domingo, 29 de septiembre de 2013

Blockbusters 2013

El verano estadounidense (invierno para nosotros), es la temporada mayor para los grandes estrenos cinematográficos o blockbusters. Este año han sido un poco decepcionantes, aunque un poco tarde, aquí comentamos algunos.
EL HOMBRE DE ACERO (Man of Steel)
La mayor decepción y no tanto porque sea mala (aunque de todas maneras lo es), sino porque se esperaba mucho de ella, luego del fracaso comercial de Superman Returns (Bryan Singer 2006) y de lo que podía hacer el director de 300 o Watchmen, Zack Snyder.

Pero la película no funciona desde el comienzo: un Krypton terrorífico mezcla de primitivismo y tecnología, espanta. Luego el narrar la historia de un Clark Kent buscándose a sí mismo, empleando mal los recursos de una Road Movie y la narración en Flashback para continuar en un absurdo encuentro entre Clark y Luisa Lane (¿cómo se les ocurre Luisa conozca desde el comienzo que Clark no es superman?)  hasta ese absurdo final, en el que recién aparece el Kent periodista con lentes.
Solo el villano, interpretado por Michael Shannon, ayuda a darle un poco de dignidad a una película, que ha logrado hacernos sentir seguros de dos cosas: 1. La película de Bryan Singer no era tan mala y 2. Al parecer tendremos que esperar mucho tiempo, para que se supere la hoy clásica versión de Donner del 77.

EL LLANERO SOLITARIO (The Lone Ranger)
Otra decepción mayúscula, casi tanto como lo fue Man of Steel. No entendemos que quiso hacer Verbinski el director de esta cinta: si una parodia del personaje o algo serio. Al final no es ni una cosa ni la otra. El personaje de John Reid que encarna Armie Hammer es tan insulso, y cabeza hueca que es imposible identificarse con él, así sea una parodia.

Incluso el personaje de Toro, que sale menos dañado de la película, también ha sido denigrado, no es el indio inteligente y reflexivo que guiaba los pasos de su amigo blanco, sino un expulsado de su tribu, con desequilibrio mental y que la mayor tiempo actúa como payaso. Y qué podemos decir de la cereza que adorna el pastel: cambiar el significado de la frase kemo sahbee de amigo sincero, a hermano equivocado, es por decir lo menos ofensivo.
Sabemos que las adaptaciones y las parodias son libres y que los guionistas y directores pueden tomarse ciertas licencias, pero creo que esto es demasiado, esas libertades no les deben dar derecho de maltratar a un personaje de este modo. Es una pena, tuvieron una linda historia entre sus manos y la han echado a perder, por muchos años pues sería raro que alguien se atreviera a volver a adaptar esta historia después de la masacre de la que ha sido víctima
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G. I. JOE: LA VENGANZA (G.I. Joe: Retaliation)
Luego del gran fracaso del primer G.I. Joe, los productores han intentado darle un buen empujón a la serie tomado decisiones arriesgadas, para tratar de conservar la franquicia. Entre esas decisiones están eliminar a Duke en los primeros 20 minutos de la cinta, ignorar a un nutrido grupo de personajes del primer G.I. Joe como el general Hawk,  Ripcord, a Cover Girl  y a Scarlett, y  traer a personajes que no aparecieron en la primera como Jaye Roadblock (Dwayne Johnson) Jaye (Adrianne Palicki) y el general Joe Colton (Bruce Willis).

Del lado del mal también hay bajas, han desaparecido The Doctor y La Baronesa y a  Dextro casi no le han dado cámara, han incluido también un par de villanos más: Zartan y  el doble del presidente, quien está a punto de iniciar una guerra nuclear de apocalípticas consecuencias. Al final: otro blockbuster más perfectamente olvidable.

STAR TREK : EN LA OSCURIDAD (Star Trek: Into the Darkness)
Cuando JJ Abrams, volvió a contar la historia de Star Trek, centrándose en los días jóvenes de la tripulación del Enterprise, tuvimos muchas dudas, era un desafío enorme, pero poniéndole pasión y esfuerzo recreó dignamente a los personajes, y contó historias emocionantes.


Ahora regresa con otra historia de un personaje misterioso que llega a sembrar el caos a la tierra y luego a poner en peligro la seguridad espacial. Abrams no se hace problema: la historia es sencilla, y el desarrollo de la trama muy dinámico, con logradas escenas de acción y efectos especiales, que le dan un atractivo a la cinta, la cual atrapa también por su ritmo, que no da respiro.
El resultado final, quizá no sea tan bueno como en la primera, pero de todas formas es un película lograda, que cumple y que mantiene viva la serie. Mientras, nos preparamos con ansias para recibir las nuevas historias de Star Trek que nos traerá Abrams.

TITANES DEL PACÍFICO (Pacific Rim)
Guillermo del Toro logra llevar al cine por fin uno de sus temas favoritos: las sagas de robots gigantes, inspirados definitivamente en los ánimes televisivos y series japonesas que vio hace años, como Mazinger Z, El Hombre de Acero,  Ultraman o que se han visto más recientemente como Evangelion.

Del Toro nos presenta directamente el tema: enormes criaturas prehistóricas yacían todo este tiempo bajo el fondo del mar y algo las ha despertado. Luego de destrozar varias ciudades, la humanidad crea robots gigantescos para enfrentarlas con éxito al comienzo, pero cada vez salen más y aprenden a defenderse mejor, por lo que cuatro conductores de estos robots deciden ir a la brecha por donde salen los kaijus, en un intento desesperado por sellarla.
Aunque la historia no es muy original, no está muy bien contada y los personajes apenas están esbozados, Pacific Rim emociona, entretiene y sorprende con los efectos especiales. Nunca hemos visto robots gigantes pelear con tanta precisión en el cine.



viernes, 6 de septiembre de 2013

La Muerte de Don Corleone

Quizá pocos saben aún que una de las escenas finales de El Padrino (1972), fue realizada y concebida casi en su totalidad por el actor principal, Marlon Brando. La escena de la muerte de Don Vito Corleone, dueño y jefe absoluto, durante muchos años, de la mafia de la Costa Este, y que ahora está enfermo tratando de pasar, poco a poco su autoridad y sus poderes a su hijo Michael.
La película fue dirigida de forma verdaderamente autoritaria por Francis F Coppola y el guión fue realizado de forma admirable, por Mario Puzzo, autor de la novela que da origen a la película. Sin embargo, ni el director ni el guionista habían hecho previsiones para la muerte de Corleone, aunque la lógica interna de la película parecía exigir algún tipo de tratamiento especial en ese momento. Así que fue Brando, actor formado en el Actor’s Studio -donde aprendió a buscar y sentir el realismo sicológico de los personajes – a quien se encargó que diera forma y cuerpo a esta escena, que se escapaba de las manos de los demás. El resultado supuso un cambio completo de la dimensión y del sentido básico de la película.
El problema era meramente técnico, ya que lo que contaba la novela no era muy visual, no se podía traducir en términos de imágenes. En su libro, Puzzo  describe la muerte de Corleone en metáforas de calor y luz:
De pronto sintió como si el suelo hubiera bajado muy cerca de su cabeza. El Aire se llenó de pequeñas y danzarinas manchas doradas. El hijo mayor de Michael vino corriendo por el jardín hacia el lugar en el que se había arrodillado Don Corleone, y el niño aparecía envuelto en una nube de luz…La muerte se escondía detrás de esa nube amarilla preparada para golpearle y Don Vito con un gesto de la mano quiso alejar al niño de su presencia.
El lenguaje parece, en un principio bastante visual, incluso sugería una materialización fotográfica, pero ¿cómo se podría filmar esto? Aunque es muy fácil crear  manchas doradas, en el aire con la pluma, es muy difícil materializarlas en una imagen cinematográfica. El color quedaría destruido si se usaba un filtro amarillo. El color se podía insinuar recurriendo a la sobreexposición, para conseguir así un color blanquecino, en las hojas verdes del jardín de Don Vito.  0 tal vez se podía haber filmado directamente, sin ninguna protección para la lente, de cara a la luz, y así se podían obtener burbujas de reflejos y brillos.
Pero todo esto se ha visto tantas y tantas veces antes en el cine, que se ha convertido en un tópico. Con gran acierto por tanto, el director prefirió dejar todo el peso de la escena en las manos del actor y no en las del operador. Ya que en esta escena, Don Vito está solo, con el niño de Michael, la escena no se podía apoyar en el diálogo o en la conversación la escena pedía mimo, expresión corporal, acción sutil pero significativa. Con esta idea en la cabeza Brando comenzó a trabajar con el niño, su único compañero de rodaje. En primer lugar se puso un gran trozo de manzana en la boca, haciendo que su cara adquiriese una expresión desfigurada, monstruosa, para provocar la reacción del niño, pero con este pequeño truco no solo consiguió la reacción del niño, sino que también contribuyó a definir, fatalmente, y de una vez por todas, la personalidad el propio Corleone.
Tal y como se hizo, la escena de Don Vito y el niño es una de las más expresivas de toda la película, encontramos a Don Vito en su pacífico su jardín, donde ya lo había colocado Puzzo en su novela, ocupado en la pequeña huerta, retirado de toda actividad exterior, dedicado a su familia y a la administración de sus propiedades. El mismo huerto, es un símbolo en sí mismo, es como el espejo que refleja el paternalismo de Don Vito. Poco antes de que inicie esta escena él ha tenido su última conversación con su hijo Michael, un heredero indeciso del gran imperio del crimen, fundado por Corleone. Durante esta entrevista con Michael Vito trata a su hijo como si fuese un niño e inmediatamente le pide disculpas por el tipo de vida que le ha obligado a vivir, a él, a su hijo más querido.
Estas dos posturas quedan claramente  recogidas en la escena de la muerte de Corleone. Primeramente,  Corleone coge un fumigador y le enseña a su nieto como matar a los parásitos e insectos por lo que introduce en la escena el tema de la muerte una de las ocupaciones cotidianas de la mafia. A continuación y de una forma divertida, se convierte (gracias a la manzana en la boca) en un monstruo, para hacer reír al niño, pero la máscara del monstruo es al mismo tiempo, el reflejo de la última confesión y la última definición que de sí mismo ha hecho Corleone en la entrevista anterior con Michael.  Así habiéndose revelado moralmente, Corleone ha puesto en niño en contacto con un objeto mortífero. Corleone cae y muere sabiendo que la nueva generación seguirá con lo que él ha iniciado. De esta forma, una escena, que lo único que buscaba era ocupar en algo a un actor, llegó a convertirse gracias a Brando, en el resumen de todos los temas centrales de la película.

(Tomado de “El  Cine, un Arte Compartido” de James F. Scott 1979 Ed. EUNSA Pamplona, España)

Dos películas de Tom Cruise

De forma poco usual, este año se han estrenado dos películas de  Tom Cruise, la primera Jack Reacher, que cuenta la historia de un ex marine que lo que mejor sabe hacer es desaparecer y Oblivion, sobre un futuro distópico, con la humanidad a punto de desaparecer en una guerra con aliens.

JACK REACHER
Jack Reacher comienza bien, un psicópata ex combatiente de Irak es acusado de cometer una matanza, y manda a pedir a Jack Reacher para que investigue y pruebe su inocencia. La llegada de Reacher capta la atención, es un personaje misterioso, que se mueve muy bien en el secreto y el asunto en que se ve envuelto parece tener todos los ingredientes para mantenernos intrigados.
Luego hay algunas peleas, escenas de acción, pero  lamentablemente a medida que se desarrolla la historia, va cayendo en los mismos tópicos de siempre, volviéndose predecible, haciendo que el film pierda rápidamente interés. Ni siquiera la buena actuación del cineasta alemán Werner Herzog, como el villano ruso de turno, terminan de levantar el film.
Completan el elenco un desperdiciado Robert Duvall y una poco creíble Rosamund Pike, ex-chica Bond, en el que será seguramente su rol menos recordado.

OBLIVION
La otra película si fue toda una sorpresa, no solo porque Cruise nunca ha estrenado dos cintas en un año, sino porque se trata de una producción con poca difusión, que estuvo pocos días en cartelera  y seguramente con el tiempo se convertirá en una película de culto.
Oblivion se ambienta en una tierra que ha sido devastada por una guerra con extraterrestres, y cuyos pocos sobrevivientes han huido a una luna de Saturno. En el planeta que solía ser nuestro hogar parecen quedar solo una pareja de humanos, que se dedican a darle mantenimiento a los drones que vigilan la tierra, los cuales suelen ser atacados de cuando en cuando por unos seres llamados los merodeadores supuestos invasores.
Pero Jack, uno de los sobrevivientes, no se encuentra tranquilo, constantemente tiene sueños con una mujer, a la que desconoce, pero debido a la fuerza con que aparece en cada sueño, él cree que no es una fantasía, sino un recuerdo. Justo cuando menos lo espera, una nave terrícola cae en un sector de su vigilancia y al ir a buscar a los sobrevivientes, Jack se encuentra con la mujer de sus sueños: esto no solo le traerá problemas en su hogar, sino también que le hará incrementar sus dudas y cuestionamientos.
Narrada con buen ritmo, con personajes bastante creíbles, la película aprovecha muy bien los espacios en los que ha sido filmada, dando una visión entre nostálgica y triste del otrora planeta habitado y hoy a punto de destruirse. Hay un muy buen uso de los espacios abiertos, destacados a través de grandes panorámicas, que muestran un planeta que a pesar de su devastación, no ha perdido su belleza. Esto se combina sabiamente con el uso de los efectos especiales, entre los que destacan los que dan vida a las naves especiales, especialmente durante las batallas aéreas.
Otro acierto es el reparto, a un contenido Tom Cruise, que luce mejor de lo habitual, lo acompañan una eficiente Andrea Riseborough, una tierna Olga Kurylenko y un siempre solvente Morgan Freeman (a pesar de su breve rol), que hacen en conjunto un buen equipo.
Por otra parte, los giros que da la historia, no son caprichosos y son bastante efectivos para mantener enganchada a la audiencia. Con elementos que recuerdan a Matrix, Terminator y otras cintas de Ciencia Ficción, esta película está dirigida por el autor del comic en el que se basa el film: Joseph Kosinski, quien ha demostrado bastante solvencia en este trabajo, (mucho más de lo que hizo en su ópera prima Tron Legacy, 2009) y se convierte en un director de quien esperaremos con interés sus siguientes trabajos.