimental <i>Under the Skin</i> con Scarlett Johanson.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Esta vez ha decidido apadtar <i>The Zone of Interest,</i> basado en la novela del mismo título del escritor inglés Martin Amis, y que cuenta la vida cotidiana de una familia de nazis que vive en una casa de campo en Auschwitz, justo al lado del infame campo de concentración donde fueron gaseados e incinerados miles de judíos.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En lugar de elegir el tratamiento convencional seguido en películas sobre el Holocausto que muestran los horrores de los campos de concentración, Glazer prefiere centrarse en el día a día de la familia del oficial Höss quienes parecen vivir una vida idílica en una magnífica residencia campestre, al lado de un río, con piscina y muchas de las comodidades existentes en la época.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiXkML0DGMag9ZjZJex8KQLPPMYvPVl6qlKG43x2PZnOLlSztvkX6-LUPjiWg970hongiGa7BaWllrD6VdL6e5PDuHgWcNjVyJa5-aMKi0aZLjeTM_0GvdRpW3YVUfktMHkQiZQL4yXzsRZ1S0WHOWdaZf9aiN6a8K8btzoOMYquOIc6BowL6KW1oqiS1Fu" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="210" data-original-width="375" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiXkML0DGMag9ZjZJex8KQLPPMYvPVl6qlKG43x2PZnOLlSztvkX6-LUPjiWg970hongiGa7BaWllrD6VdL6e5PDuHgWcNjVyJa5-aMKi0aZLjeTM_0GvdRpW3YVUfktMHkQiZQL4yXzsRZ1S0WHOWdaZf9aiN6a8K8btzoOMYquOIc6BowL6KW1oqiS1Fu=w400-h224" width="400" /></a></div><br /><br /><p></p><p><span style="font-family: arial;">Glazer además prefiere mostrarnos esa realidad desde cierta distancia, empleando planos amplios mayormente fijos, en los que se pueden apreciar varios elementos en el encuadre, y cuando este no alcanza, emplea travellings laterales, que nos dan una idea bastante aproximada de cómo es la casa de los Höss y la "normalidad" en la que se empeñan en vivir día a día.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Particularmente hay un encuadre recurrente: uno con la cámara desde el interior de la casa, al fondo de un estrecho pasillo, desde el que se ve la puerta y todos los que entrarn y salen del hogar Höss.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La elección de este tratamiento que intenta demostrar la teoría de "la banalidad del mal" de la filósofa Hanna Arendt, es interesante porque nos indica que a pesar del empeño de negar el mal, su esencia oscuara termina por permear la vida de la familia a través de pequeñas cosas como restos de piezas dentales, humo, resplandores de fuego que iluminan las noches y hasta la contaminación del río vecino, el único momento en el que la famlia parece experimentar el horror al salir corriendo a enjuagarse a las duchas de la casa.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Estas intrusiones del horror genocida en la familia Höss van in crescendo, y hasta parecen insmicuirse en los cuentos que les cuentan a los niños antes de dormir, como el famoso Hansel und Gretel, con el que se hace un interesante paralelismo con los hornos de la masacre.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Glazer se permite un flash forward que puede tomar desprevenido al espectador: de un momento a otro aparecemos en el Auschwitz actual, ahora ocupado por un museo, señal clara de que el director desea anclar el pasado en el presente y que esta historia que cuenta podría volver a ocurrir. Lamentablemente con los hechos que estamos viviendo todo indica que ese es un escenario posible.</span></p><p><span style="font-family: arial;">The Zone of Interest tiene cinco nominaciones al Oscar. Glazer se ha asegurado al hacer el film en alemán, porque sino se llea el premio a mejor película, podría llevarse el Oscar a mejor film en idioma extranjero, aunque se trate de una producción británica.</span></p><p><br /></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-40715994356758064692024-02-16T13:25:00.003-05:002024-02-18T22:51:39.897-05:00Los que se quedan<p> <span style="font-family: arial;">Alexander Payne era junto con Wes Anderson y otros, uno de los directores con mejor futuro de los que aparecieron a fines de los 80 y principios de los 90 en Hollywood: había obtenido dos Oscar por las películas <i>Sideways</i> y <i>Los Descendientes</i>, dos comedias dramáticas con buenas actuaciones.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Su estrella sin embargo pareció apagarse en el 2017 luego del estreno de <i>Downsizing</i> una comedia de ciencia ficción que inicialmente iba a ser protagonizada por Paul Giamatti (quien fue uno de los artífices del logro de <i>Sideways</i>) pero fue reemplazado luego por Matt Damon, la película no tuvo éxito de público y la crítica la señaló como uno de los puntos más bajos de su carrera. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero todo cambió cuatro años después cuando se anunció el reencuentro de Payne con Paul Giamatti para llevar al cine el guion de David Hemingson <i>The Holdovers</i> (Los que se quedan), otra comedia dramática ambientada en un colegio privado de la costa este norteamericana.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Paul Giamatti interpreta a Paul Hunham un veterano profesor de Historia que debe quedarse a cuidar a un grupo de estudiantes que ha sido "abandonado" (held over) por sus padres y se quedarán a pasar allí las vacaciones. Poco después un helicóptero se lleva a la mayoría de ellos menos a Angus Tully, quien se debe quedar de todos modos por estar castigado.</span></p><p><span style="font-family: arial;">De este modo el enorme colegio se quedará prácticamente solo con tres habitantes Tully, el profesor Hunham y la cocinera Mary Lamb, una dama de color que no ha superado la pérdida de su hijo. Entre estos tres solitarios personajes de desarrollará una relación que irá pasando del recelo a la complicidad y deciden iniciar un viaje que los llevará a la vecina Boston, donde la cocinera se quedará visitando a su hermana.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><i>The Holdovers</i> nos ha traído sin duda al mejor Payne, aquel que brilló en <i>Sideways</i>, <i>Nebraska</i> o la casi perfecta <i>About Schimdt</i>, la cual nos regaló una de las últimas mejores actuaciones del hoy retirado Jack Nicholson. El director logra poner en escena un guion inteligente dosificando momentos del refinado humor que siempre lo caracteriza, y haciendo entretenida la historia a pesar de sus más de dos horas de duración.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgz4RiWwGMpxHC3LmR__wgNLNX_xf5Gw1uH51_qshs3EdT6h5Mmras1FKNPz8mnK95zvrFvaqY_-yurD028giyWqrfEdmWHjdX74P2oFEpekhyQ-f2-bCwWILOQXQ12HRGTlCe481euQyvEWQIhzHq6akEGhamLmjIKDJPQIjdLjrAMiT_NJVeL_eZdwuhB" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="563" data-original-width="1000" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgz4RiWwGMpxHC3LmR__wgNLNX_xf5Gw1uH51_qshs3EdT6h5Mmras1FKNPz8mnK95zvrFvaqY_-yurD028giyWqrfEdmWHjdX74P2oFEpekhyQ-f2-bCwWILOQXQ12HRGTlCe481euQyvEWQIhzHq6akEGhamLmjIKDJPQIjdLjrAMiT_NJVeL_eZdwuhB=w400-h225" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Pero obviamente lo que más destaca son las estupendas actuaciones de Giamatti, Da'Vine Joy Randolph y el joven Dominic Sessa, quienes componen a una divertida banda de personajes solitarios a los que nadie parece importarle. El vínculo que ellos componen ante nuestros ojos no solo resulta creíble sino que se vuelve hasta entrañable.</span></p><p><span style="font-family: arial;">A pesar del tono nostálgico que impregna la mayor parte del film y el final no tan feliz, la película se aprecia con entusiasmo y alarga la lista de buenos trabajos que se han presentado para la temporada de premios de este año. La tiene difícil, pero esperemos que logre al menos uno de los premios.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-60405922257822644482024-02-07T12:29:00.005-05:002024-02-07T12:29:47.514-05:00Vidas Pasadas<p><span style="font-family: arial;">Celine Song es una dramaturga, guionista y directora coreano-canadiense, que dejó su tierra natal a los 12 años para irse con su familia a Canadá en busca de un futuro mejor. La película de la que hablamos hoy: Vidas Pasadas (<i>Past Lives)</i>, es su film debut que fue todo un éxito en Sundance el año pasado.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Cuando uno lee la sinopsis de <i>Past Lives</i> piensa que se va a encontrar con el típico melodrama telenovelesco de amores no correspondidos, pero ya desde el primer plano de la película (primero por el orden cronológico, porque en realidad es un plano medio conjunto), mostrando a tres personajes en la barra de un bar, criticadas por un par de voces en off que no volveremos a escuchar jamás, nos damos cuenta que estamos frente a un drama que no tiene nada de típico.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La acción retrocede 24 años en el tiempo y nos muestra a Nae Youn y Hae Sung dos adolescentes de 12 años que caminan juntos de regreso a la escuela, la primera llora y él trata de consolarla. Poco tiempo después se separarán porque ella se mudará con su familia a Canadá.</span></p><p><span style="font-family: arial;">12 años después, Nae se llama ahora Nora y vive en Nueva York donde está desarrollando su carrera como escritora. Conversando con su madre, de pronto recuerda a Hae y lo ubica en Facebook. Ambos inician entonces una especie de relación a distancia, en la cual recuerdan su adolescencia y desarrollan cierta química entre ellos. Hasta que un día Nora le pide no hablar más porque pasará todavía mucho tiempo para que se vuelvan a encontrar físicamente.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Después de esa interrupción vuelven a pasar otros 12 años más, hasta que Hae Sung logra viajar a Nueva York, donde Nae se ha desarrollado como escritora y está casada con Arthur otro escritor a quien conoce en un retiro. ¿Qué pasará en este encuentro?</span></p><p><span style="font-family: arial;">Con una gran sutileza y unos diálogos sencillos pero al mismo tiempo de un gran significado, la directora nos sumerge rápidamente en los vaivenes de esta complicada relación que no es amical, pero tampoco llega a ser amorosa.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Valiéndose de un trío protagonista de lujo, encabezado por una enorme Greta Lee a quien acompañan Teo Yoo y John Magaro, quienes muchas veces dicen más con sus silencios y gestos que con sus vonces, Celine Song compone un drama romántico hermoso e irresistible.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Para ser un film debut Song maneja el lenguaje audiovisual del film con gran solvencia, mérito compartido con su director de fotografía Shabier Kirchner. Juntos logran unos encuadres perfectos, desde los planos en que ambos personajes conversan a distancia por Skype, pasando por las tomas en pareja o en triángulo, donde todos están posicionados en perfecta armonía visual.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Son particularmente significativas (solo por nombrar algunas), la toma en la que Hae y Arthur se conocen, los planos de los tres en el bar y por supuesto la escena final de la espera del Uber, que termina con un emotivo travelling.</span></p><p><span style="font-family: arial;">A esto podemos agregar las tomas de un Nueva York que a pesar de ser el mismo que se muestra a los turistas, aparece ahora impregnado de una peremne nostalgia la cual se entrelaza firmemente con el estado de ánimo de los protagonistas.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjJQ7-AqJsnFw_67o8U3_LPoDly2tlnctFwt5coKGNLK5c031I6ULcynHw5s3y1EfMkQU0eKbm0C5VGbn_eaIGxyNswEKXN0A808Pd-d1Qtem782Mjz9Qt2L65BBR026mlRtC_DE9sfImx9SFyZhhEWXFqvYxpsl6F4iLLJhn24xO7hYZK3eTEXHrzaWhJm" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="563" data-original-width="1000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjJQ7-AqJsnFw_67o8U3_LPoDly2tlnctFwt5coKGNLK5c031I6ULcynHw5s3y1EfMkQU0eKbm0C5VGbn_eaIGxyNswEKXN0A808Pd-d1Qtem782Mjz9Qt2L65BBR026mlRtC_DE9sfImx9SFyZhhEWXFqvYxpsl6F4iLLJhn24xO7hYZK3eTEXHrzaWhJm=w640-h360" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;"> En suma Celine Song ha logrado con esta muy personal Past Lives una obra maestra, probablemente el mejor drama romántico que hayamos visto en los últimos 10 años, lo cual implica un problema, porque Song se ha puesto a sí misma la valla muy alta. Veremos cómo sale de este aprieto.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-4833100003557713892024-02-04T21:04:00.003-05:002024-02-04T21:15:17.772-05:00Anatomía de una caída<p><span style="font-family: arial;">Sandra Voyter es una exitosa escritora alemana que vive con su marido y su hijo en una solitaria casa en los Alpes. La película empieza con una entrevista que es interrumpida súbitamente por la reproducción a todo volumen de la versión instrumental de Pimp de 50 cent, que aparentemente su marido ha tocado a propósito.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Luego de despedir a la entrevistadora, Sandra regresa a su casa a tomar una siesta mientras su hijo Daniel sale a pasear con el perro. Al regresar el niño encuentra el cuerpo de su padre tirado en la nieve, con un reguero de sangre. Su madre se convierte así en la principal sospechosa de lo que a muchas luces parece ser un crimen.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Enseguida es acusada por la fiscalía de Grenoble y su fría y ambigua actitud, sus dificultades para expresarse en francés (con su familia se comunicaba siempre en inglés), y las reveladoras discusiones que el esposo dejó grabadas en audios, hacen que su condena parezca inevitable. De hecho los medios de comunicación y las redes sociales ya parecen tener un veredicto cuya confirmación solo parece cuestión de tiempo.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Justine Triet, quien ganó la Palma de Oro de Cannes del año pasado con este film, nos va mostrando a través de flashbacks (algunos de ellos fuera de campo) y a cuentagotas información desde distintos puntos de vista, para que vayamos armando el rompecabezas, aunque muchas veces esa información parece más desviarnos que llevarnos hacia la verdad. </span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhi1hGSxIAYCu-mfcdcclLVNFa5zOdV7YyTbI9QNOJHAA_bnaKupa_q235XfvLSf8UVfsvtGV79WZr1abmzjS8BvOuNHvHJQGpRfM9GFxx4ATx4ka0pUySIXatvPKsHTMgAd2pmrVgCEMkjSR5_IKLqSPJ4pdzrtuV0ky1DG-WwV8Inb4_Hm_RFoPjaNTL-" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="649" data-original-width="1200" height="346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhi1hGSxIAYCu-mfcdcclLVNFa5zOdV7YyTbI9QNOJHAA_bnaKupa_q235XfvLSf8UVfsvtGV79WZr1abmzjS8BvOuNHvHJQGpRfM9GFxx4ATx4ka0pUySIXatvPKsHTMgAd2pmrVgCEMkjSR5_IKLqSPJ4pdzrtuV0ky1DG-WwV8Inb4_Hm_RFoPjaNTL-=w640-h346" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Triet se vale de un muy solvente reparto para sumergirnos en el desarrollo de un proceso que va tomando giros extraños. Destaca nítidamente la alemana Sandra Hüller como Sandra, Swan Arlaud, Antoine Renartz y el niño Milo Machado-Graner quien también sale airoso del desafío de encarnar al invidente hijo de la pareja.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Con referencias que van desde <i>Anatomía de un Crimen</i> de Otto Preminger (de la que toma mucho más que el título), pasando por dramas de Hitchcock, Bergman y del mismo cine francés (<i>Le pull-over rouge</i> de Michel Drach, 1979) la directora construye un sólido drama judicial, que además de beber de las fuentes del cine clásico, es también una dura crítica a la sociedad actual.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En efecto, el mundo en que vivimos hoy donde una gran mayoría (sobre todo aquellos que se dedican a estar en redes socailes) parece centrado en juzgar y condenar, antes de tomarse la molestia de averiguar qué ha pasado realmente.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Con cuatro largometrajes en su haber, Justine Triet va confirmando las esperanzas que puso en ella hace unos diez años el crítico Stephane Delorme de la revista Cahiers du Cinema, cuando la consideró una revelación por su film <i>La Batalla de Solferino</i> (2013). Merece llevarse al menos uno de los cuatro óscars a los que está nominada.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-54694484391907468032024-01-27T11:30:00.007-05:002024-01-27T11:51:50.800-05:00Pobres Criaturas<p><span style="font-family: arial;">Desde sus inicios el cine Yorgos Lanthimos ha sido particulamente perturbador, no solo por las películas que hizo en su Grecia natal como <i>Canino</i> (Kynodóntas, 2009) sino también por sus trabajos posteriores en inglés con actores de Hollywood como <i>El Sacrificio del Ciervo Sagrado</i> (The Sacrifice of a Sacred Deer, 2017) o <i>La Favorita</i> (The Favourite, 2018). Incluso sus trabajos más ligeros como la comedia The Lobster (2015) tenía su respectiva cuota turbadora.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><i>Pobres Criaturas</i> (Poor things, 2023) no iba a a ser la excepción. Basada en la novela homónima de Alasdair Gray y con guion de Tony Mc Namara, la película es una mezcla de comedia negra, terror gótico, road movie y drama de autodescubrimiento pero todo ello mezclado con el estilo Lanthimos.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La película tiene tres partes bien marcadas. La primera mostrada en blanco y negro, nos presenta la casa del científico loco Godwin Baxter, que es una especie de isla del Dr Moreau, donde varios animales domésticos se pasean con la cabeza de otros. En ese entorno es donde ha "nacido" Bella, una joven que se ha suicidado y que ha sido reanimada por el doctor.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Esta primera parte es una curiosa reinterpretación de la novela gótica de Frankenstein, porque Godwin Baxter aunque muy inteligente es en realidad el monstruo de Frankenstein al que su padre realizó crueles operaciones transformándolo en ser horrible, aunque de trato aparentemente amable. Y este monstruo es el que crea su propia criatura, quien al contrario de él es un ser bello, inteligente, con muchas ganas de aprender, aunque con la edad mental de una infante.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Los tonos del blanco y negro, la escenografía y los decorados de esta parte rinden homenaje (aunque al Lanthimos style) a la películas de terror gótico de los años 30. La diferencia radica en los continuos cambios de lentes (se usan mucho el ojo de pez y el gran angular), y los nerviosos movimientos de cámara que nos ayudan a compenetrarnos con el mundo de Bella Baxter.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La segunda ya a a color, pero con unos colores muy saturados, inicia con el viaje de Bella a un Lisboa retrofuturista, totalmente estilizado y artificial que recuerda los escenarios y el color de las películas pintadas a mano de Georges Mellies. Ella es en cierta forma seducida por el abogado Duncan Wedderburn, y se inicia en el conocimiento del sexo y las relaciones con otros seres humanos.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Wedderburn ve que ella va a volar alto en cualquier momento y la secuestra en un viaje por barco, que presenta lugares todavía más estilizados que los escenarios anteriores. Pero la sed de conocimientos y experiencias de Bella es insaciable y termina por robar a Duncan y por ello ambos son obligados a desembarcar en Marsella de donde luego irán a París.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjuHKcpJZ4Zdg80yEoxsiwm32QFmvnLBD9noUDkMUv9zT1wnA9tzddq2DAODJgA2mMNq3XN2YVj744UbE-VXMCJButP4eNMCgcQ-348jLvjNPPcGN78edkEMa4s8j0AXmXbxybU30wONPxXngEH0KFOCImWg93nCjzSFwtBJRz0eAPU9aBg5QV2Y9lA7Zzw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="457" data-original-width="1085" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjuHKcpJZ4Zdg80yEoxsiwm32QFmvnLBD9noUDkMUv9zT1wnA9tzddq2DAODJgA2mMNq3XN2YVj744UbE-VXMCJButP4eNMCgcQ-348jLvjNPPcGN78edkEMa4s8j0AXmXbxybU30wONPxXngEH0KFOCImWg93nCjzSFwtBJRz0eAPU9aBg5QV2Y9lA7Zzw=w640-h270" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Aquí comienza la última parte, de apariencia algo más realista y sombría que las anteriores. En la capital francesa Bella conocerá a una "madame" quien con engaños la obliga a ejercer el meretricio, hasta que una carta del asistente de Godwin Baxter (el joven doctor Max McCandless quien por cierto estaba comprometido en matrimonio con Bella), anunciando la próxima muerte del médico, la obliga a regresar a Londres.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Todo este viaje de autoconocimiento de Bella es para el espectador como subirse a un tren que discurre por paisajes irreales, algunos de pesadilla. Aparte de la estética y el lenguae audiovisual de Lanthimos, es sumamente destacable el aporte de Emma Stone, quien compone una Bella completamente creíble y con la que a pesar de su extraña humanidad, no es difícil empatizar. Tiene casi asegurado su Oscar a mejor actriz.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Está acompañada de un gran reparto en el que brillan con luz propia el gran Willem Dafoe, Mark Rufallo ( a pesar de ser un villano algo caricaturesco) y el joven Ramy Youseff como el médico McCandless. Incluso los personajes que aparecen poco y tienen pequeños diálogos con Bella, están muy bien.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Mención aparte merece la extraña banda sonora de Jerskin Fendrix, la cual con sus distorsiones y disonancias, terminan por rendondear las particulares, excesivas y surrealistas atmósferas de varios momentos del film.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><i>Pobres Criaturas</i> no va a gustar a todos. Pero confirma a Lanthimos como uno de los cineastas más originales e interesantes de la actualidad.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-4081748955070211682024-01-14T20:42:00.004-05:002024-01-14T20:44:06.422-05:00El retorno de Miyazaki<p><br /></p><p><span style="color: #cccccc; font-family: arial;"><b>El Niño y la Garza</b></span></p><p></p><p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Hace poco más de una década el
director de ánimes Hayao Miyazaki anunciaba su retiro y agregaba que su
película despedida iba a ser <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Viento se
Eleva</i> (2013), una animación basada en la biografía de Jiro Horikoshi, un
diseñador y constructor de aviones que fue clave para Japón durante la segunda
guerra mundial. Si bien se trató de una película correcta estaba muy alejada
del estilo de Miyazaki y a muchos les supo <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>a decepción.<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Felizmente el gran realizador
japonés se retractó y después de poco más de diez años ha regresado con
Kimitachi wa Dō Ikiru ka (¿Cómo viven?) basada libremente en la novela homónima
de Yoshino Genzaburo, de 1937. Para América Latina el título es diferente:
se ha optado por la traducción del título dado en inglés: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Niño y la Garza.<o:p></o:p></i></span></p>
<p style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; text-decoration-thickness: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">La película comienza con un bombardeo a Tokio durante la Segunda
Guerra Mundial y con el niño Mahito (Májto, se pronuncia) intentando ingresar
al hospital incendiado intentando rescatar a su madre, algo que resultará
infructuoso. Siguiendo la tradición su padre se casa con la hermana menor y se
lleva a Mahito al campo a vivir con ella.<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Si bien la primera parte el film parece
adoptar el tono realista de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Viento se
Eleva</i>, ni bien llegamos a este segundo escenario nos damos cuenta que el
resto de la película no será así, que ese campo donde se ubica <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la casa tienen más signos del bosque de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mi Vecino Totoro</i> (1998) o del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Castillo Ambulante de Howl </i>(2004), que
de los lugares donde Horikoshi probaba sus aviones. <o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Uno de esos signos son las
7 ancianas que viven en la residencia campestre, que parecen más ser siete
espíritus silvestres que personas mayores. Luego está el extraño castillo del
lago, de aspecto siniestro y abandonado y finalmente claro está la garza gris,
un animal en principio amenazador pero que luego va a comportarse más como un
guía (aunque a duras penas) de la excursión de Máhito a los inframundos.<o:p></o:p></span></p><p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiWfyKGwRhHbES7dM3Wyh3b5AtscGeLJA34H-IfKTf6Z4Gn6bOvasq8fwOrVF5Cy3FEXbH6glgyEiBrDgNnb52kixeTyM1Q4WZYmAVZEkoyE_1rZULJh8FgGp5GaEKwxOFaq0-IqiyH7JQN_9PKuDcyZukyy0X8A4Ow_sjRbqnOG8_WCVMyND5ilms96NCz" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: #cccccc;"><img alt="" data-original-height="545" data-original-width="1280" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiWfyKGwRhHbES7dM3Wyh3b5AtscGeLJA34H-IfKTf6Z4Gn6bOvasq8fwOrVF5Cy3FEXbH6glgyEiBrDgNnb52kixeTyM1Q4WZYmAVZEkoyE_1rZULJh8FgGp5GaEKwxOFaq0-IqiyH7JQN_9PKuDcyZukyy0X8A4Ow_sjRbqnOG8_WCVMyND5ilms96NCz=w640-h272" width="640" /></span></a></div><span style="color: #cccccc;"><br /><br /></span><p></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Desde los primeros planos <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Niño y la Garza</i> atrae de inmediato,
empezando por los agradablemente imperfectos trazos de la animación
tradicional, cada vez más escasos en el cine, colorizados y animados de manera
impecable, continuando con el universo sonoro del film, que brinda a este la
tridimensionalidad que necesita.<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Miyazaki nos somete junto a su
protagonista, en un viaje de iniciación por unos mundos paralelos al nuestro,
regidos por un demiurgo ya cansado, que está a la búsqueda de un sucesor. El
color, los elementos, y los movimientos que apreciamos en estos mundo poblados
por seres parecidos a los que habitan nuestro mundo, pero al mismo tiempo dan
diferentes, es como subirse a un avión en constante turbulencia.<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Aunque estos mundos sean más un
reflejo de los miedos del personaje (que a su vez vendrían a ser los miedos del
realizador), es un mundo que tiene también su atractivo, especialmente para los
seguidores del realizador japonés quienes reconocerán elementos, como el océano
y las islas del Viaje de Chihiro (2001) y hasta citas de sus películas anteriores:
el pelícano agonizante cuyo aspecto y mensaje tiene mucho del jabalí
falleciendo de La Princesa Mononoke (1997).<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Tratándose de Miyazaki no vamos a
encontrar en el film personajes buenos y malos, sino personajes que en algún
momento antagonizan pero luego se reconcilian o cambian. De igual modo,
tratándose de un film de este director, la película es impredecible: no hay
modo de saber dónde nos conduce la travesía del héroe, ni quiénes aparecerán
para ayudarlo o estorbar en su camino y eso la hace aún más interesante.<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">Mención aparte merece la música
de Joe Hishaishi, quien acierta con los temas que acompañan el film, temas que
generalmente comienzan con piano a los que luego se añade la orquesta. El final
no hubiera sido el mismo sin la grandilocuencia de la música en ese momento.<o:p></o:p></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="color: #cccccc; mso-bidi-font-size: 13.5pt;">En suma se trata de una gran
película de Miyazaki, que sería una despedida mucho más digna que la anterior,
aunque felizmente parece que no lo será, porque hay noticias de que el maestro
se encuentra embarcado en otro proyecto que vería la luz en algunos años.
Esperamos con ansias este posible nuevo trabajo del realizador japonés.<o:p></o:p></span></p><br /><p></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-65370767307404073002023-12-31T18:42:00.003-05:002024-03-08T10:51:24.338-05:00Las mejores del 2023<p><span style="font-family: arial;"> Este año ha sido uno de muy buenos estrenos, los principales festivales como el Festival de Lima del a Pucp y la Semana del Cine de la Universidad de Lima, entre otros, se esforzaron por traer películas recientes que habían triunfando en Cannes, Berlín o Venecia. Si bien no tuvimos mucho tiempo para mirar todo lo que hubiéramos querido, se hizo el esfuerzo y como resultado les ofrezco esta lista con lo que mejor pudimos ver en este 2023 que se va.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En orden de preferencia: Estrenos comerciales y en plataformas de streaming)</span></p><p><span style="font-family: arial;">1) Killers of the flower moon de Martin Scorsese (Apple)</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKJFXFDPucq3lStc47JCar92VBK7D8fUHXxi7P_m1nasnjNT0lr2oklR0LAQKR_VgvD8jn42eKvAOF6koUrhM3gB88DKeO5M6TqjF-mg86dHMYJtA4fHERejuEHOdyoZHV9h4IAcKb0d4tNLPablBlxt_oAK5Zz7aGhiq8wwLbFiDkGcyPfL02xijmLcQ3/s547/killewrs.PNG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="354" data-original-width="547" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKJFXFDPucq3lStc47JCar92VBK7D8fUHXxi7P_m1nasnjNT0lr2oklR0LAQKR_VgvD8jn42eKvAOF6koUrhM3gB88DKeO5M6TqjF-mg86dHMYJtA4fHERejuEHOdyoZHV9h4IAcKb0d4tNLPablBlxt_oAK5Zz7aGhiq8wwLbFiDkGcyPfL02xijmLcQ3/w400-h259/killewrs.PNG" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span></div></div></div></div><p></p><p><span style="font-family: arial;">Si la película no hubiera sido del todo lograda, basta el tema que toca (el asesinato en serie de varios indígenas Ossage en Estados Unidos) para que este película ocupara los primeros lugares de esta lista. Pero gracias al Cielo, se trata además de una gran película con estupendas actuaciones, excelente reconstrucción de época, una edición impecable y una banda sonora que nos mete de lleno en su compleja trama.</span></p><p><span style="font-family: arial;">A destacar el ingenioso epílogo hablado (radial), muy diferente al clásico texto de letras blancas que pasan sobre un fondo negro.</span></p><p><span style="font-family: arial;">2) Los Delincuentes de Rodrigo Moreno (Mubi)</span></p><p><span style="font-family: arial;">Moreno redefine el subgénero de los films de robos con una película que va transitando por caminos inesperados y que termina más como una oda a la libertad y al encuentro con la naturaleza.</span></p><p><span style="font-family: arial;">3) Tar de Todd Field </span></p><p><span style="font-family: arial;">Si la perfección tuviera un nombre ese sería Cate Blanchett. Cuando pensábamos que ya no podría superar actuaciones como la de Blue Jasmine, nos regala este retrato de una directora de orquesta genial y tiránica a la vez Lydia Tár está en la cumbre de su carrera, cuando una serie de eventos, en cierta forma provocados por ella, destrozan su vida profesional.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La película de Todd Field es también una reflexión sobre el poder negativo de las redes sociales, el ambiente de polémica y tensión permanente que generan, así como de la llamada Cultura de Cancelación, veradero linchamiento mediático.</span></p><p><span style="font-family: arial;">4) La Memoria infinita de Maite Alberdi (Netflix)</span></p><p><span style="font-family: arial;">Alberdi nuevamente consigue la atención internacional con un nuevo documental, esta vez sobre el Alzheimer que padece del ex presentador de televisión chileno Augusto Góngora, quien es acompañado en la difícil travesía de sus últimos días, por la actriz Paulina Urrutia.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Dolor, tristeza, desesperanza, pero también amor, lealtad y resignación hasta el final, impregnan este desgarrador documental, toda una proeza del género.</span></p><p><span style="font-family: arial;">5) Oppenheimer de Christopher Nolan (HBO hoy MAX)</span></p><p><span style="font-family: arial;">Nolan regresa con una biografía de un personaje polémico, el físico Robert Oppenheimer padre de la bomba atómica. Pero lo hace alejándose completamente del biopic tradicional, tanto por el montaje discontinuo, por algunos momentos surrealistas, como por la espectacularidad de las acciones. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Con actuaciones descollantes de Cillian Murphy, Robert Downey Jr., Florence Pugh y Emily Blunt, el director británico logra uno de los puntos más altos de su carrera.</span></p><p><span style="font-family: arial;">6) Close de Lukas Dhont (Mubi)</span></p><p><span style="font-family: arial;">7) Decision to leave de Chan-Wook Park</span></p><p><span style="font-family: arial;">8) Women Talking de Sarah Polley</span></p><p><span style="font-family: arial;">9) The Fabelmans de Steven Spielberg (Disney)</span></p><p><span style="font-family: arial;">10) Asteroid City de Wes Anderson</span></p><p><span style="font-family: arial;">Muy probablemente esta lista hubiera sido encabezada por Aki Kaurismaki y su film Hojas Muertas, lamentablemente solo se estrenó en Lima y no pude verla.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En Orden de Preferencia (festivales y medios alternativos)</span></p><p><span style="font-family: arial;">1. Cerrar los Ojos de Victor Erice</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNQpjw3AYeSwkLjWcAiFJkZMP7XrYZZof2ePhOAZR8mEcpoAffnevjLnLiI0SiU4HQmJW5MMWOe0TxZE0uQxAXvU8CD-gq4oyNmrzNuO-sAUbo7ICQ5dENCJ5YTSyenrhxMks-8p6bsL-6uNQgUOPyvOhSGeWG77okkM0i8VhyCjtvieaewWsD8OzatLj-/s556/1cerrarojos.PNG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="358" data-original-width="556" height="258" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNQpjw3AYeSwkLjWcAiFJkZMP7XrYZZof2ePhOAZR8mEcpoAffnevjLnLiI0SiU4HQmJW5MMWOe0TxZE0uQxAXvU8CD-gq4oyNmrzNuO-sAUbo7ICQ5dENCJ5YTSyenrhxMks-8p6bsL-6uNQgUOPyvOhSGeWG77okkM0i8VhyCjtvieaewWsD8OzatLj-/w400-h258/1cerrarojos.PNG" width="400" /></a></div><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Un canto de amor al cine de uno de los más grades maestros de la historia del cine español. En casi tres horas de metraje Erice nos hace despedirnos de un cine que ya prácticamente se ha ido, a través de unas escenas plenas de nostalgia y muy emotivas a pesar de su aparente distancia.</span></p><p><span style="font-family: arial;">2. Cuando acecha la Maldad de Demian Rugna</span></p><p><span style="font-family: arial;">3. Roter Himmel de Christian Petzold</span></p><p><span style="font-family: arial;">4. Puan de María Alché y Benjamin Naishtat</span></p><p><span style="font-family: arial;">5. Il sol dell'avvenire de Nanni Moretti</span></p><p><span style="font-family: arial;">6. Retratos Fantasmas de Kleber Mendonca Filho</span></p><p><span style="font-family: arial;">7. May December de Todd Haynes (proximamente en Netflix)</span></p><p><span style="font-family: arial;">8. The Holdovers de Alexander Payne</span></p><p><span style="font-family: arial;">9. Pacifiction de Albert Serra</span></p><p><span style="font-family: arial;">10. Anatomie d'une Chute de Justine Triet</span></p><p><br /></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-71264761684233330532023-12-27T20:00:00.006-05:002023-12-31T17:33:38.809-05:00El Maestro y el fin del mundo<p><span style="font-family: arial;"> Bradley Cooper es un actor que debutó como director en el 2018 con el drama <i>Nace una estrella</i>, película que además protagonizaba con la cantante Lady Gaga y que tuvo muy buena recepción tanto de público como de crítica en esos años, al punto que estuvo nominada a 8 óscares (aunque solo se llevó uno a mejor tema original).</span></p><p><span style="font-family: arial;"><i>Maestro</i>, es la segunda película que protagoniza y dirige, considerada por algunos como "la película que consagrará a Bradley Cooper como realizador", se centra en la vida amorosa del pianista, compositor y director de orquesta Leonard Bernstein.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Sin embargo, desde los primeros minutos nos damos cuenta que lejos de ser un film consagratorio <i>Maestro</i> es una decepción. Tras una acelerada y casi insufrible introducción en blanco y negro, en la que se nos muestra cómo Bernstein llegó a consagrarse como director de orquesta y cómo conoce a Felicia Montealegre, compañera de vida para sus próximos años, se evidencia que la historia que se quiere contar está mal planteada y desarrollada.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEisp0iPPMtn59yZYotl-Dzibf_9QS-UVvZcgMVT9IeBjX27n_hpdVCz8PDs5lYXFT3_yKaCysm6n06JI53fgSCFmbuM5FUjNuGy3qL2b8_tbKcFL9H5_bh9OzK-QqA3zkPS46sE8_zdbjdKUAnrn8rqZyO8vAbey_vIYY0Q1KohBayX7hLFJEkq3wFDVKpy" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="630" data-original-width="840" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEisp0iPPMtn59yZYotl-Dzibf_9QS-UVvZcgMVT9IeBjX27n_hpdVCz8PDs5lYXFT3_yKaCysm6n06JI53fgSCFmbuM5FUjNuGy3qL2b8_tbKcFL9H5_bh9OzK-QqA3zkPS46sE8_zdbjdKUAnrn8rqZyO8vAbey_vIYY0Q1KohBayX7hLFJEkq3wFDVKpy=w400-h300" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Luego de esa edulcorada introducción en blanco y negro, sigue una que aparenta ser más seria, ahora a color (que trata de imitar los tonos del technicolor de la época), en donde se muestra la agitada vida marital de los Bernstein, la llegada de los hijos y los problemas sentimentales y profesionales que amenazan la relación.</span></p><p><span style="font-family: arial;">El problema es que todo esto está tratado de manera muy superficial, pareciera que Cooper y sus guionistas hubieran querido meter mucha información a esta historia y por eso da la sensación de que todo se ha hecho con gran prisa, sin profundizar ni en tramas ni personajes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Lo peor sin embargo es la caracterización del personaje de Bernstein, reducido en el film a mera caricatura. En efecto, el músico es mostrado como un personaje que se avalanza sobre cada joven nuevo que ve, que no para de fumar (prácticamente no hay un solo plano en el que Cooper no aparezca con un cigarro en la mano), y que habla con un artificial tono gangoso (basta ver videos antiguos en You Tube para darnos cuenta que Bernstein no hablaba así) lo cual desmerece todas las escenas supuestamente dramáticas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Lamentablemente arrastra en sus errores a Carey Mulligan, actriz competente quien encargna a su esposa Felicia, pues en las escenas que aparece con él, también suelta sus diálogos a toda velocidad, y parece contagiada de esa prisa por terminar pronto que hemos mencionado antes. El resto de personajes, prácticamente son satélites que giran alrededor de la pareja protagónica.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Lo único rescatable es escuchar la música de Mahler y otros compositores, pero desgraciadamente también ésta pasa casi siempre a un segundo plano y apenas se destaca en alguna escena.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Es una pena que se desperdicie una oportunidad tan importante de retratar la vida de un personaje tan interesante como Leonard Bernstein, cuyas virtudes, defectos y complejidades son mucho más ricas que las que nos muestra esta fallida película de Cooper. Ojalá se reinvidinque más adelante.</span></p><p><span style="font-family: arial;">DEJAR EL MUNDO ATRÁS</span></p><p><span style="font-family: arial;">Algunos días atrás Netflix estrenó otro film que no obtuvo tan buenas críticas, se trata de <i>Dejar el mundo atrás</i>, una cinta de Sam Esmail, conocido por ser uno de los showrunners de la serie de ciencia ficción Mr Robot. Se decía de ella que tenía buen arranque pero que luego se iba desinflando.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y efectivamente tiene un buen arranque: La historia de una familia que parece que por fin va a vivir las vacaciones soñadas en las playas de Long Island y a la que le empiezan a ocurrir cosas extrañas como ser testigos de un enorme buque que encalla en la playa, una serie de hechos aparentemente sin conexión (como la aparición de manadas de venados y la internet que se ha ido) y finalmente la visita de dos extraños que dicen ser los dueños de la casa que ellos han rentado. Todo esto llama mucho la atención del espectador y deja con ganas de continuar la historia, aunque esta haya sido divida en partes, recurso que no aporta nada y más bien distrae.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Más adelante las cosas raras se van multiplicando, casi todo el mundo parece haber desaparecido, hay drones soltando miles de panfletos, sonidos extraños que se reproducen en cualquier momento y que parecen reventar los tímpanos, animales que llegan en manadas a las casas, las carreteras se han bloqueado por cientos de autos autoconducidos que han perdido el control y se estrellan unos con otros, etc.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En medio de todo este caos creciente, los residentes y los dueños de casa que inicialmente se ven con mucha desconfianza, no les queda otra cosa que ir confiando unos en otros, porque se ve que lo que está ocurriendo es serio. Esta quizá sea el momento menos convincente: cuando Julia Roberts y Mahershala Ali, pasan de casi golpearse a terminar bailando pegados, pero felizmente este deliz de intimidad es dejado de lado rápido.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjtUeXr7yIrSfiAqAUc0h5FkO4z6d7eawm-ilt62UNoKEa4Q-9mCUQL8hcvJYGq6G2e_7DXg9-SNkWoflbymyLJX9kwmojsJyI3FOwUxVwfMScdOp8GcXHlIw5XlSecu_jYVfDykHmtdx9Cf0seSZPhoGxRxThoNXSMYmTX5MU-o14OOJuR0HhHrGLCK_ik" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="530" data-original-width="1024" height="208" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjtUeXr7yIrSfiAqAUc0h5FkO4z6d7eawm-ilt62UNoKEa4Q-9mCUQL8hcvJYGq6G2e_7DXg9-SNkWoflbymyLJX9kwmojsJyI3FOwUxVwfMScdOp8GcXHlIw5XlSecu_jYVfDykHmtdx9Cf0seSZPhoGxRxThoNXSMYmTX5MU-o14OOJuR0HhHrGLCK_ik=w400-h208" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">El resto del reparto está muy bien, nos ayudan a convencer de que algo muy malo está pasando. Destacan especialmente Ethan Hawke y Kevin Bacon, que tienen una tensa escena (probablemente la mejor) cerca del final .</span></p><p><span style="font-family: arial;">A quienes no les ha gustado, señalan que la película se queda en el aire, que no muestra nada y que no resuelve nada. Pero considero que no hace falta desarrollar nada más, lo que la película hace es plantear Mc Guffins, ese recurso hitchcockniano que se emplea como gancho y que justamente su gracia reside en que apenas necesita ser explicado, y nos va soltando información a cuentagotas, para que nosotros armemos el desenlace.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Muchos thrillers y películas de terror justamente se hechan a perder en el momento de la revelación: cuando conocemos al monstruo o la explicación de todo lo que ocurre, y descubrimos que ese monstruo o esa explicación no están a la altura de todo lo que hemos visto. Entonces no siempre es necesario mostrar al monstruo, a veces es mejor dejarlo en indicios.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y bueno, nadie puede negar que el final si bien no resuelve nada es bastante original: el personaje de la adolescente Rose (Farrah Mackenzie), por fin ha econtrado el dvd con el capítulo final de la serie <i>Friends</i> que estaba viendo cuando se fue la internet, el mundo se puede venir abajo, pero ella será la más feliz de todos.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-46516102223948635122023-12-17T21:25:00.001-05:002023-12-17T21:25:15.410-05:00May December<p><span style="font-family: arial;">Todd Haynes, director californiano nacido en 1961, es un cineasta con especial sensibilidad para tratar las relaciones humanas complejas, como lo ha demostrado en varias películas, entre ellas los melodramas <i>Lejos del Cielo</i> (Far from heaven 2002) y <i>Carol</i> (2015), que le valieron nominaciones y premios importantes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Tiene también una habilidad refinada para ambientar sus películas, no solo por una adecuada dirección de arte, sino también por el uso del color como referente de una época, de allí los tonos cercanos al technicolor de los años '50, justo la época en la que se ambientan sus mencionados trabajos. Esa tradición la rompe en cierta forma en esta película, ya explicaremos porqué.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><i>May December</i> (<i>Secretos de un Escándalo</i>, es el título que le dará Netflix cuando la estrene por acá el próximo año), se basa libremente en un hecho real que escandalizó a los Estados Unidos en los años 90: el de Mary Kay Letourneau, una profesora que se enamora de uno de sus alumnos de 13 años y termina embarazada de él. Luego se le acusa de violación de menores y es sentenciada. Cuando salió de la cárcel se casó con su ex estudiante.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En la película Mary Kay se llama Gracie y es interpetada por la siempre brillante Julianne Moore, y la historia inicia cuando en medio de una parrillada, llega Elizabeth (la también brillante Natalie Portman) una actriz que pasará una temporada en el pueblo, tratando de recabar la mayor cantida de información posible sobre el escándalo ocurrido años atrás.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La llegada de Elizabeth a la apacible Savannah, Georgia irá desenterrando cosas del pasado, lo cual hará la vida más difícil para Gracie y Joe, su exalumno y ahora esposo.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Todo este proceso de revivir esta especie de tragedia ocurrida años atrás, es tratada con bastante sutileza por Haynes; aunque hay momentos donde los personajes alzan la voz, la mayor parte de las acciones ocurren con calma y con las actrices y demás personajes hablando en voz baja, muchas veces hasta con susurros.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Por supuesto que los momentos en que ambas aparecen son los que más llaman la atención en el film, son grabadas en planos fijos, utilizando el plano reflejado en el espejo y ocupando cada una un lugar equidistante, lo que resulta en composiciones muy equilibradas y armónicas. Además parece haber gran complicidad entre ambas, ya que se entienden más por los gestos, que por las palabras.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEifFNRO0Dkkzdupkt3qZpWGKlV6dnAFMr8n-cnDfHFacArjIfAhaH8LeGxpR7x5Yy1pOQ026A8i29HRgUtORIsG0SiKorE2l-yaBAaiQsMETUGxX0zDpewKMsa9l-Leuy3CJ1Mq3fp3Fq7w5ENnUzBwT2L_NNy13yURJBsK6HQukJ7U_bvgciKUbLLG_cNR" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="576" data-original-width="1024" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEifFNRO0Dkkzdupkt3qZpWGKlV6dnAFMr8n-cnDfHFacArjIfAhaH8LeGxpR7x5Yy1pOQ026A8i29HRgUtORIsG0SiKorE2l-yaBAaiQsMETUGxX0zDpewKMsa9l-Leuy3CJ1Mq3fp3Fq7w5ENnUzBwT2L_NNy13yURJBsK6HQukJ7U_bvgciKUbLLG_cNR=w400-h225" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Estos momentos (uno de los cuales ha sido usado para el poster del film), nos hacen recordar algunos de los planos que usó Ingmar Bergman para <i>Persona</i> (1966) con Liv Ullman y Bibi Anderson película en la que ambos personajes terminan en una especie de fusión.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En cuanto a la parte formal, existe acá una ruptura con lo que Haynes ha venido haciendo en varios de sus films, pues en <i>May December</i> no le interesa emplear una dirección de arte y una fotografía que coincidan plenamente con el tiempo en el que se ubica la historia, sino más bien darle un aura atemporal, lo cual hace mucho más intrigante al film.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y así tenemos unos objetos, mobiliarios y escenarios que podrían ser de 1990 pero también del 2010 (que por los celulares, parece ser el tiempo en el que se ambienta el film), una fotografía e iluminación que a veces recurren a halos y sedas (y también los gusanos que la producen), como se hacía en los 80 y un tema musical que funciona como leitmotiv, compuesta por Michel Legrand y que fue parte del soundtrack de una película británica de los '70:<i> El Mensajero</i> de Joseph Losey. </span></p><p><span style="font-family: arial;">En suma, Haynes ha vuelto acertar con una película muy original, que utiliza un insumo escabroso para darle un tratamiento totalmente original y presentarnos una historia con unos personajes muy ricos, a los que nunca intenta juzgar, sino presentarlos con sus miserias, sus egoísmos y también sus virtudes. Por ello ya está apareciendo en las principales listas de lo mejor del año de varias organizaciones.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-43139980533571801382023-11-13T19:45:00.001-05:002023-11-19T16:47:15.972-05:00El Asesino<p><span style="font-family: arial;">David Fincher es en estos momentos quizá uno de los directores con una personalidad más destacable en Hollywood actual, una personalidad labrada a través de años de buenas películas entre las que podemos mencionar <i>Seven</i>, <i>The Game</i>, <i>Fight Club</i>, <i>Zodiac</i>, <i>The Social Network</i> y Mank (esta última para Netflix), a la vez con una participación decisiva en series (también para Netflix) como la versión norteamericana de <i>House of Cards</i> y <i>Manhunter</i>, trabajo que lamentablemente ha dejado inconcluso.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Ahora ha regresado con <i>El Asesino</i> (The Killer), thriller basado en la novela gráfica del mismo nombre de Alexis Nolent e ilustrada por Luc Jacamon y cuyo guion ha sido escrito por Andrew Kevin Walker. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Parte de su origen de comic se ve revelado en los minutos iniciales, cuando lo único que escuchamos es la voz en off del protagonista (un siempre eficiente Michael Fassbender) hablándose a sí mismo, recordando los consejos que lo han llevado a ser uno de los profesionales de la muerte más cotizados del momento. Estos minutos pueden resultar algo cansados y quizá desanimar a algunos espectadores.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Aunque son también estos minutos los que nos dan un retrato fiel del personaje: metódico, obsesivo, perfeccionista y desconfiado, que ha hecho del autodiálogo su modo de vida, además de escuchar siempre a los temas ochenteros de los Smiths.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero luego ocurre un hecho fortuito que da un giro a las cosas y marca inicio a una venganza implacable. Con varios puntos en común <i>The Accountant</i>, cinta de Gavin O'Connor estrenada en 2016 y protagonizada por Ben Affleck, la diferencia se encuentra, en que esta película de Fincher se centra más en el aspecto interior del personaje, aunque sin descuidar para nada la acción.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhjo1SslDoOf1jH1_BBooGvoE80-t2sTMh6H69HAQdpzHzva6OgkMXyklNjlSFdyp6MvRAg_5Y69KO8xPd1n74OebJ3JEL5TxjHY3amqY7ZqFJPTUEnVTQbIoSEHoairs_-jEVL3M-CJSP52IR5AjzuazBHDjS_DmiZkYp-plhACiEZMAOJfH0MVQv3XuV8" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="146" data-original-width="344" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhjo1SslDoOf1jH1_BBooGvoE80-t2sTMh6H69HAQdpzHzva6OgkMXyklNjlSFdyp6MvRAg_5Y69KO8xPd1n74OebJ3JEL5TxjHY3amqY7ZqFJPTUEnVTQbIoSEHoairs_-jEVL3M-CJSP52IR5AjzuazBHDjS_DmiZkYp-plhACiEZMAOJfH0MVQv3XuV8=w640-h272" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Fincher logra así un equilibrio casi perfecto en las escenas de acción, con peleas bien coreografiadas, diálogos creíbles y escenas bien fotografiadas a pesar de que muchas de ellas estén situadas en locaciones oscuras o con poca iluminación. El sonido juega también un papel clave para terminar de consolidar las atmósferas de las respectivas escenas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La trama es bastante simple y lineal: un personaje buscando venganza y tratando de sobrevivir. A pesar de ello, el espectador la sigue con atención hasta llegar al final que no es tan previsible, pero que era uno de las opciones más consecuentes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En suma otro vehículo que dará que hablar de Fincher un tiempo más, aunque no se sitúe al nivel de sus grandes obras como <i>Se7en</i>, <i>The Fight Club</i> o <i>Zodiac</i>.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-74562136848688133532023-11-05T21:10:00.001-05:002023-11-05T21:10:22.293-05:00Pain Hustlers<p><span style="font-family: arial;">La crisis de los opiáceos en Estados Unidos fue un hecho delicado, mediante el cual las farmacéuticas por prescribir erróneamente medicina que terminó generando una gran cantidad de adictos. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Al respecto se han creado algunas producciones interesantes como el documental <i>El Crimen del Siglo</i> de HBO, o las series de ficción <i>Dopesick</i> o <i>Medicina Letal</i>, esta última también en Netflix. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Pain Hustlers se basa en la novela de Evan Hughes, llamada <i>The Hard Sell</i>, que antes fue un artículo publicado en The New York Times. Los nombres de la empresa y los protagonistas fueron cambiados en el film. Di</span><span style="font-family: arial;">rigida por David Yates, <i>El Negocio del Dolor</i>, prometía al menos estar al nivel de estas y el reparto atractivo parecía confirmar esta primera impresión.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero desde el comienzo vemos que Yates no tiene claro cómo quiere contar su historia, empieza con una voz en off, luego testimonios de estilo documental en blanco y negro y finalmente adopta un tono ligero que parece que vamos a ver una comedia.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjLb7MztsAL_ULjz8p8gf1HaQxVam4QWmpsJEFoGx4WxuwFaysX432HCE7Ye0GRqbSG79a8aYDZAsGWZFhoa9uaLIi0CmbW1CXaoJd70LEjzxvG8W-1rSz_SbSnlnCHa_pjUD78NGfp_OoqjYycR4yOkWlwWHKGAx-r9_NHMlBxppoAR9BExIPZQESViQWu" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="4061" data-original-width="7200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjLb7MztsAL_ULjz8p8gf1HaQxVam4QWmpsJEFoGx4WxuwFaysX432HCE7Ye0GRqbSG79a8aYDZAsGWZFhoa9uaLIi0CmbW1CXaoJd70LEjzxvG8W-1rSz_SbSnlnCHa_pjUD78NGfp_OoqjYycR4yOkWlwWHKGAx-r9_NHMlBxppoAR9BExIPZQESViQWu=w400-h225" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Pero no cualquier comedia: Yates imita mucho el estilo que usó Martin Scorsese en <i>El Lobo de Wall Stret</i>, con una Emily Blunt como la versión femeninda de Leo Di Caprio y además con el ritmo, la locura y los excesos de ese film.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero Yates no es Martin Scorsese y la supuesta gracia de <i>Pain Hustlers</i> se va evaporando poco a poco, a medida que la película intenta ponerse seria, tono que debió adoptar desde el comienzo, porque los miles de adictos y las muertes que ocasionaron el actuar irresponsable de varias farmacéuticas norteamericanas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Si la cinta mantiene el interés se debe en gran parte al trabajo actoral de los eficientes Chris Evans, Emily Blunt y Andy García, actores que se meten en el papel y lo sacan adelante a pesar de las limitaciones de su construcción.</span></p><p><span style="font-family: arial;">El tema sin embargo, da para más: es bastante amplio y ojalá que otro director se anime a contar una historia más seria y con mayor rigurosidad que la que nos ha traído David Yates, vía Netflix.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-46959463367980156842023-10-15T18:46:00.001-05:002023-10-15T18:46:35.572-05:00Cuatro Cuentos de Roald Dahl de Wes Anderson<p><span style="font-family: arial;">Que Wes Anderson parece estar llegando a un momento límite de su trayectoria, es cada vez más evidente. Ya en <i>Asteroid City</i>, la película en el que lleva su estilo en el que la dirección de arte opaca todo lo demás, al extremo, estaba dando muestras de eso.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En esta ocasión ha querido llevar a la pantalla cuatro cuentos no muy famosos (al menos de este lado del continente) del escritor británico Roald Dahl: <i>La Maravillosa vida de Henry Sugar, El Desratizador, Veneno</i> y <i>El Cisne</i>. Cabe destacar que es la segunda vez que Anderson adapta una obra de Dahl, antes lo hizo con El Fantástico Sr. Fox, una de sus mejores películas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">El primer cuento, que es el más largo, cuenta la vida de Henry Sugar un tipo que desarrolla la habilidad especial de ver sin abriri los ojos, está protagonizada por Bennedict Cumberbatch. El Desratizador (The Ratman) es probablemente la historia más macabra, cuenta las siniestras habilidades exterminadoras del personaje del título encarnado por Ralph Fiennes. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Veneno (Poison) es probablemente el más humorístico de todos, aunque hay que tener en cuenta que se trata del humor de Anderson, en esta ocasión el personaje principal interpretado por Cumberbatch llama a su sirviente (Dev Patel) para que le ayude a quitar una serpiente que se ha quedado dormida en su estómago, mientras él leía un libro en su cama.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Finalmente El Cisne (The Swan), es quizá el más logrado de todos, aunque es también el más minimalista; en este corto, la escenografía ha sido reemplazada por paredes y puertas de paja y la historia es contada por un narrador (Rupert Friend) que supuestamente es también el protagonista: un niño que se enfrenta a dos bullys salvajes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Cabe destacar que Fiennes es el único actor que aparece en todos los cortos, encarnando al autor de todos ellos, Roald Dahl.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Para todos estos cortos, Anderson emplea el mismo recurso narrativo, es uno o varios de los personajes los que van contando la historia, y lo hacen sin apenas adaptar el texto del original: los actores prácticamente no actúan, sino recitan el texto narrativo de cada historia.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Si bien Anderson había usado voces en off y narradores omniscentes en algunos de sus films anteriores, lo que hace acá es mucho más audaz y experimental y no siempre le sale bien. Especialmente en el primero de los cortos mencionados, donde todos los actores recitan acelerados y con voz monocorde unos textos extensos que terminan por exasperar al espectador.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhRuh0EgTCy39rwHeKZrWEdjTsjoYTxDgNQxzQ8AFYFx9hMAMly_AhYN0uzP8ODMXO9NLRlusrH5VhfVbopJbde5jfeiujJEQles_FLUXcVtgOwNL5rPsUyoXq8PrraokcYnJlj7Klhdpasnm3SIO6HcR31j149Qt61E2338sY9di6dBVVQ6sby4z3mNptR" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="667" data-original-width="1200" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhRuh0EgTCy39rwHeKZrWEdjTsjoYTxDgNQxzQ8AFYFx9hMAMly_AhYN0uzP8ODMXO9NLRlusrH5VhfVbopJbde5jfeiujJEQles_FLUXcVtgOwNL5rPsUyoXq8PrraokcYnJlj7Klhdpasnm3SIO6HcR31j149Qt61E2338sY9di6dBVVQ6sby4z3mNptR=w400-h223" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Por otro lado, el aspecto visual en el que siempre destacaban sus creativas escenografías ahora lucen con todas las costuras expuestas (algo que ocurría también ya <i>Asteroid City</i>), mostrando toda su artificialidad.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Dicen que los fans de Anderson son muchos y están siempre dispuestos a aceptarle todo. Personalmente creo que sus seguidores ya no estarán tan dispuestos a ello y que después de ver estos cortos van a disminuir. Esperemos que esta especie de crisis o etapa experimental por la que está atravesando Anderson pase pronto y podamos disfrutar de la frescura, orignalidad y creatividad que tenían sus primeras historias.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-32678502493514609362023-09-17T17:23:00.002-05:002023-09-17T17:27:59.728-05:00El Conde<p><span style="font-family: arial;">Pablo Larraín es uno de los cineastas chilenos más prolíficos y de filmografía más variada de los últimos años. Su obra contiene tanto retratos de personajes especiales como Tony Manero (2008) o Ema (2019), como situaciones de la historia de su país No (2012), El Club (2015) o Neruda (2016). E incluso ha trabajado en Hollywood haciendo dos retratos de personajes femeninos icónicos con Jackie (2016) sobre Jackie Kennedy y Spencer (2021) sobre la princesa Diana de Gales.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En esta ocasión El Conde, definida por él mismo como una sátira sobre Augusto Pinochet, vendría a ser su película más atípica en la que juega con elementos del cine de terror (tanto clásico como gore) y con la comedia satífica.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Presentada en blanco y negro, para darle una estética entre gótica y expresionista, El Conde se centra en la premisa de que el general Augusto Pinochet, quien dio un golpe de estado y se convirtió en dictador de Chile por casi 20 años, es en realidad un vampiro que sobrepasa el cuarto de milenio, y que fingió su muerte en el 2006 para poder seguir bebiendo sangre sin problemas en un país que ya no lo quería.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La metáfora de un Pinochet vampiro era una buena idea en el papel, que se podía explotar de muchas formas, por ejemplo incidiendo más en lo histórico (que solo se menciona) o acentuando el terror de la trama vampiresca, para darle un matiz mucho más misterioso, en lugar de limitarse en frías ejecuciones gore, de las que muy pocos apenas se extrañan.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQn8kv0OVPT6B9GG6sNWb7lNq6qgTHfhhqAb6-IkDYASxY0wN8aUAH_qPgeF8UGUdlojzNbwP05T99Xsby9CNMjZVSFoaj-KrPgEnpHeGX4E8hVVMHTnYaoy32_kU46DqrU88yhsv_PAGpaRBdzWZSrY_NyvRIdNEh65i4Dn1bTlCbwN4ugxnQJk_PT8f5/s553/Conde.PNG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="553" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQn8kv0OVPT6B9GG6sNWb7lNq6qgTHfhhqAb6-IkDYASxY0wN8aUAH_qPgeF8UGUdlojzNbwP05T99Xsby9CNMjZVSFoaj-KrPgEnpHeGX4E8hVVMHTnYaoy32_kU46DqrU88yhsv_PAGpaRBdzWZSrY_NyvRIdNEh65i4Dn1bTlCbwN4ugxnQJk_PT8f5/w400-h217/Conde.PNG" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div></div></div><p></p><p><span style="font-family: arial;">Larraín escoge en cambio el camino de la sátira pura, con unos personajes que no son sino caricaturas y que arrancan alguna que otra sonrisa sin llegar a hacernos reír del todo. Los personajes más interesantes: la monja exorcista (Luisa Luchtsinger) y el mayodormo ruso (Alfredo Castro), son los que mejor funcionan, la primera para ayudar a desvelar/recordar todos los crímenes y corrupción de Pinochet y el segundo porque en su dimensión servil es el que tiene las mejores líneas, pero hasta allí no más quedan.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La voz en off en inglés británico con el que inicia la película, que también tiene algunas líneas graciosas, lamentablemente también termina por cansar rápidamente y aunque al final con una sorpresa explican el porqué de su presencia, llega ya muy tarde para levantar una película que se desinfló ya varios minutos antes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Larraín ridiculiza en extremo al a familia de Pinochet y tampoco deja muy bien parada a la Iglesia Católica, pero parece contentarse con eso cuando pudo lograr mucho más.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Sin llegar a ser mala, esta sátira de Larraín, se ubica en el punto más bajo de su filmografía (hasta donde hemos podido ver), pero seguramente luego de este traspiés, se resarcirá con un trabajo interesante más adelante.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-20276629915949189802023-08-13T21:31:00.004-05:002023-08-13T21:31:27.092-05:00Western almodovariano<p><span style="font-family: arial;"> Los primeros planos de <i>Extraña Forma de Vida</i> ( A Strange Way of Life) nos muestran lo que parece será un western típico, un cowboy solitario cabalgando por montañas y llanos desolados en unos planos panorámicos que nos recuerdan al maestro John Ford.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero a medida que los planos se van haciendo más cercanos nos vamos dando cuenta que no estamos ante un western cualquiera el verde limón de la vestimenta del cowboy, a la que acompañada del tema principal del film "uma stranha forma de vida" cantada en portugués ( que nos trae a la mente los temas de Chabela Vargas incluidos en otros de sus films), nos sitúan de inmediato en el universo almodovoriano.</span></p><p><span style="font-family: arial;">El jinete que cabalga del desierto hacia el pueblo es Silva interpretado por Pedro Pascal quien va a visitar al sheriff del pueblo Jake, caracterizado por Ethan Hawke, alguien a quien no ve hace 25 años atrás y con el que vivió muchas aventuras entre México y Estados Unidos.</span></p><p><span style="font-family: arial;">A la mañana siguiente se revelan las verdaderas razones del encuentro y se sostiene un diálogo-duelo actoral entre Pascal y Hawke en el que ambos salen bien parados y además se nos adelanta gran parte de la trama que nos parece conducir a un final inexorable a irreversible.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjWhT8ir0QY7Vf9-ZRZjANjACctpycyYFMEnH_FEM9KWtAlGXL4XSVcU4nswYVD7rH3BwpHpqh99ncoQ7GBlkkuy8r5wZLlcSjae0hTWVXGzfVq-zcO9TJsz62GCNwKtP20ifeHRav29SE7AGfo1ylYtAfFko6JZEu1QP9S9ghcRMfA1FTdbLAGJFJ3H7kt" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="721" data-original-width="1200" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjWhT8ir0QY7Vf9-ZRZjANjACctpycyYFMEnH_FEM9KWtAlGXL4XSVcU4nswYVD7rH3BwpHpqh99ncoQ7GBlkkuy8r5wZLlcSjae0hTWVXGzfVq-zcO9TJsz62GCNwKtP20ifeHRav29SE7AGfo1ylYtAfFko6JZEu1QP9S9ghcRMfA1FTdbLAGJFJ3H7kt=w400-h240" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Como todo western que se respete, este incluye también su escena de duelo que por momentos nos recuerda a los mejores duelos del spaghetti western y al duelo final de Tiempo de Morir, el gran western mexicano de Arturo Ripstein; tanto el timing, como la acción, los diálogos y el desenlance están muy bien resueltos en esta escena.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y lo que sigue rompe un poco los esquemas, no vamos a entrar en detalles para no arruinar la sorpresa, pero sí podemos decir que es uno de los finales más satisfactorios del cine de Almodóvar, acompañado además de un bello score de cierre, obra de su músico Alberto Iglesias.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pedro Almodóvar ha entrado en una madurez luminosa y su obra así lo refleja. Veremos que sorpresas nos trae para más adelante.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-44051109233112431052023-06-25T21:17:00.006-05:002023-06-25T21:17:37.944-05:00Demon 79<p><span style="font-family: arial;">El camino que va tomando la <i>Black Mirror</i> la está convirtiendo en un compendio de capítulos que poco o nada tienen que ver entre sí y algunos de ellos son tan largos y distintoscque prácticamente son largometrajes independientes que bien pueden ir a un festival, estrenarse independientemente en streaming o estrenarse en una sala comercial.</span></p><p><span style="font-family: arial;">De esta nueva temporada la que cumple esas condiciones es <i>Demon 79</i>, una divertida parodia de terror que incluso al inicio en los créditos aparece bajo el nombre de otra productora Red Mirror, copiando la tipografía que usaban los títulos de las cintas de terror de la legendaria productora británica Hammer.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Dirigida por Toby Haynes, escrita por el shorunner del programa Charles Broker y Bisha Ali y protagonizada por los poco conocidos pero solventes actores Anjana Vassian y Paapa Essedieu, la historia se ubica en una pequeña ciudad al norte de Inglaterra en el año del título. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Allí una solitaria y discriminada dependiente hindú de una tienda de zapatos invoca sin querer a un demonio que la obliga a cometer asesinatos en los próximos días o de lo contrario el mundo se destruirá en una hecatombe nuclear.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Aunque guarda también alguna semejanza (sobre todo estética), con ese homenaje al giallo que es <i>In Fabric</i> de Peter Strickland, lo bueno de esta propuesta es que jamás se toma en serio a sí misma, y al ser la trama simple y sumamente entendible funciona muy bien como divertimento.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi4RC-xTQgEcM0SxFmaTB-fEX4tTin79cv10676WalaittWhYb90y9KjFSP9u1T0GhUw-RIgF9Yv5zeR6xGnsyAMorXPuxJJWWfmY7yVUnhg8F1V9n6nEaJlFdaKcnXlGcU6z0TmuyUYQGKA8irj--KNZOTK5amjhG4XWNYRWN0rUFrsNIEYm74xGOsp9-O" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="224" data-original-width="400" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi4RC-xTQgEcM0SxFmaTB-fEX4tTin79cv10676WalaittWhYb90y9KjFSP9u1T0GhUw-RIgF9Yv5zeR6xGnsyAMorXPuxJJWWfmY7yVUnhg8F1V9n6nEaJlFdaKcnXlGcU6z0TmuyUYQGKA8irj--KNZOTK5amjhG4XWNYRWN0rUFrsNIEYm74xGOsp9-O=w400-h224" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Pero tampoco es que todo sea tan light, Haynes aprovecha esta sátira para lanzarnos una denuncia a la política británica de los últimos años, sobre todo a través del personaje Michael Smart un político conservador que es una mezcla de Boris Johnson, Tony Blair y Donald Trump y en esta historia es un verdadero peligro para la humanidad: racista, cínico, polarizador, fomentador de odios, etc.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y no podíamos cerrar este texto sin dejar de destacar la música, un buena recopilación de los últimos días del Disco, entre los que destacan el trío caribeño-alemán Boney M., de gran éxito en la Inglaterra de esos años y cuyo único integrante masculino Bobby Farrell es una inspiración demoníaca en la cinta.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Lástima que no se animaron a estrenarla en salas. Pudo irle mejor.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-8079703195755363042023-04-19T12:29:00.002-05:002023-09-16T10:51:48.294-05:00En el nombre de la Madre<p><span style="font-family: arial;">Cuando murió papá hace unos años, le rendí un pequeño homenaje con algunas películas en las que aparecían padres e hijos, y sobre todo padres a punto de partir. Ahora le tocó el turno de partir a mamá y he hecho algo similar, pero esta vez con películas tuve la suerte de ver con ella.</span></p><p><span style="font-family: arial;">A estas alturas pocos no saben que mamá era una cinéfila empedernida y de ella heredé la pasión por el cine; por eso algunas veces que pasaba temporadas en mi casa, siempre tenía listo un menú de films para ver con ella, hasta que ya no pudo ver más películas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Empiezo en orden cronológico.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><b>Buscando a Greta</b> (Garbo Talks, 1984) de Sidney Lumet. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Esta película la vimos en el hoy extinto cine Sullana, y casi de casualidad, porque el film que pensábamos ver ya la habían retirado.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Con un elenco nada despreciable, probablemente muy pocos recuerden esta película de Sidney Lumet, en la que un hijo adulto (Ron Silver), intenta desesperadamente cumplir uno de los grandes deseos de su madre (Anne Bancroft), hacer que conozca a Greta Garbo, la gran diva sueca quien en esos años aún vivía, pero recluida en su departamento, alejada de cualquier encuentro social.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj6cyT_jxw_19LLH6d8_FN9djWEjXZuoehNtGgCysCvsjQPVj90ESbHoXqvLtolh8vgpZeNHoBZwGriKYrBJffWSqn3FFHnjERV1G_fKjzOPVGpxsPgs96cXt_C3g279d0FAxPpYv7yuQpRI_kdK784Xgex6d3gePqsxj5C3X--wBzeVdmIOe4eREKEcw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="311" data-original-width="526" height="236" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj6cyT_jxw_19LLH6d8_FN9djWEjXZuoehNtGgCysCvsjQPVj90ESbHoXqvLtolh8vgpZeNHoBZwGriKYrBJffWSqn3FFHnjERV1G_fKjzOPVGpxsPgs96cXt_C3g279d0FAxPpYv7yuQpRI_kdK784Xgex6d3gePqsxj5C3X--wBzeVdmIOe4eREKEcw=w400-h236" width="400" /></a></div><br /><br /><p></p><p><span style="font-family: arial;">Eso hace casi imposible su encuentro. Su hijo empieza a faltar al trabajo y hasta es abandonado por su esposa (Carrie Fisher) por lo que parece más una obsesión que cumplir un deseo maternal. Finalmente tras varios intentos fallidos y estando con su madre agonizante en el hospital, el hijo se encuentra con la actriz en un pequeño mercado y le explica la situación. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Sin decir palabra la Garbo aparece en el hospital y ayuda a la pobre mujer a partir en paz. La película no pasaría ser una comedia más sino fuera por la temática y la bien cuidada aura del personaje de la Garbo, se impone de tal modo que por momentos pareciera ser realmente la diva sueca aceptando salir de su ostracismo.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Grandes actuaciones de Silver y la siempre genial Bancroft, la última escena que comparten juntos es enormemente conmovedora, no pudimos evitar las lágrimas. Lástima que esta pequeña gran película haya pasado al olvido y hoy es prácticamente imposible encontrarla.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><b>Good bye Lenin </b>(2003) de Wolfgang Becker</span></p><p><span style="font-family: arial;">Esta película no llegó a cines, pero había leído sobre ella en Internet, me llamó la atención y estuve buscándola como loco. Finalmente al año siguiente llegó a HBO y pude grabarla en mi VHS. Yo ya vivía en Chiclayo, así que tuve que esperar viajar a Piura y de allí a Sullana para poder mostrarla a mamá, quien ya sentía curiosidad por lo bien que le había hablado de la película.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La película dio a conocer al mundo a Daniel Brühl, quien interpreta a Alex, un joven berlinés oriental cuya madre entra en coma y se pierde todo el hecho de la reunificación alemana. Por recomendación médica, la madre, una devota comunista, debía evitar las emociones fuertes, así es que Alex recrea alrededor de ella el ambiente de la extinta Alemania Oriental para evitarle el shock de tan grande cambio.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhoc0CkB7sJSYvjfHwloEvzh0o_v9dJuVutDmns95J2fHRRMp72UIgKzrYVLej5FpKs7LpZn60p0J52_GACAjq1pYSn85n3xl9ygiZlcipvEBAa0DbfN_eRsOGopF8vxXChAejQzuu0CLWGXdEoY9YKJDnI64reHaUBJBsrWf_RAeWjC4WgVm9Do2zXsA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1535" data-original-width="2125" height="289" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhoc0CkB7sJSYvjfHwloEvzh0o_v9dJuVutDmns95J2fHRRMp72UIgKzrYVLej5FpKs7LpZn60p0J52_GACAjq1pYSn85n3xl9ygiZlcipvEBAa0DbfN_eRsOGopF8vxXChAejQzuu0CLWGXdEoY9YKJDnI64reHaUBJBsrWf_RAeWjC4WgVm9Do2zXsA=w400-h289" width="400" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial; text-align: left;">Mamá se quedó encantada con los esfuerzos cada vez mayores que Alex tenía que emprender para que su madre no se diera cuenta que vivía ya en otro mundo. Si bien los esfuerzos eran también muy emotivos, estaban bien envueltos en una capa de comedia que forzaba más las risas que las lágrimas.</span></div></div></div><p><span style="font-family: arial;">Luego ella la vería luego con mi padre (quien partiría solo tres años después), y ambos disfrutaron mucho poder apreciar más de cerca un mundo del que solo habían conocido por las noticias que les llegaron a ellos entre los 70 y los 80 por los diarios y la televisión.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><b>Philomena</b> (2013) de Stephen Frears </span></p><p><span style="font-family: arial;">En los últimos años de su vida, sobre todo cuando venía a visitarme, le organizaba a mamá una especie de mini festivales con las películas nominadas al Oscar que ahora podían conseguirse a través de Internet. La última película que pudo apreciar, entender y disfrutar, antes que entrara en escena el deterioro cognitivo, fue esta película del gran Stephen Frears.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Basada en hechos reales, la película se sitúa en Irlanda, donde la señora Philomena Lee (genial Judi Dench) se une al periodista Martin Sixsmith (Steve Coogan, co autor del guion), para buscar al niño que ella se vio obligada por la directora de un orfanato católico, a dar en adopción 50 años atrás.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Si bien no son madre e hijo, la relación que se va desarrollando entre ambos tiene tintes materno filiales, y poco a poco, a pesar de la impaciencia y la sed de justicia de Sixsmith, se va dejando influenciar por la ingenuidad y amor de Philomena.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh86ORBhl4hIGU-d7-ftvb0VG_avhGcbw8ZDZNxzPdtChnLW5u4tkdPLEN_fKzS19UCpl5UYdem3-BjCe5ZNObGsxn1LktAp7kxKXACWhXSk8I6p3BId97pIt4TCeJjdXSRfNBXqwv41KZpowX0ugkmmJadVmHt6f53Rjgm_wMaA7VA-3lOr13c-WF3Cg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="387" data-original-width="620" height="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh86ORBhl4hIGU-d7-ftvb0VG_avhGcbw8ZDZNxzPdtChnLW5u4tkdPLEN_fKzS19UCpl5UYdem3-BjCe5ZNObGsxn1LktAp7kxKXACWhXSk8I6p3BId97pIt4TCeJjdXSRfNBXqwv41KZpowX0ugkmmJadVmHt6f53Rjgm_wMaA7VA-3lOr13c-WF3Cg=w400-h250" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Esto se ve reflejado particularmente hacia el final, cuando por fin se descubre que el niño murió y Sixsmith se lamenta de no poder enviar a la cárcel a los responsables, pero Philomena le responde que eso no hacía falta, porque ella ya los había perdonado.</span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Recuerdo que cuando terminamos de verla, mamá dijo que era la película que más le había gustado de ese año, porque mostraba claramente el valor del perdón. Y eso se me quedó grabado, porque claramente ella se identificaba con Philomena, mientras que mis posturas eran mucho más cercanas a las de Sixsmith.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Extraño a veces cuando miro el sillón vacío y compruebo que ella no está mirando la tele. Pero al menos quedan los recuerdos.</span></p><p><br /></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-33011308969443467302023-03-26T17:59:00.005-05:002023-03-30T17:13:46.907-05:00De Arañas y Estranguladores<p><span style="font-family: arial;"> Se han estrenado con pocos días de diferencia en diferentes plataformas de streaming dos películas que tienen sorprendentes puntos en común, aunque también varias diferencias. Se trata de la danesa <i>Holly Spider</i> estrenada en Mubi y más recientemente <i>El Estrangulador de Boston</i> (The Boston Strangler), estrenada en Stars.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En ambas hay un asesino en serie que estrangula mujeres, en ambas la policía por ocultas razones no parece hacer lo mínimo para dar con el criminal, en ambas son mujeres periodistas las que encuentran más pistas que las autoridades, y en ambas las mujeres se enfrentan a sociedades patriarcales o mejor dicho misóginas, donde a las mujeres les están vedados varios roles y quienes desafían el statuo quo deben pagar las consecuencias.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Hasta aquí las semejanzas. Las diferencias también son varias: una se sitúa en la costa este de los Estados Unidos en los años 60, la otra en el Irán de comienzos de siglo. La situación política tampoco es la misma, aun con sus limitaciones los Estados Unidos son una democracia y hasta ahora Irán es una república islámica donde las libertades son muy reducidas. En la primera película son dos mujeres reporteras las que van descubriendo las pistas del asesino, mientras que en la película iraní es un periodista hombre, la que ayuda a la protagonista.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero las mayores diferencias se dan en el tratamiento. <i>The Boston Strangler</i>, dirigida por Matt Ruskin, no tiene nada que ver con la cinta del mismo titulo de 1968. Ruskin más que centrarse en el asesino se centra en la historia de Loretta Mac Laughlin (Kiera Knightley) y Jane Cole (Carrie Coon), periodistas rivales de un pequeño diario de Boston, obligadas a trabajar juntas en el caso del estrangulador que aterroriza la ciudad, descubierto inicialmente por Loretta y bautizado con ese nombre por ambas.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjcnoAFkr9nZNoToVsy6Ow4CBv2SmCKhlw6SlE4lPRolwYJWo2PrQaIaqapeCNdSPIe3GIXPP0ZpDWCMmT-kF1p9mhGeiN-z3pxtjHa5EUlWqDG8StkoJIhCa6asFngqTMUEdxMsmTABfGNQPkqzu0wk1YP1FIHT0s3ENLwulDl2uzPaF8ZpiA2jmv49Q" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1688" data-original-width="3000" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjcnoAFkr9nZNoToVsy6Ow4CBv2SmCKhlw6SlE4lPRolwYJWo2PrQaIaqapeCNdSPIe3GIXPP0ZpDWCMmT-kF1p9mhGeiN-z3pxtjHa5EUlWqDG8StkoJIhCa6asFngqTMUEdxMsmTABfGNQPkqzu0wk1YP1FIHT0s3ENLwulDl2uzPaF8ZpiA2jmv49Q=w400-h225" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">La identidad del asesino es un misterio tanta para ellas como para el público, aunque se muestren con cierto detalle algunos de los crímenes, no llegamos a ver su rostro. El director ha elegido además contar su historia en tonos verdosos, grises y ocres, que acrecientan el tono misterioso del film y además reafirman el aire de la antigüedad que se le quiere otorgar a la película.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Las actuaciones de las protaognistas están bien, hacen a sus personajes más o menos creíbles dentro de lo que se puede, porque el guion si bien las presenta de manera interesante, no las desarrolla de manera adecuada y van perdiendo interés para el espectador.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Lo mismo pasa con la trama, ya de por sí complicada cuando empiezan a aparecer los primeros sospechosos, el exceso de explicaciones y el extendido metraje de la cinta, hacen que se pierda el misterio y el espectador solo espera al final para ver qué ha pasado.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Todo lo contrario ocurre con el tratamiento de <i>Holy Spider</i>, del iraní Ali Abbasi. Acá sabemos desde los primeros tramos quién es el asesino, sabemos de qué vive, con quién vive y hasta sabemos cuáles son los motivos que tiene para cometer esos horribles asesinatos, que acá si son mostrados con repulsivo detalle.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Parece además no haber un tratamiento de color, o al menos pareciera que se está utilizando una cámara digital que registra todo sin preocuparse por la iluminación, tanto en las escenas de día, como en las nocturnas donde se registra la luz artificial.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiaf7u1Vcb63dD19eH4FfJfJW6pkF0NHz3e2q9v5snbWldoV-5SnF0N17MTj0AloqkXGaJ-ygww3r5Y1TyJvPzwcvOKrEM_nvEjHiD3X6ulf371wnkcnCzPFMjDqc-nDO9Y7QlxgPiQeyZ89S8iEvLZRaj7cfYNxCWTUjzOvVN-ee4yVL-283XOkMGyNA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="301" data-original-width="720" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiaf7u1Vcb63dD19eH4FfJfJW6pkF0NHz3e2q9v5snbWldoV-5SnF0N17MTj0AloqkXGaJ-ygww3r5Y1TyJvPzwcvOKrEM_nvEjHiD3X6ulf371wnkcnCzPFMjDqc-nDO9Y7QlxgPiQeyZ89S8iEvLZRaj7cfYNxCWTUjzOvVN-ee4yVL-283XOkMGyNA=w400-h168" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><p><span style="font-family: arial;">Además el personaje de la periodista está mejor desarrollado y la actriz Zar Emir Ebrahimi lo interpreta muy bien, al punto de haber ganado el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes del año pasado, aunque los demás personajes no lucen tan acabados.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Sin embargo, la cinta acierta en mostrarnos una sociedad abiertamente misógina, donde un asesino de esa calaña es casi considerado un héroe nacional por el odio que gran parte de la población le tiene a las víctimas (la mayoría prostitutas y drogadictas).</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y es aquí donde reside el verdadero horror de la cinta, los verdaeros monstruos: no tanto en el asesino que finalmente es capturado y enjuiciado, sino en la población que pide a gritos su libertad o cree que es un ejemplo a seguir. Los minutos finales, una secuencia con los hijos del asesino, realmente eriza la piel.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En ese sentido <i>Holy Spider</i> es un fim mucho más interesante y de visión casi obligatoria, sobre todo en sociedades como la nuestra, donde a una mujer se le prende fuego en la calle y su asesino, huye tranquilo por la ciudad, sin que nadie lo detenga.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-35501570712507793992023-03-11T17:41:00.000-05:002023-03-11T17:41:07.276-05:00Close<span style="font-family: arial;">En estos Oscar la categoría de las mejores películas en idioma extranjero, está resultando ser más interesante que la de mejor película: la semana pasada hablamos de<i> EO</i> y hoy reseñamos una de las mejores de todas:<i> Close</i>, del belga Lukas Dhont ganadora del gran premio del festival de Cannes del año pasado.</span><div><span style="font-family: arial;"><br /></span><div><span style="font-family: arial;">Close cuenta la historia de Leó y Rémi, dos adolescentes entre 12 y 13 años, que son muy amigos, al punto que pasan todo el día jugando juntos y a veces hasta duermen en la misma habitación. Los padres de Léo son agricultores y los de Remi tienen profesiones liberales.</span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">Tras unas vacaciones de verano en la que se divierten mucho jugando en el campo, ambos ingresan a secundaria, donde debido a los comentarios de los compañeros, Léo empieza a alejarse de Rémi, provocando en este último angustia y rabia, ya que su amigo es incapaz de decirle por qué lo rechaza, ni siquiera admite que lo está haciendo.</span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEinOn9K40-vb_lGfc4Q1PiPVE9Do_O6Tt9KwgA1LKkO3ZyYBHREDs7gwXXdkQiP_2d7gX44DSozZ4NUGVHQ9W3tyng2JtKX-ONXzkiuo0etInE9li17fhh0Pm8pJmIEJ9OEj5vaInffM2kM0hBraBQQoOAEFYzcj1Tw8-Q62tu6TZo3XmwHmDl1LK0EeQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEinOn9K40-vb_lGfc4Q1PiPVE9Do_O6Tt9KwgA1LKkO3ZyYBHREDs7gwXXdkQiP_2d7gX44DSozZ4NUGVHQ9W3tyng2JtKX-ONXzkiuo0etInE9li17fhh0Pm8pJmIEJ9OEj5vaInffM2kM0hBraBQQoOAEFYzcj1Tw8-Q62tu6TZo3XmwHmDl1LK0EeQ=w400-h225" width="400" /></a></div><br /><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">Valiéndose de pocos diálogos y una cámara que los sigue en todo momento (con tomas asfixiantes e invasivas emulando al Casavettes de <i>Faces</i>), Dhont nos cuenta una historia impactante, y sin caer en ningún momento en el melodrama, la historia conmueve. Además toca temas actuales como el acoso escolar, el machismo o la masculinidad tóxica.</span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">Sin duda gran parte del mérito está también en el dúo protagonista, quienes muestran con naturalidad todos los cambios que van surgiendo en su amistad, aunque de ambos destaca Eden Dambrine, quien logra transmitir casi sin hablar, las complicadas luchas interiores que vive su personaje</span>.</div><div><br /></div><div><span style="font-family: arial;">Son dignas de destacar también la cámara de Frank Van den Eeden, quien logra captar hasta las más sutiles expresiones de los protagonistas y la música de Valentin Hadjadj, la cual nunca roba protagonismo, sino que más bien subraya y refuerza los distintos momentos de la historia.</span></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><span style="font-family: arial;">Es muy difícil que esta película se lleve el Oscar, pero sin duda está entre las tres mejores que vamos viendo al inicio de este año. Confiamos que las siguientes películas de Dhont sigan siendo así de buenas.</span></div><div><br /></div></div><div><br /></div>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-23585514723110803562023-03-05T18:39:00.002-05:002023-03-05T18:39:35.430-05:00EO<p><span style="font-family: arial;"> Eo es un burro que tiene una vida más o menos tranquila en un circo. Es artista de un número con la buena de Kassandra quien lo quiere como un hermano, pero a la vez también tiene que ejecutar labores de carga y allí si no es tratado nada bien.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Un día llegan los del Departamento de Animales y lo decomisan, junto con otros animales del circo. Esta acción, da inicio a una serie de desventuras en la que Eo se irá topando con distintos especímenes humanos, de las que casi siempre saldrá mal parado, a pesar de que algunos de estos humanos puedan tener buenas intenciones con él.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Jerzy Skolimowski es un director graduado de la prestigiosa Escuela de Cine de Lodz, Polonia, donde también esgresaron Andrzej Wajda y Roman Polanski y que ganó varios premios, entre ellos un Oso de Oro del Festival de Berlín por su film <i>Le Départ</i> (1967).</span></p><p><span style="font-family: arial;">A pesar de sus 85 años, todavía sigue trabajando, y después de 7 años nos ha presentado este largo que ya obtuvo un premio del jurado en el último Festival de Cannes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En este film, Skiolimowski va de frente al grano, desde los primeros planos sabemos que el protagonista es Eo y la cámara lo sigue constantemente. El director ha tenido también el tino y la paciencia de esperar las mejores expresiones del rostro del animal para su registro (en realidad animales, pues 6 burros se turnaron en el rol), obteniendo con esto algunos momentos muy cinematográficos, porque el film casi no necesita de diálogos.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjYvOkbQfzH6N7MCOnoJpuQ7MpkfKp5_p0I-_YcAGQ8nXluOt1spROFbqc70paU2NKiW_vzKlCgYcYcMGmq6rGPQ39Yz4yGsjd9Qycg5DNlyz52TBd_ok6yjE0gBadLPaSUMJ1mTIdT_JBMMsA2UOiUeA7h0tR6TcIZSQnnjSEi-rjEyPYdy1Fs8GFDvA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="682" data-original-width="1024" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjYvOkbQfzH6N7MCOnoJpuQ7MpkfKp5_p0I-_YcAGQ8nXluOt1spROFbqc70paU2NKiW_vzKlCgYcYcMGmq6rGPQ39Yz4yGsjd9Qycg5DNlyz52TBd_ok6yjE0gBadLPaSUMJ1mTIdT_JBMMsA2UOiUeA7h0tR6TcIZSQnnjSEi-rjEyPYdy1Fs8GFDvA=w400-h266" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Además de la buena fotografía de Michal Dymek, Skolimowsky recurre también a filtros, transiciones y cortes de edición, que nos sitúan tanto en el punto de vista, como en la mente del animal. A esto además hay que agregar la música de Pawel Mykietyn, que potencia los momentos dramáticos, cómicos o misteriosos de la cinta, no en vano se ha llevado varios premios al mejor soundtrack.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Las referencias a <i>Au hasard du Balthazar</i> (Al azar de Baltasar, 1966), el clásico de Robert Bresson, son evidentes como el mismo Skolimowski ha reconocido, pero sin llegar a las regresiones metafísicas de la película francesa. Skolimowski se limita a mostrar lo absurdo de varias situaciones humanas como la burocracia, el nacionalismo, el fanatismo deportivo entre otros.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Eo es una muestra más de que no necesitas grandes presupuestos, actores o efectos especiales para hacer una buena película. Basta tener una buena historia y saber cómo contarla. Esperemos que tenga suerte en la noche de los Oscar, pero tiene mucha competencia.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-36086686420722597462023-02-26T18:20:00.001-05:002023-02-26T18:20:25.420-05:00Ellas hablan<p><span style="font-family: arial;">Sarah Polley ingresó al mundo del cine desde muy pequeña, a los 4 años, aunque fue el papel de Sally Salt a los 12 años en <i>Las aventuras del barón Munchausen (1988)</i>, de Terry Gillian, la que la puso en el ojo público. Posteriormente haría papeles muy bien interpretados para directores como Atom Egoyan, David Cronenberg, Zack Snyder o Isabel Coixet, para quien realizó dos actuaciones memorables en <i>Mi vida sin mi</i> (2003) y <i>La vida secreta de las palabras (2005).</i></span></p><p><span style="font-family: arial;">Luego haría su primer largo <i>Away from her</i> (2006), un buen drama sobre una mujer con Alzheimer donde se nota un poco la influencia de Coixet. Más adelante sorprendería a todos con un documental sobre su infancia <i>Stories We Tell </i>(2011), donde cuenta cómo descubrió que el padre que la había criado, no había sido en realidad su padre.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Con toda esta preparación Polley nos presenta ahora <i>Women Talking</i>, basada en la novela de Miriam Toews quien a su vez se basó en un hecho real ocurrido en Bolivia, dentro de una comuna aislada de menonitas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Valiéndose de su propia voz en off (al igual que en <i>Mi vida sin mi</i>), y de breves flashback, la directora nos sitúa de plano en la problemática de la historia: varias mujeres de una comunidad religiosa despiertan con magulladuras, moretones, señas de violación entre otras cosas. Los hombres de la comuna le echan la culpa al diablo, a la imaginación o la "enorme necesidad de las mujeres por llamar la atención".</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhOHBsi6sGmTisSqUADHNJkTZ14iPXVMN0EPQ18EvQzIJy-x1rAdpLL0EgvbOkEQmF4Hy8eU1CqOxAIs83uicGwBCzomJNdC5WhzhUuDuo0-p3vPVRgZhggPghIoXz3p6CaJ84aJYoSFjNkvVWu0o6nGp9lwC3YmysFkjPZcxklG4ylWehuS1oeG_50Sw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1201" data-original-width="1800" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhOHBsi6sGmTisSqUADHNJkTZ14iPXVMN0EPQ18EvQzIJy-x1rAdpLL0EgvbOkEQmF4Hy8eU1CqOxAIs83uicGwBCzomJNdC5WhzhUuDuo0-p3vPVRgZhggPghIoXz3p6CaJ84aJYoSFjNkvVWu0o6nGp9lwC3YmysFkjPZcxklG4ylWehuS1oeG_50Sw=w400-h268" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Dispuestas a demostrar que no es nada de eso, ellas montan guardia y logran capturar a un joven intentando violar a una adolescente. Viéndose atrapado, el joven delata a todos los hombres que relizan estas prácticas, quienes son denunciados y luego encarcelados. Los ancianos de la comunidad, no están contentos con esto, así que pagan la fianza de los hombres y les exigen a las mujeres que los perdonen o de lo contrario deberán abandonar el lugar.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Las mujeres entonces, se reúnen varias noches en un granero tratando de elegir una de tres alternativas: pedonar y quedarse, quedarse y luchar o marcharse. Como ellas no saben leer ni escribir, porque allí solo los hombres reciben educación, solicitan la ayuda de August, el maestro de la comuna, quien lleva la actas de todas las reuniones.</span></p><p><span style="font-family: arial;"> A partir de ese momento la película se centra en todos los argumentos de las mujeres para quedarse o irse, sus discusiones, sus recriminaciones, y hasta sus explosiones de ira, que son interrumpidas brevemente por flashbacks que brevemente cuentan algunos detalles del pasado.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Valiéndose de su gran sensibilidad, un eficiente manejo de cámara y una buena dirección de actrices y actores, Polley logra transmitir toda la rabia y frustración, pero también los ideales y esperanzas, de estas mujeres, quienes se expresan a través de largos diálogos, sin llegar por ello a aburrir en ningún momento al espectador.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Cabe agregar que sea cual sea la decisión que tomen, estas mujeres nunca han pensado en abandonar su fe, en todas sus discusiones, la toman siempre en cuenta como guia o marco.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Es notable el gran trabajo actoral de Rooney Mara, Claire Foy y Jesse Buckley, quienes encarnan convincentemente a parte del grupo de mujeres que tiene que decidirse y también el de Ben Whishaw, como August, el sensible maestro de escuela, que es el único hombre que prácticamente aparece en escena, pues a los demás los vemos solo en tomas distantes y sin hablar.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Hemos ya mencionado el buen trabajo de fotografía a cargo del canadiense Luc Montpellier y por supuesto, no podemos dejar de mencionar el enorme trabajo en la emotiva partitura de Hildur Gudnadóttir, la talentosa música islandesa, muy solicitada ahora en un trabajo en el que recién las mujeres se están haciendo lugar en una actividad predominantemente masculina.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Nominada a dos óscares,Women Talking tiene posibilidades de obtener el de mejor guion adaptado para Sarah Polley, esperamos que así sea, porque es tiempo ya de otorgarle un estímulo, a esta, realizadora que día a día confirma su gran talento audiovisual.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-54740648360317805772023-02-22T21:16:00.005-05:002023-02-22T21:16:51.013-05:00El Triángulo de la Tristeza<p><span style="font-family: arial;">En mayo del año pasado, en el último Festival de Cannes, llamó la atención a propios y extraños que la Palma de Oro, el premio más importante del festival haya sido otorgado a este film, <i>Triangle of Sadness</i>, dirigido por el sueco Ruben Östlund.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Divido en tres partes bien marcadas (Carl & Yaya, The Yacht y The Island), la película sigue a una pareja compuesta por un modelo y una influencer, quienes ganan un premio para un crucero de lujo, junto con un grupo de excéntricos millonarios y un capitán que se niega a salir de su camarote. Posteriormente parte de este grupo de pasajeros, la tripulación y el personal de servicio van a parar a una isla, donde los roles se cambian.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Aunque los primeros minutos, en los que vemos a un gran grupo de modelos masculinos son divertidos, la primera parte llega a cansar un poco, creemos que se le dedica excesivo metraje (pareciera que si las películas no pasan las dos horas no llegan a ser consideradas al Oscar). </span></p><p><span style="font-family: arial;">La segunda parte es la más divertida Östlund se divierte diseccionando a un grupo de lo más variopinto entre los que se encuentran Dimitri un capitalista ruso y Vera su esposa, Therese una señora que sufre de discapacidad, Jarmo un millonario tech, dos encantadores ancianos traficantes de armas, fuera de una tripulación también algo particular. La diversión aumenta cuando los junta a todos a cenar durante una tormenta, con resultados desastrosos.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgBlU3TxPQBLIAk5bl3dBBpDZRuJ1POnDsbokuZoxk_pOuNp_tnqQgTFfS_IPU73gty4II7iBPGXDzuJm9JBMRknWPwi5v3bpZzx4blzcxA8yxD-dUNALObvJ-Z-Sk1CQ51FdEoOaAarcImXIrjH-E8b9vnOjrZxAnoLUaLfPHyoNNeLvaRCU_PPyRV9g" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="580" data-original-width="866" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgBlU3TxPQBLIAk5bl3dBBpDZRuJ1POnDsbokuZoxk_pOuNp_tnqQgTFfS_IPU73gty4II7iBPGXDzuJm9JBMRknWPwi5v3bpZzx4blzcxA8yxD-dUNALObvJ-Z-Sk1CQ51FdEoOaAarcImXIrjH-E8b9vnOjrZxAnoLUaLfPHyoNNeLvaRCU_PPyRV9g=w400-h268" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">La última parte que parecía iba a ser una parodia de El señor de las moscas (1963), tenía sus momentos graciosos, pero termina un poco perdiendo la brújula y se nota que el director tuvo problemas con el final, porque ha elegido uno que es poco satisfactorio.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Östlund quien ya había ganado Cannes en el 2017 por su film <i>The Square</i>, parece ser percibido por los jurados del festival y cierta crítica como una especie de nuevo Buñuel, por la forma cómo se burla de la alta burguesía y la gran carga de humor negro que dispara en sus películas.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero si bien hay cierta gracia en sus películas, el realizador sueco está todavía a leguas del gran maestro español. Se acercaría un poco si se animara a jugar la carta del surrealismo en sus films, pero por ahora solo la sugiere.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pese a que el espaldarazo de Cannes le ha permitido llegar hasta los Oscar (y seguro se llevara uno o dos) Östlund es un director que todavía tiene mucho por recorrer para traernos una obra maestra. Pero al menos lo está intentando.</span></p><p><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p><br /></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-31885115581838078842023-02-17T12:36:00.008-05:002023-02-17T12:36:57.116-05:00Babylon<p><span style="font-family: arial;"> Damien Chazelle se reveló como una gran promesa en el cine hace algunos años con <i>Whiplash </i>(2014), que contaba la historia de un joven estudiante de música que tocaba la batería y debía sufrir el maltrato de un profesor maníaco.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Esa promesa se fue concretando más adelante con <i>La La Land </i>(2016), un sorprendente musical en toda la regla, que sin embargo se vio opacado por no recibir el Oscar a mejor película que fue a parar a manos de la hoy poco recordada <i>Moonlight</i>.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Después del éxito de <i>First Man</i>(2018), se esperaba que <i>Babylon</i> fuera un gran éxito y la productora no escatimó en gastos para otorgarle un enorme presupuesto al realizador, quien pretendía al mismo tiempo rendir homenaje al Hollywood del cine silente de fines de los locos años 20 y al mismo tiempo criticar a un sistema que explotaba a sus artistas, succionando sus talentos y a quienes luego desechaba cuando dejaban de ser útiles.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero <i>Babylon</i> es mucho más que un homenaje o una diatriba. Desde el inicio ver esta película es como subirse a una montaña rusa a toda velocidad que parece que siempre está a punto de descarriarse, con un ritmo vertiginoso que apenas disminuye algo a la mitad, para luego volver con todo en el último tramo.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhk_RcSje4PWIjmlh9ZlVPTkE1a3L4Flurizi--GdaioC-s2V5saZbpjOGXPAznDtKSIhVfGOuRdBrINx1ifF3V6JuU55f1KMONmnvWYpM47pO-GnlYqIrWgaAtzw9n9eXEetUuDrj4KfjkNTa4uBEKIvnlQbzAZnMkvATn112nN5aaniOKBF30cFuFIw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhk_RcSje4PWIjmlh9ZlVPTkE1a3L4Flurizi--GdaioC-s2V5saZbpjOGXPAznDtKSIhVfGOuRdBrINx1ifF3V6JuU55f1KMONmnvWYpM47pO-GnlYqIrWgaAtzw9n9eXEetUuDrj4KfjkNTa4uBEKIvnlQbzAZnMkvATn112nN5aaniOKBF30cFuFIw=w400-h225" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">La película sigue a tres personajes el mozo mexicano Manny Rodríguez (un cumplidor Diego Calva), la aspirante a actriz Nellie La Roy (desperdiciada en un rol en el que no es otra cosa que una caricatura de sí mismo), y la estrella del cine mudo Jack Conrad (más convincente, gracias a una escena que lo hace salir mejor parado que sus compañeros). También podemos mencionar al trompetista Sidney Palmer (Jovan Adepo), por tratar de sacar adelante a un personaje atrapado en el cliché.</span></p><p><span style="font-family: arial;">El ritmo y el vértigo de la primera hora, hace que la película parezca amena, aún a pesar de sus excesos y su larga duración. Los personajes caen bien al inicio, y todos estos momentos pueden tomarse como una cinta de humor, a veces muy negro pero humor al fin y al cabo.</span></p><p><span style="font-family: arial;">El problema viene después, más o menos entrando a la segunda hora cuando la película pretende ponerse seria y pretende darle una profundidad dramática a sus personajes principales, cosa que no logra en ningún momento.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Tampoco es que la película sea muy original, pues varios momentos han sido tomados de <i>Singin'</i></span><i style="font-family: arial;"> in the Rain (1952) </i><span style="font-family: arial;">el clásico de Donen y Kelly, del que incluso vemos varias imágenes cerca del final.</span></p><p><span style="font-family: arial;">La tercera hora es aún peor, salvo el rescatable diálogo entre Jack Conrad y la cronista Elinor St John (Jean Smart), la película inicia un descenso a los infiernos (por momentos literal), en la que se va borrando todo resto de humor y diversión que tenía la primera parte.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Finalmente el extensísimo epílogo tampoco ayuda a cerrar una historia que hace rato se le ha ido de las manos a su director. Del pretendido homenaje del que hablamos al inicio, quedan solo buenas intenciones.. </span></p><p><span style="font-family: arial;">Quizá todo hubiera funcionado mejor si <i>Babylon</i> se hubiera pensado como un musical pues la partitura de Justin Hurtwitz, junto a la edición de Tom Cross es de lo mejor de la película -a diferencia de la irregular fotografía de Linus Sandgren- pero eso nunca lo sabremos.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Podemos decir sin dudas, que es el film más flojo de Damien Chazelle, pero aún así se trata de una producción superior al promedio. Veremos si más adelante se repone de este traspiés. </span></p><p><br /></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-59675438550276487802023-02-12T21:40:00.003-05:002023-02-12T21:40:32.151-05:00Los Fabelmans<p><span style="font-family: arial;">Steven Spielberg el cineasta que deslumbró a medio mundo con <i>Jaws</i> (1975), con apenas 29 años y que luego se anotó éxito tras éxito, recibiendo el apodo de Rey Midas de Holywood por sus taquilleros ingresos, iba a ahora a contarnos una historia sobre su infancia, más o menos eso es lo que dijeron la noticias cuando se terminaba el rodaje de <i>Los Fabelman</i> (The Fabelmans, 2022), el breve período de tiempo en la vida de una familia judía, en el que el primogénito termina convirtiéndose en cineasta.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Tras leer esa noticia, uno ve la película buscando al personaje que estará basado en el director y viendo también cuál o cuáles fueron los momento decisivos en los que finalmente terminó optando por el cine, en lugar de seguir en la universidad y terminar como su padre.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Y desde el inicio, cuando vemos que el pequeño Sam, en New Jersey 1952 va al cine por primera vez con sus padres, quienes lo llevan a ver la película de Cecil B. De Mille <i>The Greatest Show on Earth, </i>parecería que se trata de una biopic del realizador. El inicio, nos trae recuerdos de otro film basado en vivencias de la infancia: <i>Radio Days</i> (1987) de Woody Allen.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero a medida que va avanzando la película (y lo hace muy rápido en estos primeros momentos), la trama principal va siendo opacada por la trama secundaria centrada en los problemas maritales de los Fabelman; tanto así quel personaje de Mitzy, la madre, desplaza casi por completo al del pequeño Sam, debido principalmente al buen trabajo de la siempre eficiente Michelle Williams, quien trata de darle todos los matices, a un personaje ya de por sí complejo.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Felizmente, antes de terminar la primera hora irrumpe en escena el veterano Judd Hirsch (nominado también al Oscar, como mejor actor de reparto), y aunque el tío Boris aparece solo unos minutos, su presencia es crucial para volver a encauzar el film a su camino y para levantar una historia que ya se estaba cayendo. Esa escena lo tiene todo: horror, comedia, drama, tragedia y confirma lo buen actor que es Hirsch.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Luego salta de algunos momentos cómicos a otros más dramáticos, siempre entre la vocación de Sam y los problemas de su madre, hasta que llegamos al final. Hasta aquí, aparte de la llegada del tío, tampoco hemos nada extraordinario, hasta llegar al epílogo, y bueno... ¡qué epílogo!, esa escena aparte de cerrar magníficamente el film (uno de los mejores finales que ha hecho Spielberg), nos retrocede a un Hollywood de gloria, que un joven Spielberg todavía alcanzó a ver. No diremos más para no echarles a perder ese momento.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjd_IjtvrLKWmtQJx1Etzbbx8PQxYji_0jPGCFhe4cY1uyjbvdFU2DN9ypqsciqifblLV_fN5ajCAr0D357-_tpCAKacFQJ0xaJwP5MIMW-Vz0yK8RbW6-ic_Ux8AGprNm1fLfXSsdeCzNwZL4AWxrvahi0w243BCsJ_hN8a5Inq8_1s1vvt05p4Q6pOQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="390" data-original-width="640" height="244" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjd_IjtvrLKWmtQJx1Etzbbx8PQxYji_0jPGCFhe4cY1uyjbvdFU2DN9ypqsciqifblLV_fN5ajCAr0D357-_tpCAKacFQJ0xaJwP5MIMW-Vz0yK8RbW6-ic_Ux8AGprNm1fLfXSsdeCzNwZL4AWxrvahi0w243BCsJ_hN8a5Inq8_1s1vvt05p4Q6pOQ=w400-h244" width="400" /></a></div><br /><br /><p></p><p><span style="font-family: arial;">Técnicamente es impecable: la fotografía de Janusz Kaminski (imitando los tonos technicolor del cine de los 50 y luego los del Eastmancolor de los 60), la siempre eficaz música de John Willliams, la edición de Sarah Broshar y Michael Kahn, la dirección artística de Andrew Max Chan, entre otros logran que el producto mantenga una calidad a la que nos tiene acostumbrados Spielberg.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero la historia no termina de convencer, a nuestro juicio parece algo desequilibrada, aunque esto no termine arruinando el film.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En conclusión si bien <i>The Fabelmans</i> no está entre las mejores películas del Rey Midas, ni se trata tampoco de una obra maestra, contiene dos momentos de gran cine que la hacen prácticamente inolvidable y ya solo por esos momentos vale la pena verla.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Nominada a 7 óscares, quizá se lleve uno o dos, pero bastante difícil que se lleve el de mejor película, sobre todo con tanta competencia.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2403815618167557358.post-34514249123756987102023-02-09T19:14:00.003-05:002023-02-09T19:14:47.947-05:00Tár<p><span style="font-family: arial;"> Lydia Tár es la primera directora de la orquesta filarmónica de Berlín, lo cual es un logro impresionante. Por eso desde los primeros minutos la vemos siendo entrevistada, estando a punto de dirigir y grabar la Quinta Sinfonía de Mahler, conversando con gente importante o dictando clases en la prestigiosa y exclusiva escuela Julliard.</span></p><p><span style="font-family: arial;">En esta primera parte, que sirve para presentarnos al personaje, podemos conocer a una persona en apariencia muy segura de sí misma, que ha llegado a la cúspide de su carrera y que está muy bien relacionada; todo mostrado en secuencias muy ágiles y a pesar de la abundancia de diálogo, bastante amenas, y en algunos momentos (como cuando nos muestra los detalles del exclusivo mundo de la música clásica) hasta deslumbrantes.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Superada esta primera parte, el director nos va mostrando detalles que nos indican que este control y este poder de Lydia Tár podrían no son lo que parecen. Vamos viendo problemas que vienen del pasado, de las relaciones que ella ha tenido con algunas intérpretes de orquesta, de los cambios que quiere hacer en la orquesta, de las pastillas que toma, de la difícil relación con su pareja y también de lo que parece ser un sabotaje a sus nervios, desde su propia casa.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Estas dos Lydias, la que tiene todo bajo control y la que parece irse desmoronando tras una serie de malas decisiones, o mejor dicho, este proceso en el que la Lydia segura y manipuladora, va dando paso a una Lydia a la que las cosas le salen mal y todos abandonan, es interpretado magistralmente por la gran Cate Blanchet.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Es más podríamos decir que ella es la película, pues aparece casi en todos los encuadres, y si los casi 160 minutos de metraje no parecen excesivos, es porque ella siempre nos hace estar pendientes de lo que la pasa a su personaje. Con los diversos matices de su voz (que se pierde totalmente en la versión doblada), con sus miradas, los sutiles movimientos de su rostro o con su lenguaje corporal que se expresa con más fuerza cuando dirige la orquesta, Blanchet logra otra de su actuaciones 10 sobre 10, prácticamente perfecta.</span></p><p><span style="font-family: arial;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi7Ic0zERDjiHGP36jkk5BPpCx8_hnBdiI9vqy66-TUFcxEJA6Z0eYWXYTWtIj0wsun1B6tzZ7j23bSIaQnpi2EcoOQsbLcqCIg-Vl6oGI7tR476M1GY2tMTzhhnbg5S7w6WQgR5C3Yj4Adgyea-kl-YhBrjfkwhJry8RMmNlxCOzIg5YFXpfXFCGUKhA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="880" data-original-width="1791" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi7Ic0zERDjiHGP36jkk5BPpCx8_hnBdiI9vqy66-TUFcxEJA6Z0eYWXYTWtIj0wsun1B6tzZ7j23bSIaQnpi2EcoOQsbLcqCIg-Vl6oGI7tR476M1GY2tMTzhhnbg5S7w6WQgR5C3Yj4Adgyea-kl-YhBrjfkwhJry8RMmNlxCOzIg5YFXpfXFCGUKhA=w400-h196" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><br /></span><p></p><p><span style="font-family: arial;">Pero Tár tiene más cosas, podemos destacar un excelente trabajo de reparto pues todos los actores que aparecen con Blanchet no son opacados por ella. O podemos hablar también del excelente trabajo del cinematógrafo Florian Hoffmeister quien con precisos encuadres, iluminaciones o movimientos de cámara, ayuda a que no perdamos el interés por la protagonista. Y claro tenemos que hablar también de la partitura de Hildur Guonadottir, una de las más brillantes compositoras de música para cine de estos momentos, y que al igual que el personaje de Tár, se ha hecho de un lugar en un mundo predominantemente masculino.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Pero también debemos hablar de Todd Field, un actor-director de escasa filmografía, pero que ya había dado muestras de su conocimiento de las relaciones humanas en su obra anterior <i>Little Children </i>(2006)<i>.</i> Field, no solo ha contado una biografía de manera brillante, sino que también ha tocado con maestría temas que hoy preocupan mucho como la llamada cultura de la cancelación, el abuso del poder y la fuerza de las denuncias.</span></p><p><span style="font-family: arial;">Concluyendo Tár es una película exquisita, si viviéramos en un mundo ideal debería llevarse todos los óscares, pero probablemente solo obtenga dos o tres. De todos modos, esperemos que Field no nos haga esperar tanto para su próxima película.</span></p>Milton Calopiñahttp://www.blogger.com/profile/07053210906567369962noreply@blogger.com0